Les 10 œuvres les plus célèbres de Léonard de Vinci

Léonard de Vinci (15 avril 1452 – 2 mai 1519) était un mathématicien italien de la Haute Renaissance qui était actif en tant que peintre, dessinateur, ingénieur, scientifique, théoricien, sculpteur et architecte. Alors que sa renommée reposait initialement sur ses réalisations en tant que peintre, il est également devenu connu pour ses cahiers, dans lesquels il a fait des dessins et des notes sur une variété de sujets, notamment l’anatomie, l’astronomie, la botanique, la cartographie, la peinture et la paléontologie. Le génie de Léonard incarne l’idéal humaniste de la Renaissance et ses œuvres collectives constituent une contribution aux générations futures d’artistes qui n’a d’égale que celle de son jeune contemporain, Michel-Ange. Leonardo est l’un des plus grands peintres de l’histoire de l’art et est souvent considéré comme le fondateur de la Haute Renaissance. Malgré de nombreuses œuvres perdues et moins de 25 œuvres majeures attribuées, dont de nombreuses œuvres inachevées, il a créé certaines des peintures les plus influentes de l’art occidental. niood répertorie les 10 œuvres d’art les plus célèbres de Léonard de Vinci :

1. Mona Lisa (c. 1503–19)

La Mona Lisa est une peinture à l’huile de l’artiste, inventeur et écrivain italien Léonard de Vinci. Probablement achevée en 1506, la pièce présente un portrait d’une femme assise dans un paysage imaginaire. Rendu de la même manière que les représentations de la Renaissance de la Vierge Marie, la pièce présente une figure féminine, considérée par la plupart comme Lisa Gherardini, l’épouse du marchand de draps et de soie Francesco Giocondo, de la taille jusqu’à la taille. Elle est représentée assise dans une loggia ou une pièce avec au moins un côté ouvert. Derrière elle se trouve un paysage brumeux et apparemment isolé imaginé par l’artiste et peint à l’aide de sfumato, une technique résultant en des formes “sans lignes ni bordures, à la manière de la fumée ou au-delà du plan de mise au point”. Son regard est une autre partie envoûtante de la composition. Beaucoup pensent que ses yeux vous suivent à travers la pièce, ce qui fait d’elle une participante active lorsqu’elle est vue, plutôt que de rester un objet à regarder. En plus de son apparence mystérieuse, son expression a le plus résonné chez les historiens de l’art pour son possible symbolisme, car beaucoup pensent qu’il s’agit d’une “représentation visuelle intelligente de l’idée de bonheur suggérée par le mot” gioconda “en italien”.

L’une des raisons les plus populaires de l’attrait mondial de la Joconde est son sourire. Da Vinci a utilisé l’illusion d’optique pour créer un sourire unique à travers la perspective et le travail des ombres. Da Vinci a peint la Joconde de telle sorte que les yeux de la Joconde tombent directement dans le foyer du spectateur, tandis que les lèvres tombent juste en dessous de la périphérie de la vision.

L’expression du visage donne à l’image une qualité déroutante et incite le spectateur à se demander ce que le modèle pensait, qui elle était et pourquoi elle semble heureuse et triste pour certains.

2. La Dernière Cène (c. 1495–98)

La Dernière Cène est l’interprétation visuelle de Leonardo d’un événement relaté dans les quatre évangiles (livres du Nouveau Testament chrétien). La veille de la trahison du Christ par l’un de ses disciples, il les réunit pour manger, leur dit qu’il savait ce qui allait arriver et leur lave les pieds (geste symbolisant que tous sont égaux sous les yeux du Seigneur). Alors qu’ils mangeaient et buvaient ensemble, le Christ a donné aux disciples des instructions explicites sur la façon de manger et de boire à l’avenir, en souvenir de lui. C’était la première célébration de l’Eucharistie, un rituel encore pratiqué. Plus précisément, La Dernière Cène dépeint les prochaines secondes dans cette histoire après que le Christ a laissé tomber la bombe qu’un disciple le trahirait avant le lever du soleil, et tous les douze ont réagi à la nouvelle avec différents degrés d’horreur, de colère et de choc.

3. Vitruvian Man (c. 1490)

Le dessin, à la plume et à l’encre sur papier, représente un personnage masculin dans deux positions superposées, les bras et les jambes écartés et inscrits simultanément dans un cercle et un carré. La relation proportionnelle des pièces reflète la conception universelle. Et un équilibre « médical » des éléments assure une structure stable. Ces qualités sont donc partagées également par la création de Dieu du corps humain et la propre production de l’être humain d’un bon bâtiment. Cette image est un parfait exemple du vif intérêt de Léonard pour les proportions.

4. Self Portrait (c. 1490/1515–16)

Le portrait d’un homme à la sanguine (vers 1510) à la Bibliothèque royale de Turin est largement, mais pas universellement, accepté comme un autoportrait de Léonard de Vinci. On pense que Léonard de Vinci a dessiné cet autoportrait vers l’âge de 60 ans. Le portrait a été largement reproduit et est devenu une représentation emblématique de Léonard en tant que mathématicien ou « Homme de la Renaissance ». Malgré cela, certains historiens et érudits sont en désaccord quant à la véritable identité du modèle.

5. La Vierge aux rochers (c. 1483–86)

La Vierge aux rochers (italien : Vergine delle rocce), parfois la Vierge aux rochers, est le nom de deux peintures de l’artiste de la Renaissance italienne Leonardo da Vinci, du même sujet, avec une composition qui est identique à l’exception de plusieurs des détails. Les deux tableaux montrent la Marie et l’enfant Jésus avec l’enfant Jean-Baptiste et un ange Uriel, dans un cadre rocheux qui donne aux tableaux leur nom habituel. Les différences de composition significatives se situent dans le regard et la main droite de l’ange. Il existe de nombreuses différences mineures entre les œuvres, notamment les couleurs, l’éclairage, la flore et la manière dont le sfumato a été utilisé. Bien que la date d’une commande associée soit documentée, les histoires complètes des deux peintures sont inconnues, ce qui conduit à des spéculations sur laquelle des deux est la plus ancienne.

6. Head of a Woman (1500–10)

7. La Dame à l’hermine (c. 1489–91)

La Dame à l’hermine, également connue sous le nom de Portrait de Cecilia Gallerani, était un précurseur de la Joconde dans la façon dont elle dépeignait la mystique d’une femme d’une manière élégante. L’un des aspects les plus curieux du tableau est la répétition entre la femme et la bête: dans sa pâleur et ses traits pointus, l’hermine livre une image miroir de son propriétaire, bien que sa musculature marque clairement son caractère masculin. Des couches d’obscurcissement plus littérales sont créées par les voiles transparents drapés sur la tête de Cecilia. C’est une image entourée de mystère. L’hermine bercée dans les bras de Cecilia Gallerani illustre l’intérêt et l’affinité persistants de Léonard pour les animaux : à la fois la puissance et la complexité de leurs anatomies et leur force emblématique. Il dessine des chevaux au galop, une allure d’ours, des pattes de chiens et des oiseaux en vol.

8. Salvator Mundi (c. 1500)

Salvator Mundi (Latin pour ”Sauveur du monde”) est un tableau attribué en tout ou en partie à l’artiste italien de la Haute Renaissance Leonardo da Vinci, daté de c. 1499-1510. Le tableau représente Jésus vêtu d’une robe bleue anachronique de la Renaissance, faisant le signe de la croix avec sa main droite, tout en tenant dans sa gauche un globe de cristal transparent et non réfractaire, signalant son rôle de Salvator Mundi et représentant la « sphère céleste » de Le Paradis. Le tableau a été vendu aux enchères pour 450,3 millions de dollars le 15 novembre 2017 par Christie’s à New York au prince Badr bin Abdullah, établissant un nouveau record pour le tableau le plus cher jamais vendu aux enchères publiques.

9. Ginevra de’ Benci (c. 1474/78)

Une peau d’un blanc de craie impeccable, des traits fins comme de la porcelaine et une expression réservée et quelque peu impénétrable reflètent le raffinement de Ginevra de’ Benci, 16 ans. Comme la plupart des sujets de portrait de la Renaissance, elle était issue d’une famille aisée et instruite. L’aspect marbré de son teint – lissé de la main de Léonard – est encadré par les boucles ondulantes de ses cheveux. Cela contraste alors magnifiquement avec le halo de pointes du buisson de genévrier. Léonard a voilé le fond de ce portrait d’un mince voile de brume connu sous le nom de sfumato ; ceci étant créé avec des glaçures à l’huile superposées. Bien que Léonard n’ait pas créé cet effet, il devient connu pour son utilisation habile de celui-ci.

10. La Vierge et l’Enfant avec sainte Anne (c. 1503–19)

La Vierge et l’Enfant avec sainte Anne est une peinture à l’huile inachevée de c. 1503 par l’artiste italien de la Renaissance Leonardo da Vinci représentant Sainte Anne, sa fille la Vierge Marie et l’enfant Jésus. Le Christ est représenté aux prises avec un agneau sacrificiel symbolisant sa passion alors que la Vierge essaie de le retenir.