Les 10 œuvres les plus célèbres de Keith Haring

Keith Allen Haring (4 mai 1958 – 16 février 1990) était un artiste américain dont le pop art est issu de la sous-culture du graffiti new-yorkais des années 1980. Son imagerie animée est « devenue un langage visuel largement reconnu ». Une grande partie de son travail comprend des allusions sexuelles qui se sont transformées en activisme social en utilisant les images pour plaider en faveur du sexe sans risque et de la sensibilisation au sida.

La popularité de Haring a grandi grâce à ses dessins spontanés dans le métro de New York : des contours à la craie de personnages, de chiens et d’autres images stylisées sur des espaces publicitaires noirs et vierges. Après avoir obtenu la reconnaissance du public, il a créé des peintures murales colorées à plus grande échelle, dont beaucoup ont été commandées. Il a produit plus de 50 œuvres d’art publiques entre 1982 et 1989, dont beaucoup ont été créées volontairement pour des hôpitaux, des garderies et des écoles. En 1986, Haring a ouvert le Pop Shop dans le prolongement de son travail. Ses travaux ultérieurs ont souvent véhiculé des thèmes politiques et sociétaux – anti-crack, anti-apartheid, rapports sexuels protégés, homosexualité et sida – à travers sa propre iconographie.

niood répertorie les 10 œuvres d’art les plus célèbres de Keith Haring :

1. Radiant Baby (from Icons series), 1990

Dans les années 1980, Keith Haring a transformé le métro de New York en studio d’art, utilisant de la craie pour graver ses créations désormais célèbres partout où il pouvait trouver de l’espace. L’un de ces dessins était un enfant rampant ou « Bébé radieux », que Haring appelait « l’expérience la plus pure et la plus positive de l’existence humaine ». Haring a souvent utilisé l’enfant pour représenter Jésus dans les crèches ou à côté des croix. Au fil du temps, le « Bébé radieux » a acquis une signification plus sombre grâce aux représentations de la prolifération nucléaire de Haring, dans lesquelles le bébé apparaît à l’intérieur de champignons atomiques et de scènes de guerre et de violence. Alors que “Radiant Baby” peut être interprété de plusieurs manières, le design était le favori personnel de Haring parmi ses créations emblématiques et est maintenant chéri comme l’étiquette de signature de l’artiste.

2. Ignorance = Fear, 1989

Au nom du groupe d’activistes du sida basé à New York AIDS Coalition to Unleash Power (ACT UP), Keith Haring a conçu et exécuté cette affiche en 1989 après que l’artiste eut été diagnostiqué l’année précédente. L’imagerie de Haring fait ici référence aux “trois singes sages” qui “ne voient rien, n’entendent rien, ne disent rien”. Dans cette illustration, Haring fait référence à l’ignorance du public vis-à-vis du sida et appelle à une prise de conscience critique des « faits ».

3. Crack is Wack, 1986

La peinture murale anti-crack de Haring a émergé pendant une période de tension politique intense aux États-Unis en raison de l’usage généralisé de drogues illégales. Le crack est devenu populaire dans les quartiers pauvres et ouvriers des grandes villes américaines comme New York au cours des années 1980. Le nombre d’utilisateurs réguliers de crack à l’échelle nationale est passé d’environ 4,2 millions à 5,8 millions de 1985 à 1989. Alors que les inquiétudes du public concernant cette «épidémie de crack» grandissaient, le président Ronald Reagan a renforcé les politiques d’interdiction des drogues et la sévérité de leurs sanctions conformément aux directives du gouvernement. -appelé ‘guerre contre la drogue’. Crack Is Wack fonctionne ainsi comme une annonce publique pour mettre en garde les New-Yorkais contre les répercussions physiologiques et juridiques du crack.

4. Free South Africa, 1985

Représentée dans le style immédiatement reconnaissable de l’artiste, la série Free South Africa est un exemple de la façon dont Keith Haring a utilisé ses dessins figuratifs ludiques pour lutter contre les injustices sociales dans le monde, notamment le racisme et l’apartheid en Afrique du Sud. Imprimant et distribuant environ 20 000 affiches de Free South Africa à New York en 1986, Haring a travaillé sans relâche pour mobiliser le soutien contre l’apartheid.

Chaque estampe de la série présente deux personnages en bâton dans une lutte les uns contre les autres, et au fur et à mesure que la série progresse, nous voyons cette lutte se dérouler. Utilisant son style audacieux et linéaire, Haring représente la relation entre la majorité noire et la minorité blanche en Afrique du Sud pendant des années de ségrégation raciale institutionnalisée. La figure noire sur la gauche est rendue beaucoup plus grande que la figure blanche, symbolisant la disparité substantielle entre la majorité noire et les quelques blancs qui avaient le pouvoir politique et social à l’époque. Haring exprime clairement cette inégalité du pouvoir de l’homme blanc en montrant la figure blanche avec une corde autour du cou de la figure noire.

5. Montreux, 1983

La première exposition officielle de l’œuvre de Keith Haring a eu lieu en 1982 à la Tony Shafrazi Gallery de New York et a rencontré un vif succès. Pierre Keller rencontre Haring quelques mois plus tard et lui demande de réaliser une affiche du Festival mettant en scène une figure dansante. Haring a proposé trois modèles, qui ont tous été acceptés. Keller et Nobs ont eu l’idée d’inviter l’artiste new-yorkais à Montreux. Comme toujours, Haring peignait constamment, réalisant des peintures murales sur de grands panneaux vierges sur scène avec les musiciens et dans les rues de Montreux.

6. Safe Sex, 1988

Les peintures Safe Sex de Haring ont pris forme dans ce contexte d’invention désespérée, important le discours nouvellement conçu autour du sexe, du risque et du plaisir dans le domaine du grand art. Bien que difficiles à apprécier rétrospectivement, ces œuvres franchissent une ligne dans sa pratique, violant une règle non écrite – une règle soigneusement sauvegardée dans le rôle de Haring en tant qu’écrivain de métro-graffiti – selon laquelle le langage ne doit pas prendre le dessus sur la figuration. Extrêmement gêné par les messages sur la marque, Haring n’avait jamais auparavant inséré de slogan dans son art (son affiche omniprésente FREE SOUTH AFRICA de 1985 suivait les deux peintures Safe Sex ); et si l’expression SAFE SEX n’était pas tout à fait un slogan, elle suggérait néanmoins une instruction à suivre, comme l’illustrent les deux figures. Plus précisément, le message particulier de ces œuvres était peu susceptible d’avoir un attrait de masse, défiant à la fois l’homophobie traditionnelle et les guerres culturelles de la droite chrétienne. Même le commissaire-priseur qui a obtenu Safe Sex pour le bénéfice de la GMHC s’inquiétait du fait que “cela montrait deux personnages masculins en train de se caresser”, exprimant sa préoccupation que “cela puisse apparaître dans le New York Times”.

7. Pop Shop III, 1989

La série Pop Shop de Keith Haring rassemble certains des motifs les plus reconnaissables de l’artiste, rendus dans son style classique simplifié et linéaire rempli de couleurs vives et de blocs. En 1986, Haring a ouvert le Pop Shop au centre-ville de Manhattan, considérant la boutique principalement comme une extension de son travail où son art pouvait être accessible à tous. La série Pop Shop représente certaines des œuvres créées au cours des années où la boutique était florissante entre 1987 et 1990.

8. Andy Mouse, 1986

Intitulé Andy Mouse, cet ensemble d’estampes typiquement ludiques témoigne de la relation entre Keith Haring et Andy Warhol, le père incontesté du mouvement Pop Art. L’influence de Warhol sur Haring était indéniable, selon les propres mots de Haring, « La vie et le travail de Warhol ont rendu mon travail possible. … il a été le premier véritable artiste public et son art et sa vie ont changé notre conception de l’art et de la vie au 20e siècle ».

Ici, Haring rend hommage à Warhol, le représentant vêtu d’un short Mickey Mouse – lui-même un hommage à sa première éducation, qui a commencé par copier des films de Walt Disney et des dessins animés du Dr Seuss – avec sa perruque hérissée de marque. Représentant deux des figures les plus importantes du mouvement Pop Art, c’est l’une des éditions les plus recherchées dans l’œuvre de Haring et un exemple frappant de sa maîtrise de la sérigraphie en tant que médium.

9. Growing, 1988

À travers les cinq gravures de la série Growing, Haring dépeint des figures réunies ou empilées qui évoquent un sens saisissant de solidarité et de communauté. Les couleurs vives et les lignes fortes observées partout sont typiques de l’œuvre de Haring, ainsi que les « lignes d’énergie » caractéristiques émises par les personnages qui évoquent le pouvoir des personnes travaillant ensemble.

10. Barking Dog, 1990

Le chien qui aboie est devenu l’un des symboles les plus emblématiques de Haring, apparaissant pour la première fois dans sa série de dessins du métro de New York de 1980 à 1985. Il a émergé comme un symbole d’oppression et d’agression, agissant comme un avertissement au spectateur des abus de pouvoir qui imprègnent la vie quotidienne en Amérique et au-delà. Traditionnellement utilisé par les artistes pour représenter la loyauté, la camaraderie et l’obéissance, Haring subvertit le symbole du chien pour rappeler aux téléspectateurs de réfléchir de manière critique à ceux qui crient le plus fort. De même, on peut dire que l’artiste de rue Banksy a repris le manteau de Haring, s’appropriant des symboles tels que le chien qui aboie pour diffuser un nouveau message de méfiance envers les figures d’autorité.