Les 20 Oeuvres d’Art les Plus Célèbres du Monde

Alors que nous sommes inondés d’art toute la journée et tous les jours, il existe quelques pièces reconnaissables qui ont transcendé le temps et la culture et ont inscrit leur place dans l’histoire de l’art et ne seront jamais oubliées.

niood répertorie les 20 peintures les plus célèbres de tous les temps :

1. Leonardo Da Vinci, Mona Lisa, 1503–19

Où le voir: Louvre Museum (Paris)

Période: Renaissance

La Joconde est une peinture à l’huile de l’artiste, inventeur et écrivain italien Léonard de Vinci. Probablement achevée en 1506, la pièce présente un portrait d’une femme assise dans un paysage imaginaire. Rendu de la même manière que les représentations de la Renaissance de la Vierge Marie, la pièce présente une figure féminine – que la plupart pensent être Lisa Gherardini, l’épouse du marchand de tissus et de soie Francesco Giocondo – de la taille jusqu’à la taille. Elle est représentée assise dans une loggia, ou une pièce avec au moins un côté ouvert. Derrière elle se trouve un paysage brumeux et apparemment isolé imaginé par l’artiste et peint à l’aide de sfumato, une technique résultant en des formes “sans lignes ni bordures, à la manière de la fumée ou au-delà du plan de mise au point”. Son regard est une autre partie envoûtante de la composition. Beaucoup pensent que ses yeux vous suivent à travers la pièce, ce qui fait d’elle une participante active lorsqu’elle est vue, plutôt que de rester un objet à regarder. En plus de son apparence mystérieuse, son expression a le plus résonné chez les historiens de l’art pour son symbolisme possible, car beaucoup pensent qu’il s’agit d’une “représentation visuelle intelligente de l’idée de bonheur suggérée par le mot” gioconda “en italien”.

L’une des raisons les plus populaires de l’attrait mondial de la Joconde est son sourire. Da Vinci a utilisé l’illusion d’optique pour créer un sourire unique à travers la perspective et le travail des ombres. Da Vinci a peint la Joconde de telle manière que les yeux de la Joconde tombent directement dans le foyer du spectateur, tandis que les lèvres tombent juste en dessous de la périphérie de la vision. L’expression du visage donne à l’image une qualité déroutante et incite le spectateur à se demander ce que le modèle pensait, qui elle était et pourquoi elle semble heureuse et triste pour certains.

2. Sandro Botticelli, LaNaissance de Vénus, 1484–1486

Où le voir: Le Gallerie Degli Uffizi (Florence, Italy)

Connue sous le nom de « Naissance de Vénus », la composition montre en fait la déesse de l’amour et de la beauté arrivant sur terre, sur l’île de Chypre, née des embruns et soufflée là par les vents, Zephyr et, peut-être, Aura. La déesse est debout sur une coquille Saint-Jacques géante, aussi pure et aussi parfaite qu’une perle. Elle est accueillie par une jeune femme, qui est parfois identifiée comme l’une des Grâces ou comme la Hora du printemps, et qui lui tend un manteau couvert de fleurs. Même les roses soufflées par le vent rappellent le printemps. Le sujet du tableau, qui célèbre Vénus comme symbole de l’amour et de la beauté, a peut-être été suggéré par le poète Agnolo Poliziano.

3. Vincent van Gogh, La Nuit étoilée, 1889

Où le voir: Museum of Modern Art (New York City)

Période: Post-Impressionism, Modern art

Vincent van Gogh a peint la Nuit étoilée en 1889 lors de son séjour à l’asile de Saint-Paul-de-Mausole près de Saint-Rémy-de-Provence. Van Gogh a bien vécu à l’hôpital ; il avait plus de libertés que n’importe quel autre patient. S’il était présent, il pouvait quitter l’enceinte de l’hôpital ; il était autorisé à peindre, à lire et à se retirer dans sa propre chambre. On lui a même donné un studio. Alors qu’il souffrait de rechutes occasionnelles de paranoïa et de crises – officiellement, on lui avait diagnostiqué des crises d’épilepsie – il semblait que sa santé mentale se rétablissait.

Malheureusement, il a rechuté. Il a commencé à souffrir d’hallucinations et à avoir des pensées suicidaires alors qu’il plongeait dans la dépression. En conséquence, il y avait un changement de ton dans son travail. Il est revenu à incorporer les couleurs plus sombres depuis le début de sa carrière et Starry Night est un merveilleux exemple de ce changement. Le bleu domine la peinture, mélangeant les collines dans le ciel. Le petit village se trouve à la base de la peinture en bruns, gris et bleus. Même si chaque bâtiment est clairement délimité en noir, le jaune et le blanc des étoiles et de la lune se détachent du ciel, attirant les yeux vers le ciel. Ils sont le grand capteur d’attention de la peinture.

4. Johannes Vermeer, La Jeune Fille à la Perle, 1665

Où le voir: Mauritshuis (The Hague, Netherlands)

La peinture est considérée comme une tronie, une sous-catégorie du portrait qui était populaire dans l’âge d’or néerlandais et l’art baroque flamand. Les tronies sont des études de caractéristiques faciales, de personnages stéréotypés ou d’expressions exagérées. Vermeer capture un instant fugace, la fille tournant la tête, ses lèvres légèrement entrouvertes alors qu’elle fait directement face au spectateur. La fille porte un serre-tête inspiré d’un turban turc et une énorme boucle d’oreille en perles. Ces éléments exotiques augmentent le drame de la peinture et donnent à l’artiste la possibilité d’afficher des effets artistiques dans son traitement de la lumière et de la texture. Un autre tronie de Vermeer, Study of A Young Woman (ca. 1665-1667) est souvent considéré comme une variante ou une contrepartie de The Girl with a Pearl Earring. Dans les deux tableaux, les personnages sont placés sur un fond noir, portant la boucle d’oreille en perle et ayant un foulard drapé sur l’épaule. Alors que La fille à la perle est une beauté idéalisée, l’étude d’une jeune femme montre des traits du visage simples et imparfaits.

5. Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Où le voir: Museum of Modern Art (New York City)

Période: Cubism

Les Demoiselles d’Avignon marquent une rupture radicale avec la composition et la perspective traditionnelles en peinture. Il représente cinq femmes nues composées d’avions plats et éclatés dont les visages sont inspirés de la sculpture ibérique et des masques africains. L’espace compressé qu’ils habitent semble se projeter vers l’avant en éclats déchiquetés, tandis qu’une tranche de melon dans la nature morte au bas de la composition vacille sur une table renversée. Picasso a dévoilé la peinture monumentale dans son atelier parisien après des mois de révision. L’Avignon du titre de l’œuvre fait référence à une rue de Barcelone réputée pour ses maisons closes.

6. Edvard Munch, The Scream, 1893

Où le voir: National Museum (Oslo, Norway — opening in 2020) and Munch Museum (Oslo — through May 2020)

Période: Proto-Expressionism

Juste après la Joconde de Léonard de Vinci, Le Cri d’Edvard Munch est peut-être la figure humaine la plus emblématique de l’histoire de l’art occidental. Sa tête androgyne en forme de crâne, ses mains allongées, ses yeux écarquillés, ses narines évasées et sa bouche ovoïde sont ancrés dans notre conscience culturelle collective ; le paysage bleu tourbillonnant et surtout le ciel orange et jaune de feu ont engendré de nombreuses théories concernant la scène représentée.

7.Leonardo Da Vinci, The Last Supper, 1495 to 1498

Où le voir: Santa Maria delle Grazie (Milan, Italy)

Période: Renaissance, Italian Renaissance, High Renaissance

La Dernière Cène est l’interprétation visuelle par Léonard d’un événement relaté dans les quatre évangiles (livres du Nouveau Testament chrétien). La veille de la trahison du Christ par l’un de ses disciples, il les réunit pour manger, leur dit qu’il savait ce qui allait arriver et leur lave les pieds (geste symbolisant que tous sont égaux sous les yeux du Seigneur). Alors qu’ils mangeaient et buvaient ensemble, le Christ a donné aux disciples des instructions explicites sur la façon de manger et de boire à l’avenir, en souvenir de lui. C’était la première célébration de l’Eucharistie, un rituel encore pratiqué. Plus précisément, La Dernière Cène décrit les quelques secondes suivantes dans cette histoire après que le Christ a laissé tomber la bombe qu’un disciple le trahirait avant le lever du soleil, et tous les douze ont réagi à la nouvelle avec différents degrés d’horreur, de colère et de choc.

8. Piet Mondrian, Composition with Red Blue and Yellow, 1930

Où le voir: National Museum, Belgrade, Serbia

Composition II avec rouge bleu et jaune est une peinture de Piet Mondrian de 1930. uvre d’art bien connue, Mondrian contribue largement au langage visuel abstrait malgré l’utilisation d’une toile relativement petite. Un pinceau noir épais définit les frontières des différentes figures géométriques. Comparativement, le pinceau noir sur la toile est minime mais il est magistralement appliqué pour devenir l’une des caractéristiques déterminantes de l’œuvre.

9. Pablo Picasso, Guernica, 1937

Où le voir: Museo Reina Sofía (Madrid)

Période: Cubism, Surrealism

Probablement l’œuvre la plus célèbre de Picasso, Guernica est certainement sa déclaration politique la plus puissante, peinte comme une réaction immédiate à la pratique dévastatrice des bombardements occasionnels des nazis sur la ville basque de Guernica pendant la guerre civile espagnole.

Guernica montre les tragédies de la guerre et les souffrances qu’elle inflige aux individus, en particulier aux civils innocents. Cette œuvre a acquis un statut monumental, devenant un rappel perpétuel des tragédies de la guerre, un symbole anti-guerre et une incarnation de la paix. Une fois terminé, Guernica a été présenté dans le monde entier lors d’une brève tournée, devenant célèbre et largement acclamé. Cette tournée a contribué à attirer l’attention du monde sur la guerre civile espagnole.

Cette œuvre est considérée comme un amalgame de styles pastoraux et épiques. Le rejet de la couleur intensifie le drame, produisant une qualité de reportage comme dans un disque photographique. Guernica est bleu, noir et blanc, 3,5 mètres (11 pieds) de haut et 7,8 mètres (25,6 pieds) de large, une toile de la taille d’une murale peinte à l’huile. Ce tableau est visible au musée Reina Sofia de Madrid.

10. Eugène Delacroix, Liberty Leading the People, 1830

Où le voir: Louvre Museum (Paris)

Période: Romanticism

La liberté guidant le peuple est une peinture d’Eugène Delacroix commémorant la Révolution de Juillet 1830, qui a renversé le roi Charles X de France. Une femme du peuple avec un bonnet phrygien personnifiant le concept de la liberté fait avancer un groupe varié de personnes sur une barricade et les corps des morts, tenant le drapeau de la Révolution française – le drapeau tricolore, qui est redevenu le drapeau national de la France après ces événements – d’une main et brandissant un mousquet à baïonnette de l’autre. La figure de la Liberté est également considérée comme un symbole de la France et de la République française connue sous le nom de Marianne. La peinture est souvent confondue avec la représentation de la Révolution française.

11. Claude Monet, Impression, Sunrise, 1874

Où le voir: Musée Marmottan Monet (Paris)

Période: Impressionism

Ce célèbre tableau, Impression, lever de soleil, a été réalisé à partir d’une scène du port du Havre. Monet dépeint une brume, qui fournit un fond brumeux à la pièce située dans le port français. Les teintes orange et jaune contrastent brillamment avec les vaisseaux sombres, où peu ou pas de détails sont immédiatement visibles pour le public. C’est une œuvre frappante et franche qui montre les petits bateaux au premier plan presque propulsés par le mouvement de l’eau. Ceci a, une fois de plus, été réalisé par des coups de pinceau séparés qui montrent également diverses couleurs « scintillantes » sur la mer.

12. Théodore Géricault, The Raft of the Medusa, 1818–1819

Où le voir: Louvre Museum (Paris)

Période: Romanticism

Le sujet représenté est l’interprétation dramatique par l’artiste des événements qui ont commencé le 2 juillet 1816, lorsqu’une frégate de la marine française s’est écrasée en route vers les colonies d’Afrique de l’Ouest. Le gouverneur nommé de la colonie et les officiers supérieurs du groupe sont partis sur les six canots de sauvetage du navire, laissant les 147 passagers restants entassés sur un radeau construit à la hâte. Lorsque le radeau s’est avéré trop encombrant, dans un acte horrible de lâcheté et de peur, le chef du navire a coupé les cordes du radeau. Laissés à eux-mêmes pendant 13 jours, les passagers ont finalement eu recours au cannibalisme. Lorsqu’ils ont été secourus par un navire britannique de passage, seuls 15 hommes ont été laissés en vie, dont 5 sont morts avant d’avoir pu atteindre la terre. Lorsque le public a appris cela, cela est devenu une tragédie internationale et un acte d’accusation brûlant du gouvernement français actuel.

13. Gustav Klimt, The Kiss, 1907 to 1908

Où le voir: Upper Belvedere museum (Vienna, Austria)

Le Baiser est probablement l’œuvre la plus célèbre de Gustav Klimt. C’est aussi le point culminant de la période de l’or de l’artiste, qui se caractérise par son utilisation de la feuille d’or dans son travail. Ce tableau est celui dans lequel Klimt s’écarte de sa représentation de la dominante féminine sous la forme d’une femme fatale. Au lieu de cela, c’est la représentation de l’amour et de l’art, un couple enfermé dans une étreinte fleurie et tachetée d’or. Klimt était un homme avec un appétit sexuel débridé, car il a engendré au moins 14 enfants illégitimes. On raconte que Klimt et son compagnon de longue date, Emile Floge, qui serait également son amant, étaient les modèles du tableau, qui a été sélectionné pour être imprimé sur la pièce autrichienne de 100 euros, frappée en 2003.

14. Michelangelo, Creation of Adam, 1508 to 1512

Où le voir: Sistine Chapel (Vatican City)

La Création d’Adam (italien : Creazione di Adamo) est une peinture à fresque de l’artiste italien Michel-Ange, qui fait partie du plafond de la Chapelle Sixtine, peinte vers c. 1508-1512. Il illustre le récit de la création biblique du livre de la Genèse dans lequel Dieu donne vie à Adam, le premier homme. La fresque fait partie d’un schéma iconographique complexe et est chronologiquement la quatrième de la série de panneaux représentant des épisodes de la Genèse.

15. Dali, The Persistence of Memory, 1931

Où le voir: Museum of Modern Art (New York City)

Période: Surrealism

Les objets durs deviennent inexplicablement mous dans ce paysage de rêve sombre et infini, tandis que le métal attire les fourmis comme la chair en décomposition. Maîtrisant ce qu’il appelait “les tours paralysants habituels de tromper les yeux”, Dalí a peint avec “la fureur de précision la plus impérialiste”, a-t-il dit, mais uniquement “pour systématiser la confusion et ainsi aider à discréditer complètement le monde de la réalité”. C’est l’ambition surréaliste classique, mais une réalité littérale est également incluse: les lointaines falaises dorées sont la côte de la Catalogne, la maison de Dalí.

Ces montres molles sont aussi molles que du fromage trop mûr – en effet, elles représentent «le camembert du temps», selon l’expression de Dalí. Ici, le temps doit perdre tout sens. La permanence va avec : les fourmis, un thème commun dans le travail de Dalí, représentent la pourriture, en particulier lorsqu’elles attaquent une montre en or, et elles semblent grotesquement organiques. La monstrueuse créature charnue drapée au centre du tableau est à la fois étrangère et familière : une approximation du propre visage de Dalí de profil, ses longs cils semblent inquiétants comme des insectes ou même sexuels, tout comme ce qui peut ou non être une langue suintant de son nez comme un gros escargot.

16. James McNeill Whistler, Whistler’s Mother, 1871

Où le voir: Musée d’Orsay (since 2019), Louvre Abu Dhabi (until 2019)

Période: Realism

Le sujet du tableau est la mère de Whistler, Anna McNeill Whistler. Il est détenu par le musée d’Orsay à Paris, après avoir été acheté par l’État français en 1891. C’est l’une des œuvres les plus célèbres d’un artiste américain en dehors des États-Unis.

17. Claude Monet, Water Lilies, between 1840 and 1926

Où le voir: Metropolitan Museum of Art (New York City)

Période: Impressionism

Au cours des deux dernières décennies de sa carrière, Monet s’est consacré à la peinture du célèbre étang aux nénuphars qu’il avait conçu et cultivé dans sa maison rurale de Giverny. Dans une toile extraordinaire après l’autre, il a capturé les relations constamment changeantes entre l’eau, les reflets, l’atmosphère et la lumière qui transformaient la surface de l’étang à chaque instant. Alors que ces peintures désormais emblématiques affirmaient la croyance de longue date de Monet dans la primauté de la vision et de l’expérience, elles l’ont fait dans un langage pictural qui était tout à fait nouveau et transformateur, même selon les normes du nouveau siècle. Les premières peintures de la série – plus délicates, éthérées et retenues – ont rencontré un succès immédiat lorsque Monet les a exposées en 1909. Les toiles de Nymphéas à partir de 1914, en revanche, étaient plus grandes, plus audacieuses et beaucoup plus personnelles – l’antithèse même de le « rappel à l’ordre » qui a saisi l’avant-garde pendant et après la Première Guerre mondiale. Ils ont émergé comme faisant autorité et visionnaires seulement deux décennies après la mort de Monet, alors que l’expressionnisme abstrait américain triomphait sur la scène artistique internationale.

18. Grant Wood, American Gothic, 1930

Où le voir: Royal Academy of Arts (2017–2017), School of the Art Institute of Chicago (since 1930)

Période: Modernism

Le gothique américain de Grant Wood – le double portrait d’un agriculteur brandissant une fourche et d’une femme généralement présumée être sa femme – est peut-être la peinture la plus reconnaissable de l’art américain du XXe siècle, une icône indélébile de l’Americana et certainement l’œuvre d’art la plus célèbre de Wood.

Wood a cherché de manière imagée à façonner un monde d’harmonie et de prospérité qui répondrait au besoin de réconfort de l’Amérique à une époque de bouleversements économiques et sociaux occasionnés par la Dépression. Pourtant, sous son extérieur bucolique, son art reflète l’angoisse d’être un artiste et un homosexuel profondément réprimé dans le Midwest des années 1930. En décrivant ses angoisses subconscientes à travers des images populistes de l’Amérique rurale, Wood a créé des images qui parlent à la fois de l’identité américaine et de l’éloignement et de l’isolement de la vie moderne.

19. Vincent Van Gogh, Cafe Terrace at Night, 1888

Où le voir: Kröller-Müller Museum (Otterlo, Netherlands)

Période: Post-Impressionism, Cloisonnism

Cette peinture d’une vue extérieure colorée est une œuvre pittoresque, la vision d’un spectateur détendu qui apprécie le charme de son environnement sans aucun souci moral. Il rappelle l’humeur de Van Gogh lorsqu’il écrivait que « la nuit est plus vivante et plus richement colorée que le jour ». La couleur est plus abondante et l’œil erre le long des bords abrupts ou en queue d’aronde des zones voisines – des formes irrégulières s’emboîtant les unes dans les autres comme un puzzle. Diviser cet espace pour longtemps en un grand objet et des thèmes d’arrière-plan est difficile pour les yeux ; les parties éloignées et rapprochées sont également distinctes. Le jaune du café joue contre le bleu-noir de la rue reculée et le bleu-violet de la porte du premier plan, et, par un paradoxe de composition qui contribue à unifier l’œuvre, au point de contraste le plus fort le coin émoussé de l’auvent le plus proche à nous touche le ciel bleu à distance. Les lignes raccourcies qui s’enfoncent en profondeur, comme le linteau de la porte, sont strictement parallèles à des lignes comme la pente de l’auvent jaune et le toit de la maison au-dessus, qui se situent dans des plans perpendiculaires au premier. Pour cette vision vagabonde et dégagée, la dimension ascendante n’est pas moins importante et expressive que la profondeur.

20. Pierre-Auguste Renoir, Bal du Moulin de la Galette, 1876

Où le voir: Musée d’Orsay (Paris)

Période: Impressionism, Modern art

Ce tableau est sans aucun doute l’œuvre la plus importante de Renoir au milieu des années 1870 et a été montré à l’exposition impressionniste en 1877. Bien que certains de ses amis apparaissent dans l’image, l’objectif principal de Renoir était de transmettre l’atmosphère vivace et joyeuse de ce jardin de danse populaire sur le Butte Montmartre. L’étude de la foule en mouvement, baignée de lumière naturelle et artificielle, est traitée à l’aide de coups de pinceaux vibrants et colorés. L’impression quelque peu floue de la scène a suscité des réactions négatives de la part des critiques contemporains.

Cette représentation de la vie populaire parisienne, au style novateur et au format imposant, signe de l’ambition artistique de Renoir, est l’un des chefs-d’œuvre des premiers impressionnismes.