Les 10 œuvres les plus célèbres de Piet Mondrian

Pieter Cornelis Mondriaan, après 1906, Piet Mondrian était un peintre et théoricien de l’art néerlandais qui est considéré comme l’un des plus grands artistes du XXe siècle. Il est connu pour être l’un des pionniers de l’art abstrait du XXe siècle, car il a changé sa direction artistique de la peinture figurative à un style de plus en plus abstrait, jusqu’à ce qu’il atteigne un point où son vocabulaire artistique a été réduit à de simples éléments géométriques.

Le travail de Mondrian a eu une énorme influence sur l’art du XXe siècle, influençant non seulement le cours de la peinture abstraite et de nombreux styles et mouvements artistiques majeurs (par exemple, la peinture en champs de couleur, l’expressionnisme abstrait et le minimalisme), mais également des domaines en dehors du domaine de la peinture, tels que le design , l’architecture et la mode.

niood répertorie les 10 œuvres d’art les plus célèbres de Piet Mondrian:

1. Composition with Red, Yellow and Blue (1942)

L’intérêt de Mondrian résidait dans la qualité abstraite de la ligne, mais en 1914, il avait pratiquement éliminé la ligne courbe de son travail. En 1916, il avait supprimé tout sens d’un sujet. Plus tard encore, il développa une nouvelle forme d’abstraction rigoureuse appelée Néo-plasticisme dans laquelle il se limita aux lignes droites, horizontales et verticales et aux couleurs primaires de base. Typiquement, ses compositions n’étaient pas symétriques mais pouvaient difficilement être plus pures dans leurs éléments. Il a estimé que cet art reflétait une vérité plus grande et universelle au-delà de l’apparence quotidienne.

2. Composition II in Red, Blue, and Yellow (1930)

Vers 1930, l’art de Mondrian atteint un sommet de pureté et de sobriété, dont les bases ont été préparées dans les peintures des années précédentes, la Composition de 1929, par exemple. En fait, la Composition II en rouge, bleu et jaune, 1930 est une variation sur le tableau de l’année précédente, du moins en ce qui concerne le cadre linéaire. Mais pour cette raison même, les subtiles différences de l’œuvre – comme la subdivision de la bande de gauche du tableau en trois rectangles inégaux, dont l’un est le carré bleu – sont d’autant plus remarquables. Ils montrent qu’il ne peut jamais être question chez Mondrian d’un modèle préconçu pour une composition, mais que chaque œuvre naît d’une association prudente et minutieuse avec les éléments de la peinture, qui doivent être résolus à nouveau dans chaque œuvre.

3. Tableau I, Lozenge with Four Lines and Gray (1926)

En 1918, Mondrian crée ses premières peintures « losangiques », telles que la dernière Composition n° 1 : losange avec quatre lignes, en inclinant une toile carrée à 45 degrés. La plupart de ces œuvres en forme de losange ont été créées en 1925 et 1926 suite à sa rupture avec le groupe De Stijl suite à l’introduction de la diagonale par Theo van Doesburg. Mondrian a estimé qu’en agissant ainsi, van Doesburg avait trahi les principes fondamentaux du mouvement, perdant ainsi l’immuabilité statique obtenue grâce à des verticales et des horizontales stables. Mondrian a toutefois affirmé que ses propres toiles tournées maintenaient l’équilibre souhaité de la grille, tandis que le virage à 45 degrés permettait des lignes plus longues.

4. New York City I (1942)

New York City I, ou plutôt la série d’œuvres rassemblées plus tard sous le titre New York City, marque le début d’une nouvelle phase dans l’œuvre de Mondrian. Les lignes noires ont disparu ainsi que les rectangles de couleur primaire, qui depuis la Composition de 1918 : Plans de couleur avec contours gris formaient une totalité plane et pleine avec les lignes et le blanc qui constituaient auparavant le fond. Au lieu de cela, des lignes aux couleurs primaires – jaune, mais aussi rouge et bleu – traversent la toile carrée, s’entrelaçant les unes avec les autres.

Pour la plupart, les lignes jaunes croisent celles des autres couleurs, mais ici et là, de la manière la plus subtile, les lignes rouges et bleues croisent le jaune. Pourtant ce style ne donne pas lieu à un espace illusoire ; les bandes colorées se superposent et se superposent en surface, sous les yeux du spectateur. Il est tout à fait raisonnable d’accepter la suggestion de Michel Seuphor et d’attribuer cet effet de croisement et d’entrelacement à la manière dont Mondrian conçoit et élabore ces tableaux : il utilise des bandes de papier de couleur et les déplace sur la toile pour obtenir l’effet qu’il souhaite. De cette façon, il a presque automatiquement introduit les croisements et la suggestion de bandes colorées entrelacées.

5. Composition with Large Red Plane, Yellow, Black, Gray and Blue (1921)

Dans les années 1920, Mondrian a commencé à créer les peintures abstraites définitives pour lesquelles il est le plus connu. Il a limité sa palette au blanc, au noir, au gris et aux trois couleurs primaires, avec la composition construite à partir de lignes horizontales et verticales noires épaisses qui délimitaient les contours des différents rectangles de couleur ou de réserve. La simplification des éléments picturaux était essentielle pour la création par Mondrian d’un nouvel art abstrait, distinct du cubisme et du futurisme. Les blocs de couleurs assortis et les lignes de largeurs différentes créent des rythmes qui vont et viennent sur la surface de la toile, faisant écho au rythme varié de la vie moderne. La composition est asymétrique, comme dans toutes ses peintures matures, avec un grand bloc de couleur dominant, ici le rouge, équilibré par la distribution des plus petits blocs de jaune, bleu gris et blanc qui l’entourent. Ce style a été cité par de nombreux artistes et designers dans tous les aspects de la culture depuis les années 1920.

6. Broadway Boogie Woogie (1943)

La doctrine esthétique du néo-plasticisme de Mondrian limitait le peintre aux types de lignes les plus élémentaires, c’est-à-dire aux lignes horizontales et verticales droites, et à une gamme de couleurs également limitée, la triade principale du rouge, du jaune et du bleu plus le blanc, le noir, et les gris entre les deux. Mais Broadway Boogie Woogie omet le noir et brise les barres de couleur autrefois uniformes de Mondrian en segments multicolores. Rebondissant les uns contre les autres, ces minuscules blocs de couleur clignotants créent un rythme vital et palpitant, une vibration optique qui saute d’intersection en intersection comme la circulation dans les rues de New York. Dans le même temps, l’image est soigneusement calibrée, ses couleurs entrecoupées de blocs gris et blancs.

L’appréciation de Mondrian pour le boogie-woogie est peut-être due en partie au fait qu’il considérait ses objectifs comme analogues aux siens : « destruction de la mélodie qui est la destruction de l’apparence naturelle ; et la construction par l’opposition continue de moyens purs — rythme dynamique.

7. Victory Boogie Woogie (1944)

Victory Boogie-Woogie, une peinture que Mondrian a conçue dans l’attente de la victoire de la Seconde Guerre mondiale et qui est restée inachevée en raison de sa mort le 1er février 1944, ajoute infiniment aux innovations de sa période américaine. Même dans son état semi-fini, le tableau montre un énorme enrichissement par rapport au dessin de 1943 contenant un premier dessin de l’œuvre. Il est remarquable de voir à quel point Mondrian, déjà âgé de plus de soixante-dix ans, était capable d’une vivacité, d’une réceptivité aux impressions nouvelles, d’une souplesse face à sa propre approche – tout cela en contradiction flagrante avec la réputation de dogmatisme qui l’entourait et qu’il avait lui-même approfondi dans les années qui ont suivi 1925, dans sa controverse dialectique avec Theo van Doesburg. Modrian n’était pas doctrinaire dans aucun sens du terme, mais il allait constamment plus loin sur sa propre voie, et les changements qui ont eu lieu dans son travail n’étaient pas des déviations d’une politique dogmatique mais des conséquences des idées et des expériences découlant de ses yeux et sa “pensée avec ses yeux”, comme le dit Paul Cézanne. Victory Boogie-Woogie est un exemple fascinant et convaincant de cette évolution.

8. The Gray Tree (1912)

L’oeuvre est venue à un moment où Mondrian commençait à expérimenter le cubisme : ses éléments de premier plan et d’arrière-plan semblent s’entremêler, et la palette est très restreinte. L’arbre est de forme subtilement ovale, suivant une autre pratique cubiste observée dans les œuvres de Pablo Picasso et de Georges Braque. L’ovale de Mondrian est devenu explicite, encadrant le travail, dans les peintures qui ont suivi au cours des trois ou quatre années suivantes. Apple Tree in Flower, également de 1912, est une composition de taille similaire. Bien que le contour du “pommier” rappelle celui de Grey Tree, l’œuvre est nettement plus facettée et abstraite.

9. The Red Tree (1910)

Ce tableau montre la période luministe de l’artiste où il peignait de manière réaliste mais avec des couleurs plus vives que la réalité et des contours simplifiants. Cette peinture est un croisement avec son style plus rectangulaire et analytique. Mondrian a peint ce tableau dans la station balnéaire zélandaise de Domburg, à l’époque une colonie d’artistes populaire pendant les mois d’été. Ses arbres illustrent son virage vers le cubisme abstrait.

Lors de son premier séjour à Domburg, Mondrian aurait fait des croquis d’un pommier dans le jardin de la Villa Loverendale, la maison de Marie Tak van Poortvliet et de son ami, le peintre Jacoba van Heemskerck. La peinture a été achevée lors d’une visite ultérieure à Domburg.

10. Composition No. 10 (Pier and Ocean, 1915)

Dans Composition numéro 10, Mondrian avait atteint le plein développement de sa forme néo-plastique et non figurative. Beaucoup de ses peintures contenaient les éléments de base d’une grille imbriquée de lignes noires et de blocs des trois couleurs primaires. Bien que les éléments soient peu nombreux, il a modifié la structure de chacun des éléments de manière à pouvoir créer une esthétique différente de chacun. C’est dans cette dernière période de son travail que Mondrian a travaillé jusqu’à ce que ses mains se boursouflent ou qu’il se fasse pleurer. Pendant ce temps, il réaménageait et peignait également son studio à Manhattan selon un motif de grille et de blocs similaire, qu’il a modifié et repeint à la fin de certaines toiles ou projets.