Les 10 œuvres d’art les plus célèbres de Rembrandt

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Rembrandt Harmenszoon van Rijn (15 juillet 1606 – 4 octobre 1669), généralement simplement connu sous le nom de Rembrandt, était un peintre, graveur et dessinateur néerlandais de l’âge d’or. Il est généralement considéré comme l’un des plus grands artistes visuels de l’histoire de l’art et le plus important de l’histoire de l’art néerlandais. Contrairement à la plupart des maîtres néerlandais du XVIIe siècle, les œuvres de Rembrandt représentent un large éventail de styles et de sujets, des portraits et autoportraits aux paysages, scènes de genre, scènes allégoriques et historiques, et thèmes bibliques et mythologiques ainsi que des études animales. Comme de nombreux artistes de l’âge d’or néerlandais, tels que Jan Vermeer de Delft, Rembrandt était également un collectionneur et marchand d’art passionné.

Ses gravures et ses peintures ont été populaires tout au long de sa vie, sa réputation d’artiste est restée élevée et pendant vingt ans, il a enseigné à de nombreux peintres néerlandais importants.

niood répertorie les 10 œuvres d’art les plus célèbres de Rembrandt :

1. La Ronde de nuit

Localisation: Rijksmuseum
Année: 1642
Périodes: Baroque, Dutch Golden Age

La peinture est célèbre pour trois choses : sa taille colossale (363 cm × 437 cm (11,91 ft × 14,34 ft)), l’utilisation dramatique de la lumière et de l’ombre (ténébrisme) et la perception du mouvement dans ce qui aurait traditionnellement été une armée statique. portrait de groupe. La peinture a été achevée en 1642, à l’apogée de l’âge d’or néerlandais. Il représente le déménagement de la compagnie éponyme, dirigée par le capitaine Frans Banninck Cocq (vêtu de noir, avec une ceinture rouge) et son lieutenant, Willem van Ruytenburch (vêtu de jaune, avec une ceinture blanche). Avec une utilisation efficace de la lumière du soleil et de l’ombre, Rembrandt dirige le regard vers les trois personnages les plus importants parmi la foule : les deux hommes au centre (dont le tableau tire son titre original) et la femme au centre-gauche en arrière-plan portant un poulet. Derrière eux, les couleurs de l’entreprise sont portées par l’enseigne Jan Visscher Cornelissen. Les figurines sont presque grandeur nature.

2. Le Christ dans la tempête sur la mer de Galilée

Localisation: Isabella Stewart Gardner Museum (until 1990)
Période: Dutch Golden Age
Année: 1633

Il se trouvait auparavant au Isabella Stewart Gardner Museum à Boston mais a été volé en 1990 et est toujours porté disparu. La peinture représente l’histoire biblique de Jésus calmant la tempête sur la mer de Galilée, en particulier telle qu’elle est décrite dans le quatrième chapitre de l’évangile de Marc. C’est le seul paysage marin de Rembrandt.

3. Autoportrait aux deux cercles

Localisation: Kenwood House, Londres
Année: c. 1665–1669

Contrairement à beaucoup de ses autoportraits antérieurs, dans lesquels Rembrandt se représentait artificiellement posé ou jouant un rôle dans un costume élaboré, Autoportrait avec deux cercles le montre simplement comme un peintre dans son atelier. Il est simplement vêtu de vêtements de travail avec un tabard doublé de fourrure, traditionnellement porté par les peintres depuis le XVIe siècle, ainsi qu’un simple bonnet de lin blanc. Dans sa main gauche, il tient les outils de son métier – une palette en bois, des pinceaux et un long mahlstick, un outil utilisé comme support pour stabiliser sa main tout en peignant. A droite, on aperçoit le bord de la toile sur laquelle il travaille. Plutôt que de se montrer en train de peindre, Rembrandt nous regarde directement, une main sur la hanche.

Les deux cercles énigmatiques à l’arrière-plan, d’où le tableau tire son nom, ont fasciné et perplexe les spectateurs et les érudits pendant des générations. Il existe de nombreuses théories sur la signification des cercles. L’un est qu’ils sont des symboles mystiques représentant la perfection de Dieu, tandis qu’un autre suggère qu’ils sont des symboles de la théorie et de la pratique, avec Rembrandt lui-même comme lien entre la pensée et l’exécution. Il y a aussi la théorie selon laquelle les cercles reflètent une carte du monde à double hémisphère – une carte qui représente les hémisphères est et ouest comme deux globes. D’autres pensent qu’ils ont été simplement ajoutés pour équilibrer la composition excentrée.

4. La Leçon d’anatomie du docteur Tulp

Localisation: Mauritshuis
Année: 1632
Périodes: Baroque, Dutch Golden Age

La leçon d’anatomie du Dr Nicolaes Tulp est l’un des portraits de groupe les plus impressionnants de Rembrandt. Le tableau a été réalisé en 1632, peu de temps après le déménagement de l’artiste de la ville de Leyde à Amsterdam. La prestigieuse commande des chirurgiens offre une occasion unique de se faire connaître dans les cercles d’amateurs d’art à Amsterdam, et le peintre ne laisse pas passer cette chance. La peinture a fermement établi le nom de Rembrandt en tant que portraitiste.

Des démonstrations d’anatomie ont eu lieu à Amsterdam à partir de 1555. Ils étaient organisés par la guilde des chirurgiens et à l’époque de Rembrandt, ils se tenaient dans un théâtre d’anatomie à De Waag, la maison de pesée d’Amsterdam. Le préélecteur ou le surveillant de la guilde donnerait des conférences, tandis que le public – étudiants en anatomie et profanes – pouvait regarder moyennant des frais. Les cours d’anatomie pouvaient durer des jours : la cavité abdominale et les intestins périssables seraient d’abord disséqués, suivis de la tête et des membres. Pour minimiser la puanteur, les cours ont été dispensés pendant les mois froids de l’hiver.

5. Bethsabée au bain tenant la lettre de David

Localisation: Louvre Museum
Période: Baroque
Année: 1654

Représentation à la fois sensuelle et empathique, elle montre un moment de l’histoire de l’Ancien Testament dans lequel le roi David voit Bathsheba se baigner et, ravi, la séduit et l’imprègne. Afin d’épouser Bethsabée et de cacher son péché, David envoie son mari au combat et ordonne à ses généraux de l’abandonner, le laissant à une mort certaine.

Alors que la scène de David espionnant Bethsabée avait été peinte par des artistes antérieurs, la représentation de Rembrandt diffère par sa focalisation picturale serrée et sa vitalité érotique, obtenues grâce à des coups de pinceau larges et épais et une coloration vibrante.

6. Danaë

Localisation: State Hermitage Museum
Genre: History painting
Année: 1636

Danaë est une peinture de l’artiste néerlandais Rembrandt, peinte pour la première fois en 1636, mais ensuite largement remaniée par Rembrandt, probablement dans les années 1640, et peut-être avant 1643.

Il s’agit d’une représentation grandeur nature du personnage Danaé de la mythologie grecque, la mère de Persée. Elle est vraisemblablement représentée comme accueillant Zeus, qui l’a imprégnée sous la forme d’une pluie d’or. Étant donné qu’il s’agit de l’un des tableaux les plus magnifiques de Rembrandt, il n’est pas exclu qu’il l’ait chéri, mais il a peut-être aussi été difficile à vendre en raison de sa taille de huit pieds sur dix.

7. La Conspiration de Claudius Civilis

Localisation: Nationalmuseum
Années: 1661–1662
Périodes: Baroque, Dutch Golden Age

La peinture suit les histoires de Tacite en décrivant un épisode de la rébellion batave (69-70 après JC), dirigée par le chef borgne Claudius Civilis (en fait appelé Gaius Julius Civilis par Tacite, bien qu’une seule fois, Claudius Civilis s’est depuis ancré dans l’art l’histoire), dans laquelle il « rassembla dans l’un des bosquets sacrés, ostensiblement pour un banquet, les chefs de la nation et les esprits les plus hardis de la classe inférieure », les convainquit de se joindre à sa rébellion, puis « lia toute l’assemblée avec des rites barbares et d’étranges formes de serment.”

8. Le Syndic de la guilde des drapiers

Année: 1662
Mouvement: Baroque painting, Dutch Golden Age painting
Localisation: Rijksmuseum, Amsterdam

Les hommes (à l’exception de Bel qui est serviteur comme l’indique sa calotte) sont des drapiers qui ont été élus pour évaluer la qualité des tissus que les tisserands proposaient à la vente aux membres de leur guilde. Leur mandat d’un an a commencé le Vendredi saint et ils devaient effectuer leurs inspections trois fois par semaine. Le mot néerlandais staal signifie « échantillon » et fait référence aux échantillons de tissu qui ont été évalués. Les inspecteurs ont utilisé des pinces pour presser les sceaux de leur ville (avant) et de leur guilde (à l’envers) dans des limaces de plomb de la taille d’un sou qui ont été spécialement apposées pour enregistrer les résultats de l’inspection. Il y avait quatre grades de qualité, le plus élevé était indiqué en pressant quatre sceaux et le plus bas en pressant un seul.

9. Le Retour du fils prodigue

Année: 1661–1669
Localisation: Hermitage Museum, Saint Petersburg

C’est l’une des dernières œuvres du maître néerlandais, probablement achevée dans les deux ans suivant sa mort en 1669. Représentant le moment du retour du fils prodigue à son père dans la parabole biblique, c’est une œuvre renommée décrite par l’historien de l’art Kenneth Clark comme « un tableau que ceux qui ont vu l’original à Saint-Pétersbourg peuvent être pardonnés de prétendre que c’est le plus grand tableau jamais peint”.

10. Jacob bénissant les fils de Joseph

Localisation: Schloss Wilhelmshöhe, Kassel, Hesse, Germany
Période: Baroque
Année: 1656

Jacob bénissant les fils de Joseph montre une scène du livre de l’Ancien Testament de la Genèse, chapitre 48. Dans cette scène, Joseph amène ses deux fils (Manassé et Éphraïm) à son père mourant Jacob afin qu’ils puissent recevoir la bénédiction de la famille. Selon la tradition, le fils aîné est béni de la main droite du patriarche. Cependant, Jacob croisa délibérément les bras et posa sa main droite sur la tête d’Éphraïm (le fils cadet) et sa main gauche sur la tête de Manassé (le fils aîné). Joseph était mécontent et pensait que son père faisait une erreur. Lorsque Joseph a essayé de corriger son père, Jacob a refusé et a dit à Joseph qu’il bénissait délibérément le plus jeune fils.