Les 10 œuvres les plus célèbres d’Andy Warhol

Andy Warhol était l’un des artistes les plus prolifiques et les plus populaires de son temps, utilisant à la fois des sensibilités avant-gardistes et hautement commerciales.

À la fin des années 1950, Warhol a commencé à s’intéresser davantage à la peinture et, en 1961, il a lancé le concept de « pop art » : des peintures axées sur des produits commerciaux produits en série. En 1962, il expose les peintures désormais emblématiques des boîtes de soupe Campbell’s. Ces petites œuvres sur toile représentant des produits de consommation courante ont fait sensation dans le monde de l’art, mettant à la fois Warhol et le pop art sous les projecteurs nationaux pour la première fois. Les autres peintures pop célèbres de Warhol représentaient des bouteilles de Coca-cola, des aspirateurs et des hamburgers. 

niood répertorie les 10 œuvres d’art les plus célèbres d’Andy Warhol:

1. Marilyn Diptych, 1962

Warhol a réalisé ses premières peintures de Marilyn Monroe peu de temps après la mort de l’acteur d’une overdose de drogue le 5 août 1962. Warhol a utilisé une photo publicitaire pour son film de 1953 Niagara comme image source. L’utilisation de deux toiles contrastées pour Marilyn Diptych illustre le contraste entre la vie publique de la star, qui était à l’époque l’une des femmes les plus célèbres du monde, et sa vie privée. Ce n’était pas nécessairement l’intention de Warhol. Il a créé cette œuvre lorsque les collectionneurs d’art Burton et Emily Tremaine ont visité la maison de Warhol. Ils ont suggéré que deux toiles qu’il avait déjà réalisées soient présentées sous forme de diptyque, ce à quoi Warhol a répondu « oui oui ».

2. Campbell’s Soup Cans, 1962

Andy Warhol s’est approprié des images familières de la culture de consommation et des médias de masse, parmi lesquelles des photographies de célébrités et de tabloïds, des bandes dessinées et, dans cet ouvrage, la soupe en conserve largement consommée de Campbell’s Soup Company. Lorsqu’il a exposé pour la première fois les boîtes de soupe Campbell’s en 1962, les toiles étaient exposées ensemble sur des étagères, comme des produits dans une allée d’épicerie. À l’époque, Campbell’s vendait 32 variétés de soupes; chacune des 32 toiles de Warhol correspond à une saveur différente. (La première saveur introduite par la société, en 1897, était la tomate).

3. Cow Series, 1966

“Pourquoi ne peignez-vous pas des vaches” était la suggestion du marchand d’art Ivan Karp. Par conséquent Warhol a commencé sa série de sérigraphies de vaches. Warhol a rappelé que “quand il [Ivan] a vu les énormes têtes de vache – rose vif sur fond jaune vif – que j’allais faire en papier peint, il a été choqué”. Ce fut le premier de plusieurs modèles de papier peint créés par Warhol. La répétition dans le papier peint est une extension de sa fascination pour l’image répétée dans ses peintures. Warhol a accroché des peintures sur son papier peint vibrant de vache lors de sa rétrospective de 1970 au Whitney Museum of American Art : une idée qu’il poursuivra dans des expositions telles que son exposition parisienne de 1974 des portraits du président Mao sur du papier peint Mao.

4. Mao Series, 1972

L’interprétation de Mao par Andy Warhol a abouti à l’élaboration d’un portfolio contenant 10 portraits aux couleurs vives qui illustraient la profonde fascination de Warhol pour le choc des images entre les cascades publicitaires communistes et le kitsch américain. En créant une version glamour de Mao, Warhol pourrait transformer une image par ailleurs intimidante et mystérieuse d’une figure politique puissante en une icône pop glamour des années 1970, qui rappelait les œuvres précédentes de Warhol.

5. Dollar Sign, 1981

Non seulement Warhol reconnaissait ouvertement qu’il aimait l’argent (issu d’une famille pauvre de l’industrie de Pittsburgh), mais il aimait aussi le dessiner et le peindre. Au début des années 1960, il représente des billets d’un dollar puis, en 1981, il revient à l’imagerie et réalise toute une série de dessins et de peintures du signe dollar. C’est l’un des plus grands de ces tableaux. L’image est sérigraphiée sur la toile d’un blanc immaculé, mais elle est basée sur un dessin au feutre et à l’encre que Warhol lui-même avait fait. Même les éclaboussures d’encre ont été conservées.

6. Flowers Series, 1964

Warhol a commencé à travailler sur sa série Flowers à l’été 1964, décidant bientôt que ce serait le centre d’intérêt de son premier spectacle avec Leo Castelli à l’automne de la même année. Pour l’exposition Castelli, il a travaillé sur des toiles carrées de 48 et 24 pouces. Pour son exposition suivante, à la galerie Sonnabend à Paris au printemps 1965, il a inclus des tailles supplémentaires – des carrés de 14, 8 et 5 pouces. Le format carré permettait à Warhol une totale liberté d’orientation. Pour la première fois, ses œuvres n’avaient pas de montant fixe, permettant aux Fleurs d’être installées de différentes manières. Un autre aspect unique de cette série réside dans les différentes techniques et médias qu’il a explorés, notamment la sérigraphie, le crayon, l’acrylique peint à la main et la peinture fluorescente Day-Glo. Eykyn Maclean a inclus des exemples de chacune de ces tailles et techniques pour mieux retracer les nuances de développement au sein de cette importante série. La seule bannière survivante (une peinture de fleurs sur tissu rouge) que Warhol a réalisée pour l’ouverture en 1965 de la librairie Peace Eye à New York était également incluse.

7. Camouflage Series, 1986

Le camouflage est spécifiquement conçu pour se fondre dans son environnement, mais le motif est également fortement associé aux forces armées. Le paradoxe d’un déguisement qui est aussi un emblème reconnaissable a peut-être fait appel à la préoccupation de Warhol pour les marques et les logos. Reproduire le motif non figuratif également lié à son intérêt de longue date pour la peinture expressionniste abstraite. Dans cette série de remaniements colorés, la fonction de camouflage est oblitérée. Sur le panneau le plus à droite, le motif devient faussement patriotique, en rouge, blanc et bleu.

8. Banana, 1967

En mars 1967, le Velvet Underground a sorti son premier album, The Velvet Underground and Nico, avec sur sa couverture Banana d’Andy Warhol. En mars 2012, la banane elle-même fait l’objet d’une bataille juridique pour savoir si l’image est davantage synonyme de l’artiste ou du groupe Rock. Quarante-cinq ans après sa première apparition, la banane reste l’une des images les plus populaires et désormais controversées de l’artiste. Warhol lui-même a exécuté deux versions de la banane ; un comme la pochette du LP 11 x 11 pouces, dont la première version avait une peau jaune pelable superposée sur une banane rose accompagnée de la phrase «Peel slow and see». Warhol a également produit Banana (1966) une sérigraphie à plus grande échelle (voir Feldman et Schellman II.10), également avec une peau amovible.

9. Gun, 1981-1982

La mort est apparue comme un thème distinctif dans le travail de Warhol dans les années 1960, avec ses portraits de Marilyn Monroe et la série « Death and Disaster ». Ses craintes de mourir ont été exacerbées en 1968 lorsqu’il a été grièvement blessé par balle par Valerie Solanas. Le pistolet représenté ici est similaire au pistolet à nez retroussé .22 qu’elle a utilisé. À peu près au même moment où il peignait des armes à feu, Warhol faisait également une série de photos de couteaux. En effet, l’idée première fut de les montrer ensemble, ainsi que quelques peintures représentant un signe dollar, à la Leo Castelli Gallery de New York en janvier 1982.

10. Green Coca-Cola Bottles, 1962

Green Coca-Cola Bottles a été créée l’année où Andy Warhol a développé sa technique pionnière de la sérigraphie, qui lui a permis de produire ses peintures grâce à un processus mécanique parallèle à son utilisation de sujets de culture de masse. Ici, l’image d’une seule bouteille de Coca-Cola est répétée en rangées régulières, sept de haut sur seize de large, au-dessus du logo de l’entreprise. L’imagerie répétitive et le format standardisé évoquent l’apparence d’une reproduction mécanique, mais les contours noirs ont probablement été estampés à la main à partir d’un seul bloc de bois sculpté sur des zones vertes imprimées en quadrillage. Cela engendre des différences subtiles dans le motif de l’œuvre ; chacune des bouteilles diffère à la fois par la régularité de la sous-couche verte et par la clarté de son profil estampé. Les flacons sont aussi souvent légèrement de travers, perturbant la régularité globale de la grille et les faisant apparaître à la fois artisanales et individualisées, épurées et produites en série. À sa manière impassible et ironique, Warhol a à la fois critiqué et glorifié les idoles consuméristes et les valeurs de surface de la culture américaine d’après-guerre saturée de médias. “Un Coca est un Coca”, a-t-il expliqué, “et aucune somme d’argent ne peut vous procurer un meilleur Coca que celui que le clochard du coin boit.”