Les 10 œuvres les plus célèbres de David Hockney

David Hockney, né le 9 juillet 1937 à Bradford, au Royaume-Uni, est un portraitiste et paysagiste britannique, dessinateur, graveur, décorateur, photographe et théoricien de l’art.

C’est une figure majeure du mouvement pop art des années 1960 et de l’hyperréalisme, et l’un des peintres britanniques les plus influents du XXe siècle.

Avec des couleurs vives et accrocheuses, David Hockney peint des portraits et des paysages mêlant peinture et photographie.

niood répertorie les 10 œuvres d’art les plus célèbres de David Hockney:

1. Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (1972)

Le film de Jack Hazan A Bigger Splash a contribué à faire de Portrait d’un artiste l’une des peintures les plus documentées de David Hockney. Le tournage du film commence à l’été 1971, quelques mois avant que Hockney n’entreprenne les travaux. Elle se termine par les derniers coups de pinceau donnés à Portrait d’un artiste, quelques jours avant son exposition à la galerie André Emmerich de New York, en mai 1972. Le film de Hazan, qui fait de cette œuvre le nœud d’un drame sentimental, a longtemps contribué à restreindre son exégèse à sa seule dimension narrative. Portrait 0f an Artist est certainement lié à la rupture de David Hockney avec Peter Schlesinger. Cette rupture n’est pourtant que le prétexte d’une méditation sur les relations de l’art et de la vie.

2. The Splash (1966)

A Bigger Splash est une parfaite image promotionnelle de la Californie, une esquisse des symboles de son mode de vie, des clichés de son décor. Un ciel parfaitement pur, des maisons basses et modernes, grandes ouvertes, des palmiers aux hauts sommets perchés et, bien sûr, des piscines, encore des piscines… Une chaise « producteur » nous rappelle par sa présence qu’Hollywood n’est pas loin. Une telle synthèse n’est pas sortie ainsi constituée du pinceau de Hockney. Deux tableaux de 1966 annoncent A Bigger Splash Le Little Splash, le premier de la série, dessine une piscine aux formes toujours curvilignes. Elle montre une maison dont le toit en pente sacrifie plus à la nostalgie qu’aux lois locales de la pluviométrie. Le Splash, la même année, soumet cette fois la piscine à la rigueur de l’orthogonalité. L’éloignement d’un paysage, la perspective d’un socle pour la sculpture moderne, creuse encore un espace que le Bigger Splash écrasera violemment. Comme seule suggestion d’un espace profond, A Bigger Splash ne conserve que la ligne d’un plongeoir, dessinée en diagonale. Seules ou presque, les feuilles d’un palmier le distinguent d’une œuvre de Près Mondrian. Pour assurer la planéité de ses zones colorées, Hockney va jusqu’à abandonner ses pinceaux au profit du rouleau.

3. Man in Shower in Beverly Hills (1964)

Ce tableau reprend certains des thèmes favoris de l’artiste : l’eau en mouvement, le rideau, les scènes domestiques et l’imagerie homoérotique. Le motif du rideau (en particulier, sa planéité et ses similitudes avec une peinture ( intéresse Hockney depuis plusieurs années. La source de la figure est une photographie prise par l’Athletic Model Guild, spécialisée dans les nus masculins ; la figure présente également des similitudes avec plusieurs images dans Physique Pictorial. Hockney avait l’intention dès le début d’ajouter la plante au premier plan mais, ayant des difficultés avec les pieds, il plia les feuilles pour les recouvrir. Il commença à peindre à l’acrylique lors de cette première visite à Los Angeles, où la couleur plutôt que la texture était sa principale préoccupation.

4. Model with Unfinished Self-Portrait (1977)

L’œuvre présente des couleurs magnifiques et une maîtrise brillante de la perspective (en particulier dans le drapé du vêtement du modèle).

5. Nichols Canyon (1980)

Hockney a créé une composition fauviste qui ravit les sens. La technique utilisée pour créer ce tableau garantit que son choix de teinte ne peut être mal interprété. Chaque teinte reste assez non diluée, reflétant la scène vivante que le peintre voit à la fois devant lui et dans son esprit.

Nichols Canyon a été construit en 1980. David Hockney est peut-être l’artisan anglais vivant le plus important aujourd’hui. La force de chaque splendide coup de pinceau demande de la considération, amenant le regard à vagabonder partout à travers la toile.

Le fauvisme a été le premier des développements de pointe qui ont prospéré en France au début du XXe siècle. Apparemment rebelles dans leur création, les peintres fauves ont décidé que l’impressionnisme ne leur permettrait pas de s’exprimer.

6. Pearblossom Hwy., 11 – 18th April 1986, #2 (1986)

Hockney a créé Pearblossom Highway pendant plusieurs jours en Californie. Il a pris de nombreuses photographies d’une vue sur la célèbre route 138, Antelope Valley.

L’œuvre d’art qui en résulte est une image du paysage américain du point de vue du conducteur et de son passager. Le point de vue de droite représente ce à quoi un conducteur ferait attention en roulant le long de ce tronçon ; les panneaux de signalisation, l’écriture sur la route elle-même, la destination construite au loin – toutes les choses qu’un conducteur attentif considérerait.

Sur le côté gauche de la pièce se trouve la vue du côté passager. Hockney élude le fait qu’un passager est un observateur plus tranquille, remarquant le paysage, les arbres et les déchets sur la route.

Le passager n’a pas à faire attention aux panneaux de signalisation et le conducteur n’a pas le temps d’admirer la vue. La composition joue aussi sur la perspective par l’agrandissement d’objets plus proches. Cette technique met davantage l’accent sur les différents points de vue impliqués.

7. American Collectors (Fred and Marcia Weisman) (1968)

Au milieu des années 1970, Marcia et Frederick ont ​​choisi de mettre fin à leur mariage, mais ils sont restés de chers compagnons et au fil des ans ont contribué au développement des généreuses accumulations de savoir-faire de chacun.

Dans la peinture, ils semblent chacun proches des œuvres d’art et en choisissant de les faire refléter les pièces, l’artiste peut afficher son dévouement à leur objectif.

Dans les années 70, l’utilisation du réalisme par Hockney dans ses œuvres d’art s’est intensifiée, mais aucune de ses peintures n’a jamais ressemblé à une photographie, bien qu’il ait utilisé des photos comme références. Son travail ne s’est pas transformé en photoréalisme. Il n’a jamais non plus semblé étouffant ou dépassé. En jetant un coup d’œil aux compositions de cette période et en plus aux dessins à l’encre inhabituellement directs que l’artiste a réalisés au fil des ans, il semble que son intérêt pour le réalisme n’est pas nouveau et a toujours été affiché dans son art.

8. Garden (2015)

Avec sa terrasse bleue distinctive en arrière-plan et sa piscine au centre, Garden 2015 est immédiatement reconnaissable comme le propre jardin hollywoodien de Hockney. Les cactus qui occupent le premier plan du tableau font du jardin un havre de vie et de couleurs au milieu de la sécheresse qui sévit en Californie à l’époque de la peinture. Les acryliques lumineuses capturent le dynamisme de sa maison de LA, explorée par l’artiste sous différents points de vue au cours de nombreuses années de son impressionnante carrière.

9. Self Portrait with Red Braces (2003)

La partie la plus importante de cette pièce est sa salopette rouge, ou comme il aime les appeler “les bretelles”.

10. Mr and Mrs Clark and Percy (1971)

La peinture elle-même représente deux des amis de Hockney : un célèbre créateur de mode appelé Ossie Clark, et un designer textile qui était son épouse Cecilia Birtwell.

Une petite information de base sur ce tableau serait que ce tableau a été peint juste après le mariage du couple auquel Hockney a non seulement assisté, mais était également le témoin de M. Clark.