Les 10 œuvres les plus célèbres de Pablo Picasso

Pablo Picasso est un artiste espagnol né à Malaga le 25 octobre 1881, mort le 8 avril 1973 à Mougins, enterré dans le parc du Château de Vauvenargues, Bouches du Rhône. Il est surtout connu pour ses peintures, et est l’un des artistes majeurs du 20ème siècle. Il est, avec Georges Braque, le fondateur du mouvement cubiste. Pablo Picasso (1916) Son nom complet était Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispin Crispiniano de la Sentissima Trinidad Ruiz Picasso. Le père de Picasso, Don José Ruiz y Blanco, était peintre et professeur de dessin à l’école de Malaga appelée « San Telmo ». Il est également conservateur du musée municipal, issu d’une famille ancienne et appréciée de la province de Léon, dans le nord-ouest de l’Espagne, la mère de Picasso, Dona Maria, est originaire d’Andalousie et d’origine arabe.

Picasso commence donc à peindre dès son plus jeune âge et réalise ses premières toiles à l’âge de huit ans. En 1896, il entre à l’École des Beaux-Arts de Barcelone. Signant d’abord du nom de son père, Ruiz Blanco, il a finalement choisi d’utiliser le nom de sa mère, Picasso, à partir de 1901.

niood répertorie les 10 œuvres d’art les plus célèbres de Pablo Picasso :

1. Le Reve, 1932

Le Rêve est une peinture à l’huile de 1932 (130 × 97 cm) de Pablo Picasso, alors âgé de 50 ans, représentant sa maîtresse de 24 ans Marie-Thérèse Walter. On dit qu’il a été peint en un après-midi, le 24 janvier 1932. Il appartient à la période des représentations déformées de Picasso, avec ses contours trop simplifiés et ses couleurs contrastées ressemblant au premier fauvisme.

Le contenu érotique de la peinture a été noté à plusieurs reprises, les critiques soulignant que Picasso a peint un pénis en érection, symbolisant vraisemblablement le sien, sur le visage renversé de son modèle.

2. Guernica, 1937

Probablement l’œuvre la plus célèbre de Picasso, Guernica est certainement sa déclaration politique la plus puissante, peinte comme une réaction immédiate aux bombardements occasionnels dévastateurs des nazis sur la ville basque de Guernica pendant la guerre civile espagnole.

Guernica montre les tragédies de la guerre et les souffrances qu’elle inflige aux individus, en particulier aux civils innocents. Cette œuvre a acquis un statut monumental, devenant un rappel perpétuel des tragédies de la guerre, un symbole anti-guerre et une incarnation de la paix. Une fois terminé, Guernica a été présenté dans le monde entier lors d’une brève tournée, devenant célèbre et largement acclamé. Cette tournée a contribué à attirer l’attention du monde sur la guerre civile espagnole.

Cette œuvre est considérée comme un amalgame de styles pastoraux et épiques. Le rejet de la couleur intensifie le drame, produisant une qualité de reportage comme dans un enregistrement photographique. Guernica est bleu, noir et blanc, 3,5 mètres (11 pieds) de haut et 7,8 mètres (25,6 pieds) de large, une toile de la taille d’une murale peinte à l’huile. Ce tableau est visible au Museo Reina Sofia de Madrid.

3. Dora Maar au Chat, 1941

Dora Maar au Chat présente la maîtresse la plus mystérieuse et la plus provocante de l’artiste posée royalement de trois quarts de long dans une grande chaise en bois avec un petit chat noir perché derrière elle dans une attitude à la fois amusante et menaçante. Les plans facettés de son corps et la surface richement stratifiée des coups de pinceau confèrent à ce portrait une qualité monumentale et sculpturale. La peinture est également remarquable par l’éclat de ses couleurs et le motif complexe et dense de la robe du modèle. Le personnage puissant est situé dans un cadre dramatique mais simple composé d’un plan de parquet en bois incliné vertigineusement et d’un espace intérieur peu profond qui est agencé d’une manière qui rappelle les premières manipulations de l’espace de Picasso d’une manière cubiste.

4. Jacqueline with Flowers, 1954

Jacqueline aux fleurs, 1954 célèbre l’entrée de la nouvelle compagne de Picasso, Jacqueline Roque, dans sa peinture. Antonina Vallentin appelle la figure un « sphinx moderne », et il est vrai que dans cette position accroupie, avec son long cou et ses yeux en amande, Jacqueline a quelque chose de mythique. Elle aimait cette position particulière pour s’asseoir, et on la reverra dans des portraits ultérieurs, dont la série des “Odalisques”. Lorsque Picasso l’a rencontrée pour la première fois, il a été frappé par sa ressemblance avec la femme au narguilé des Femmes d’Alger de Delacroix. Il voyait en elle la même beauté classique et méditerranéenne qu’il avait commencé à peindre à Gasol.

5. Figures at the Seaside, 1931

Une série de scènes de plage érotiques bizarres, dont Le baiser , a été peinte à l’été de 1931 à la résidence de vacances de Picasso sur la Côte d’Azur, Juan-les-Pins. Dit inspiré par la liaison du peintre de 50 ans avec le modèle de 19 ans, Marie-Thérèse Walter, le caractère grotesque des formes représentées réduit ce moment de contact intime à un niveau de crudité, probablement plus représentatif de son relation qui se détériore avec sa femme, Olga.

La tête en forme de mante religieuse des deux personnages était une image populaire auprès des surréalistes parce que le concept pervers de la femelle mangeant des insectes son compagnon après les rapports sexuels fournissait une autre métaphore visuelle du paradoxe « la vie et la mort ». Ici, les têtes intègrent l’imagerie obscène des dents du vagin dentatta de Picasso, ainsi que des langues péniennes.

6. Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Les Demoiselles d’Avignon marquent une rupture radicale avec la composition et la perspective traditionnelles en peinture. Il représente cinq femmes nues composées d’avions plats et éclatés dont les visages sont inspirés de la sculpture ibérique et des masques africains. L’espace compressé qu’ils habitent semble se projeter vers l’avant en éclats déchiquetés, tandis qu’une tranche de melon dans la nature morte au bas de la composition vacille sur une table renversée. Picasso a dévoilé la peinture monumentale dans son atelier parisien après des mois de révision. L’Avignon du titre de l’œuvre fait référence à une rue de Barcelone réputée pour ses maisons closes.

7. The Old Guitarist, 1903

Cet homme courbé et aveugle tient près de lui une grosse guitare ronde. Son corps brun représente le seul changement de couleur du tableau. A la fois physiquement et symboliquement, l’instrument remplit l’espace autour du personnage solitaire, qui semble inconscient de sa cécité et de sa pauvreté lorsqu’il joue. Au moment où la peinture a été faite, la littérature du mouvement symboliste comprenait des personnages aveugles qui possédaient des pouvoirs de vision intérieure. La silhouette mince et squelettique du musicien aveugle a également des racines dans l’art du pays natal de Picasso, l’Espagne. Les membres allongés du vieil homme et sa posture anguleuse et étroite rappellent les figures du grand artiste du XVIe siècle El Greco.

8. Minotaur With Dead Horse In Front Of A Cave Facing A Girl In Veil, 1936

Dans Minotaure avec jument morte devant une grotte, 1936, Picasso a représenté le minatour sortant d’une grotte, portant le corps d’un cheval mort. Il faisait ici clairement allusion au concours à mort qui caractérise les corridas. Mais en même temps, il a réuni la violence de la lutte avec la tendresse avec laquelle le vainqueur porte le corps de sa victime.

9. Garçon à la Pipe (Boy with a Pipe), 1905

Pablo était un jeune artiste en herbe à l’époque de cette peinture – environ 24 ans. Il est considéré comme l’une des œuvres les plus importantes du début de sa carrière et montre comment les premiers Picasso sont passés aux styles contemporains après avoir d’abord étudié les techniques de l’art classique.

Garcon a la Pipe soulève plus de questions qu’il n’apporte de réponses. Picasso a touché à la beauté de la jeunesse dans ce tableau qui n’était pas caractéristique de ses portraits de cette époque. Les éléments de la pose ne sont pas non plus concluants quant à ses pensées derrière le travail, tandis que le bras gauche est placé dans une position inconfortable et non naturelle. Picasso a découvert que Montmartre regorgeait de modèles adaptés à son travail et que, sans manquer de personnes dans l’industrie du divertissement, il était capable de sélectionner toutes sortes de personnages intéressants pour son travail. Beaucoup étaient plus qu’heureux de gagner un petit revenu supplémentaire, tandis que d’autres se contentaient d’être dans et autour d’un environnement créatif.

10. The Women of Algiers, 1955

La série de Picasso Les femmes d’Alger a été lancée moins d’un mois après le soulèvement nationaliste en Algérie en 1954 qui a conduit à la guerre d’indépendance algérienne de huit ans. .

L’histoire et la politique de la France dans l’après-guerre étaient étroitement liées à ses relations avec ses colonies et à leur quête d’indépendance. Au milieu de ces événements Picasso fait le lien avec Les Femmes d’Alger 1834 d’Eugène Delacroix. Son dialogue avec Delacroix remonte à un certain nombre de premiers dessins de 1940 et au célèbre essai du Louvre de 1946 dans lequel Picasso a directement juxtaposé son travail aux chefs-d’œuvre du musée. Picasso aurait été attiré par l’idée de Delacroix de l’authenticité de l’antiquité en Afrique du Nord et par le rapport de la culture espagnole à la période de domination mauresque.