Les 10 œuvres les plus célèbres d’Edward Hopper

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Edward Hopper (22 juillet 1882 – 15 mai 1967) était un peintre et graveur réaliste américain. Bien qu’il soit largement connu pour ses peintures à l’huile, il était également compétent en tant qu’aquarelliste et graveur en gravure. Sa carrière a bénéficié de manière décisive de son mariage avec une collègue artiste Joséphine Nivison, qui a beaucoup contribué à son travail, à la fois en tant que modèle de vie et en tant que partenaire créatif.

Hopper était un artiste mineur, créant un drame discret à partir de sujets banals « en couches avec une signification poétique », invitant à des interprétations narratives, souvent involontaires. Il a été félicité pour la « vérité complète » de l’Amérique qu’il a dépeint.

niood répertorie les 10 œuvres d’art les plus célèbres d’Edward Hopper :

1. Nighthawks, 1942

Edward Hopper a déclaré que Nighthawks a été inspiré par “un restaurant sur Greenwich Avenue à New York où deux rues se rencontrent”, mais l’image – avec sa composition soigneusement construite et son manque de narration – a une qualité universelle intemporelle qui transcende son lieu particulier. L’une des images les plus connues de l’art du XXe siècle, la peinture représente un dîner ouvert toute la nuit dans lequel trois clients, tous perdus dans leurs pensées, se sont rassemblés. La compréhension de Hopper des possibilités expressives de la lumière jouant sur des formes simplifiées donne à la peinture sa beauté.

Les lampes fluorescentes venaient d’être utilisées au début des années 40, et le restaurant ouvert toute la nuit émet une lueur étrange, comme un phare au coin d’une rue sombre. Hopper a éliminé toute référence à une entrée et le spectateur, attiré par la lumière, est exclu de la scène par un coin de verre sans soudure. Les quatre noctambules anonymes et peu communicatifs semblent aussi séparés et éloignés du spectateur que les uns des autres. (La femme aux cheveux roux était en fait modelée par la femme de l’artiste, Jo.) Hopper a nié avoir délibérément infusé ceci ou n’importe quel autre de ses tableaux avec des symboles d’isolement humain et de vide urbain, mais il a reconnu que dans Nighthawks “inconsciemment, probablement, Je peignais la solitude d’une grande ville.

2. Chop Suey, 1929

Chop Suey (1929), le tableau le plus emblématique de Hopper laissé entre des mains privées, incarne la complexité psychologique pour laquelle son travail est célébré, figeant sur place une scène quotidienne d’une Amérique en évolution rapide.

Les peintures du restaurant Hopper reflètent le rôle et la vision changeants des femmes américaines à la fin des années 1920. Les joints Chop suey étaient des espaces où la nouvelle main-d’œuvre féminine était la bienvenue – en effet, la femme face au spectateur est le point central de la peinture. Mais plutôt que de se prélasser dans la lumière qui pénètre par la fenêtre du restaurant, elle semble pensive, évitant le contact visuel avec le spectateur ou son compagnon.

3. House by the Railroad, 1925

Une lueur de fin d’après-midi imprègne Hopper’s House by the Railroad, qui comprend une grande maison victorienne, sa base et ses terrains obscurcis par les voies d’un chemin de fer. Les rails créent une barrière visuelle qui semble bloquer l’accès à la maison, qui est isolée dans un paysage vide. La juxtaposition de la maison et des voies ferrées peut être lue comme une confrontation entre la fixité de la tradition et la possibilité de mobilité dans l’Amérique du début du XXe siècle. En même temps, ces effets évoquent l’atmosphère calme mais chargée qui allait devenir la marque de fabrique du travail de cet artiste.

Hopper a produit des vues urbaines étroitement observées, des paysages (en grande partie de la Nouvelle-Angleterre) et des scènes d’intérieur, tous peu peuplés de personnages ou entièrement dépourvus d’eux. Bien qu’il ait insisté sur le fait que ses peintures étaient des représentations directes du monde réel, elles sont souvent remplies d’un sentiment indéniable de solitude, d’éloignement, d’immobilité et de mystère. La lumière, qu’elle soit naturelle ou artificielle, joue un rôle central dans la création de l’humeur.

4. Gas, 1940

Cette œuvre résulte d’une représentation composite de plusieurs stations-service vues par l’artiste. La lumière de ce tableau, à la fois naturelle et artificielle, donne à la scène d’une station-service et de son serviteur solitaire au crépuscule un sentiment dramatique sous-jacent. Mais plutôt que de simplement décrire un récit simple, le but de Hopper était “la transcription la plus exacte possible de mes impressions les plus intimes de la nature” – dans ce cas, la solitude d’une route de campagne américaine. L’artiste Charles Burchfield pensait que ces peintures resteraient mémorables au-delà de leur époque, car dans sa “présentation honnête de la scène américaine… Hopper n’insiste pas sur ce que le spectateur doit ressentir”.

5. Early Sunday Morning, 1930

Early Sunday Morning est l’une des peintures les plus emblématiques d’Edward Hopper. Bien qu’il décrive ce travail comme “presque une traduction littérale de la Septième Avenue”, Hopper a réduit la rue de New York à l’essentiel. Le lettrage des enseignes des fenêtres est illisible, l’ornementation architecturale est vaguement esquissée et la présence humaine est simplement suggérée par les divers rideaux qui différencient les appartements discrets. Les longues ombres matinales de la peinture n’apparaîtraient jamais dans une rue nord-sud telle que la Septième Avenue. Pourtant, ces mêmes contrastes d’ombre et de lumière, et la succession de verticales et d’horizontales, créent l’atmosphère chargée, presque théâtrale, des bâtiments vides d’une rue déserte en début de journée. Bien que Hopper soit connu comme un réaliste américain par excellence du XXe siècle et que ses peintures soient fondamentalement figuratives, ce travail démontre son accent sur les formes simplifiées, les surfaces picturales et les compositions soigneusement construites.

6. Room in New York, 1932

La scène d’une pièce brillamment éclairée est contenue dans le rebord sombre d’une fenêtre. Le cadrage austère fait de la pièce le centre d’intérêt principal, attirant le regard et donnant de la réalité à l’action de regarder dans un espace où les sujets ne se rendent pas compte qu’ils sont observés. L’authenticité de l’espionnage est un produit du processus artistique de Hopper. Il a admis que l’inspiration pour Room in New York venait de “des aperçus d’intérieurs éclairés vus alors que je marchais dans les rues de la ville la nuit”.

L’acte de regarder donne au spectateur le sentiment que ce qui est vu est entièrement réel et non filtré ; « les figures égocentriques ne connaissent pas sa présence ; sinon, ils seraient embarrassés, surpris ou autrement mal à l’aise.

Les lignes dures et les blocs de couleur qui encadrent la scène divisent non seulement l’espace entre le spectateur et le sujet, mais divisent également l’espace dans la pièce elle-même. Hopper place une porte presque exactement au centre pour diviser le travail en deux moitiés distinctes horizontalement, isolant l’homme et la femme dans leurs côtés respectifs. Pendant que l’homme lit le journal, son homologue joue du piano en lui tournant le dos.

7. Morning Sun, 1952

Edward Hopper a été l’un des premiers artistes américains à peindre l’expérience de l’isolement humain dans la ville moderne. Dans Morning Sun, la femme – inspirée de la femme de Hopper, Jo – fait face au soleil de manière impassible et apparemment perdue dans ses pensées. Son œil droit visible semble aveugle, soulignant son isolement. Le mur nu et l’élévation de la pièce au-dessus de la rue suggèrent également la morosité et la solitude de la vie urbaine impersonnelle.

8. Office at Night, 1940

Le tableau représente un bureau occupé par une jolie jeune femme vêtue d’une robe bleue à manches courtes qui se tient devant un classeur ouvert et un homme légèrement plus âgé qui est peut-être au début de la cinquantaine. Il est vêtu d’un costume trois pièces et est assis derrière un bureau. La nature du bureau n’est pas claire : il pourrait tout aussi bien être le bureau d’un avocat, d’un comptable ou d’une petite entreprise.

9. Hotel Lobby, 1943

Le tableau représente deux femmes et un homme dans le hall d’un hôtel. À droite, une femme aux cheveux blonds et à la robe bleue, assise les jambes croisées et lisant un livre. À gauche est assise une femme plus âgée avec une robe rouge, un manteau et un chapeau. Un homme se tient à côté d’elle, tourné vers l’avant, avec un costume et un pardessus drapé sur son bras droit. Sur le mur de gauche, au-dessus de la femme, se trouve un paysage encadré. Un employé derrière la réception est à peine visible dans l’ombre.

Hotel Lobby est une pièce emblématique du travail de Hopper, affichant ses thèmes classiques d’aliénation et de brièveté. Les Hoppers ont voyagé fréquemment, séjournant dans de nombreux motels et hôtels tout au long de sa carrière. C’est l’une des deux œuvres de son catalogue qui représente un hôtel, l’autre étant Hotel Window (1955).

10. Office in a Small City, 1953

Le Metropolitan Museum a acquis cette peinture peu de temps après son achèvement fin octobre 1953. Commencée à Cape Cod au cours de l’été et terminée à New York, c’était la seule peinture à l’huile Hopper produite cette année-là. Reprenant l’un de ses sujets de signature – une figure solitaire, physiquement et émotionnellement détachée de son environnement et des autres – il a été décrit par la femme de l’artiste comme “l’homme dans un mur de béton”.