Les 10 œuvres les plus célèbres de Roy Lichtenstein

Roy Lichtenstein était l’un des artistes les plus influents et innovants de la seconde moitié du XXe siècle. Il est éminemment identifié au Pop Art, un mouvement qu’il a aidé à créer, et ses premières peintures entièrement réalisées étaient basées sur des images de bandes dessinées et de publicités et rendues dans un style imitant les processus d’impression bruts de la reproduction de journaux.

Ces peintures ont revigoré la scène artistique américaine et modifié l’histoire de l’art moderne. Le succès de Lichtenstein n’a d’égal que sa concentration et son énergie, et après son triomphe initial au début des années 1960, il a continué à créer une œuvre de plus de 5 000 peintures, gravures, dessins, sculptures, peintures murales et autres objets célébrés pour leur esprit et leur invention.

niood répertorie les 10 œuvres d’art les plus célèbres de Roy Lichtenstein:

1. Masterpiece (1962)

Comme l’indique la bulle, le nom de l’homme est Brad. Brad figure dans plusieurs des peintures de Lichtenstein, avec Drowning Girl en étant un excellent exemple. Interrogé sur la figure de Brad dans son art, Lichtenstein a déclaré qu’il aimait le nom parce qu’il sonnait à la fois cliché et héroïque. Cela a fait de Brad le protagoniste parfait du Pop Art, un genre qui visait à créer un art qui n’était pas snobment « high brow » mais qui créait des liens avec la culture populaire, et qui était donc conçu pour la consommation populaire.

2. Drowning Girl (1963)

Drowning Girl (1963) est l’une des peintures les plus célèbres de l’artiste pop américain Roy Lichtenstein. Il était basé sur la couverture de la bande dessinée Run for Love de 1962 de DC Comics. Lichtenstein a considérablement modifié l’illustration originale, qui montre la jeune fille en train de se noyer au premier plan avec son petit ami à l’arrière-plan accroché à un bateau renversé. Le texte narratif de l’illustration présente une histoire d’amour mélodramatique : la fille se noie à cause d’une crampe à la jambe, mais elle est tellement affligée qu’elle décide de se noyer au lieu d’appeler son petit ami à l’aide.

3. Crying Girl (1963)

“Crying Girl” de Lichtenstein va au-delà de son désir de créer des œuvres d’art de type bande dessinée. Ici, il étudie les aspects genrés de l’identité féminine. Immédiatement, le spectateur se concentre sur les émotions du sujet, alors qu’il s’empare de la peinture. Elle a un sentiment de stress à la fois dans son regard et dans sa position physique. Lichtenstein met en lumière le manque de domination féminine à cette époque. Elle semble presque piégée, semblable à l’état de nombreuses femmes en Amérique dans les années 1960, alors que les femmes se battaient pour l’égalité.

4. Look Mickey (1961)

Look Mickey représente la première fois que Roy Lichtenstein transpose directement une scène et un style d’une source de la culture populaire, le livre pour enfants de 1960 Donald Duck : Lost and Found. Sur l’image, les icônes de Disney Donald Duck et Mickey Mouse se tiennent sur une jetée. Regardant l’eau, canne à pêche levée au-dessus de sa tête, Donald pense qu’il a attrapé un poisson alors qu’il a en fait attrapé sa propre queue de pelage. Derrière lui se tient Mickey, étouffant un rire devant l’erreur de son ami. Le texte « LOOK MICKEY, J’AI ACCROCHÉ UN BIG ONE », pende moqueusement au-dessus de la tête sans méfiance de Donald.

5. In The Car (1963)

Ce tableau fait partie d’une série du début des années 1960 dans laquelle Lichtenstein aborde le thème de la romance. Il peindrait ses œuvres à une échelle monumentale, très agrandie à partir de son matériel source original d’illustrations de bandes dessinées. Cette œuvre est basée sur une image de la bande dessinée Girls’ Romances. L’illustration originale comprenait une bulle de pensée qui disait : “Je me suis juré de ne pas manquer mon rendez-vous – Que je n’irais pas à cheval avec lui – Pourtant avant que je le sache…” Ses peintures présentent des images archétypales de l’Amérique contemporaine, à la fois glamour, banal, dramatique et impersonnel. Lichtenstein transmet l’essence de l’époque, représentant des « types » reconnaissables, tels que la belle femme blonde et le bel homme à la mâchoire carrée vus dans cette peinture.

6. Hopeless (1963)

La peinture sans espoir représente une jeune femme vulnérable aux larmes aux yeux qui semble stressée. La femme occupe la majorité de la toile. Cependant, Roy a apporté quelques modifications à la peinture originale en appliquant des couleurs vives et vibrantes avec des lignes ondulées et audacieuses qui intensifient les émotions dans la scène de la peinture.

La peinture Hopeless communique au spectateur et de cette manière Lichtenstein a pu communiquer son message aux spectateurs de la peinture. Bien que les peintures proviennent d’une source comique, l’artiste a voulu dépeindre le stress que subissent les femmes, en particulier avec les problèmes d’amour.

7. Happy Tears (1964)

Happy Tears présente, comme de nombreuses œuvres d’art de Lichtenstein, une figure féminine centrale qui éprouve une forte émotion. Il y a ici un sentiment de réalité presque produite en masse, car les cheveux de la femme correspondent à la couleur de ses ongles. En tant que tel, les téléspectateurs prennent conscience que Lichtenstein a utilisé la même couleur de peinture pour les deux parties de cette peinture et nous ne pouvons donc pas échapper à la reconnaissance qu’elle a été créée par un artiste et n’est pas une personne réelle.

Comme la plupart des œuvres de Lichtenstein, Happy Tears a une sensation à la fois tridimensionnelle et bidimensionnelle, grâce au motif de points répétés qui aident à maquiller la peau de la femme. Ceci, à son tour, ajoute à l’irréalité de la femme tout en ajoutant en même temps un sentiment de profondeur et de verve à la représentation de Lichtenstein d’elle.

8. Ohhh… Alright… (1964)

Les œuvres de Lichtenstein des années 1960 étaient inspirées de la bande dessinée – ce sont des cadres angoissants, mettant souvent en scène des femmes en détresse. Dans une image emblématique, une belle femme lourde aux sourcils froncés saisit un téléphone à deux mains en disant “Ohh … D’accord …” Vous savez juste qu’elle parle à un gars. Qui sait ce qu’il lui dit et ce à quoi elle accepte à contrecœur. Lichtenstein nous laisse imaginer l’histoire – et ce qui pourrait arriver ensuite.

9. Oh, Jeff… I love you too… (1964)

Lichtenstein a utilisé des lignes fortes et définies et des couleurs vives comme reflet de l’art de la bande dessinée populaire de l’époque. Dans cette peinture particulière, il crée l’émotion sur le visage de la femme en conflit avec seulement quelques lignes faciles, et ce faisant, il met la tension dans la scène sans la surcharger.

Le gros plan sur le visage de la femme et la façon dont elle tient le téléphone d’une manière si dramatique est une parodie directe de nombreuses bandes dessinées de comédie romantique connues à l’époque, dans lesquelles la protagoniste subirait un obstacle temporaire dans sa relation qui, comme chaque lecteur était au courant, serait finalement résolu.

10. Whaam! (1963)

La composition de l’œuvre est tirée d’un panneau dessiné par Irv Novick qui a paru dans le numéro 89 de All-American Men of War, publié par DC Comics en février 1962. À partir du panneau original, Lichtenstein a produit des dessins préliminaires, dont l’un est dans le Tate’s collection (dessin pour ‘Whaam!’ 1963, Tate T01131). Dans ce dessin, il expose sa première visualisation du tableau, notamment en marquant la division du panneau unique d’origine en deux parties, confinant le plan principal à l’un et l’explosion à l’autre. Révélant le processus de Lichtenstein consistant à apporter des modifications mineures lors de la création d’une œuvre, les annotations de couleur sur le dessin sont différentes des couleurs finales utilisées dans la peinture, notamment l’utilisation de jaune au lieu de blanc pour les lettres de « WHAAM ! ». Pour réaliser la peinture finale, Lichtenstein a projeté l’étude préparatoire sur les deux toiles pré-apprêtées et a tracé la projection au crayon avant d’appliquer les points Ben-Day. Cela impliquait d’utiliser un treillis en aluminium fait maison et de pousser de la peinture à l’huile à travers les trous avec une petite brosse à récurer. Sur celui-ci, il a peint les contours épais des formes et des zones de couleur unie à la peinture acrylique Magna.