Les 10 œuvres les plus célèbres de Salvador Dali

Salvador Dalí, au complet Salvador Felipe Jacinto Dalí y Domenech, (né le 11 mai 1904, Figueras, Espagne – décédé le 23 janvier 1989, Figueras), peintre et graveur surréaliste espagnol, influent pour ses explorations de l’imagerie subconsciente.

Né à Figueres, en Catalogne, en Espagne, Dalí a reçu son éducation formelle aux beaux-arts à Madrid. Influencé par l’impressionnisme et les maîtres de la Renaissance dès son plus jeune âge, il est de plus en plus attiré par le cubisme et les mouvements d’avant-garde. Il se rapproche du surréalisme à la fin des années 1920 et rejoint le groupe surréaliste en 1929, devenant bientôt l’un de ses principaux représentants.

Le répertoire artistique de Dalí comprend la peinture, les arts graphiques, le cinéma, la sculpture, le design et la photographie, parfois en collaboration avec d’autres artistes. Il a également écrit de la fiction, de la poésie, de l’autobiographie, des essais et des critiques. Les thèmes majeurs de son travail incluent les rêves, le subconscient, la sexualité, la religion, la science et ses relations personnelles les plus proches.

niood répertorie les 10 œuvres d’art les plus célèbres de Salvador Dali :

1. La persistance de la Mémoire (1931)

Les objets durs deviennent inexplicablement mous dans ce paysage de rêve sombre et infini, tandis que le métal attire les fourmis comme la chair en décomposition. Maîtrisant ce qu’il appelait “les tours paralysants habituels de tromper les yeux”, Dalí a peint avec “la fureur de précision la plus impérialiste”, a-t-il dit, mais uniquement “pour systématiser la confusion et ainsi aider à discréditer complètement le monde de la réalité”. C’est l’ambition surréaliste classique, mais une réalité littérale est également incluse: les lointaines falaises dorées sont la côte de la Catalogne, la maison de Dalí.

Ces montres molles sont aussi molles que du fromage trop mûr – en effet, elles représentent «le camembert du temps», selon l’expression de Dalí. Ici, le temps doit perdre tout sens. La permanence va avec : les fourmis, un thème commun dans l’œuvre de Dalí, représentent la pourriture, en particulier lorsqu’elles attaquent une montre en or, et elles semblent grotesquement organiques. La monstrueuse créature charnue drapée au centre de la peinture est à la fois étrangère et familière : une approximation du propre visage de Dalí de profil, ses longs cils semblent inquiétants comme des insectes ou même sexuels, tout comme ce qui peut ou non être une langue suintant de son nez comme un gros escargot.

2. Cygnes se reflétant en éléphants (1937)

Swans Reflecting Elephants (1937) est de la période paranoïaque-critique de Dali. Peint à l’huile sur toile, il contient l’une des célèbres doubles images de Dali. Les doubles images constituaient une partie importante de la « méthode critique de la paranoïa » de Dali, qu’il avançait dans son essai de 1935 « La conquête de l’irrationnel ». Il a expliqué son processus comme une “méthode spontanée de compréhension irrationnelle basée sur l’association critique interprétative de phénomènes délirants”. Dali a utilisé cette méthode pour faire émerger les formes hallucinatoires, les images doubles et les illusions visuelles qui remplissaient ses peintures au cours des années trente.

3. Construction molle aux haricots bouillis (1936)

Cette peinture exprime la destruction pendant la guerre civile espagnole. La créature monstrueuse de cette peinture est autodestructrice, tout comme l’est une guerre civile. Cette peinture n’est pas censée représenter le choix d’un camp, bien que Dalí ait eu de nombreuses raisons de choisir son camp pendant la guerre civile espagnole. Sa sœur a été torturée et emprisonnée par des soldats communistes combattant pour la République et son bon ami de l’école d’art, le poète Federico Garcia Lorca, a été assassiné par un peloton d’exécution fasciste. Dalí a également rendu cette peinture très réaliste tout en continuant à introduire des concepts surréalistes.

Bien que les humains n’aient pas le potentiel de ressembler aux créatures de cette peinture, elle conserve une sensation réaliste, rappelant au spectateur la gravité des idées qui la sous-tendent. Dalí a également apporté des idées de tradition à cette pièce avec un beau ciel catalan, créant un contraste avec l’idée de révolution. Il y a un nombre important de haricots bouillis dans cette peinture. Dalí aurait déclaré que la raison pour laquelle il avait inclus des haricots bouillis était « on ne pouvait pas imaginer avaler toute cette viande inconsciente sans la présence d’un légume farineux et mélancolique ». Par cela, il voulait dire qu’il y avait beaucoup de difficultés dans la guerre, donc les citoyens espagnols devaient faire de leur mieux pour faire face à leurs problèmes. Il a joué avec les thèmes de l’amour, de l’alimentation et de la guerre et de la façon dont ils sont tous liés.

4. Le grand masturbateur (1929)

Une figure féminine nue (ressemblant à la nouvelle muse de Dalí, Gala) s’élève de l’arrière de la tête ; cela peut être le fantasme masturbatoire suggéré par le titre. La bouche de la femme est près d’un entrejambe masculin légèrement vêtu, ce qui suggère qu’une fellation peut avoir lieu. La silhouette masculine vue uniquement à partir de la taille a des coupures fraîches qui saignent sur ses genoux. Au-dessous de la tête de profil central, sur sa bouche, se trouve une sauterelle, un insecte auquel Dali fait référence à plusieurs reprises dans ses écrits. Un essaim de fourmis (un motif populaire représentant l’anxiété sexuelle dans l’œuvre de Dalí) se rassemble sur l’abdomen de la sauterelle, ainsi que sur le visage couché.

La peinture peut représenter les attitudes très conflictuelles de Dalí envers les rapports sexuels. Dans la jeunesse de Dalí, son père avait omis un livre avec des photos explicites de personnes souffrant de maladies vénériennes avancées non traitées pour « éduquer » le garçon. Les photos d’organes génitaux malades grotesquement endommagés ont fasciné et horrifié le jeune Dalí, et il a continué à associer le sexe à la putréfaction et à la décomposition jusqu’à l’âge adulte.

5. Métamorphose de Narcisse (1937)

Cette peinture est l’interprétation de Dalí du mythe grec de Narcisse. Narcisse était un jeune d’une grande beauté qui n’aimait que lui-même et brisait le cœur de nombreux amants. Les dieux l’ont puni en lui permettant de voir son propre reflet dans une piscine. Il en tomba amoureux, mais découvrit qu’il ne pouvait pas l’embrasser et mourut de frustration. Se radouci, les dieux l’ont immortalisé comme la fleur de narcisse (jonquille). Pour cette image, Dalí a utilisé une technique méticuleuse qu’il a qualifiée de « photographie en couleur peinte à la main » pour représenter avec un effet hallucinatoire la transformation de Narcisse, agenouillé dans la piscine, en la main tenant l’œuf et la fleur. Narcisse tel qu’il était avant sa transformation est vu posant en arrière-plan. Le jeu avec les « images doubles » est né de la fascination de Dalí pour l’hallucination et l’illusion.

6. Rêve causé par le vol d’une abeille autour d’une grenade (1944)

Dans cette “photographie de rêve peinte à la main”, comme Dalí appelait généralement ses peintures, il y a un paysage marin d’horizons lointains et d’eaux calmes, peut-être Port Lligat, au milieu duquel Gala est le sujet de la scène. À côté du corps nu de la femme endormie, qui lévite au-dessus d’un rocher plat qui flotte au-dessus de la mer, Dalí représente deux gouttelettes d’eau suspendues et une grenade, symbole chrétien de fertilité et de résurrection. Au-dessus de la grenade vole une abeille, un insecte qui symbolise traditionnellement la Vierge.

7. La girafe ardente (1937)

Dali a peint Burning Giraffe avant son exil aux États-Unis, de 1940 à 1948. Bien que Dali se soit déclaré apolitique – “Je suis Dali, et seulement ça” – cette peinture montre sa lutte personnelle avec la bataille dans son pays d’origine. La caractéristique est les tiroirs ouverts dans la figure féminine bleue, que Dali a décrite plus tard comme “Femme-coccyx” (femme au coccyx).

Ce phénomène remonte à la méthode psychanalytique de Sigmund Freud, très admirée par Dali. Il le considérait comme un énorme pas en avant pour la civilisation, comme le montre la citation suivante. “La seule différence entre la Grèce immortelle et notre époque est Sigmund Freud qui a découvert que le corps humain, qui à l’époque grecque n’était que néoplatonicien, est maintenant rempli de tiroirs secrets qui ne peuvent être ouverts que par la psychanalyse.” Les tiroirs ouverts de cette figure féminine expressive et calée renvoient ainsi au subconscient intérieur de l’homme. Selon les propres mots de Dali, ses peintures forment “une sorte d’allégorie qui sert à illustrer une certaine perspicacité, à suivre les nombreuses odeurs narcissiques qui montent de chacun de nos tiroirs”.

8. Mae West Lips Sofa (1937)

En 1935, Salvador Dalí, sans doute le plus célèbre des artistes surréalistes de l’époque, rencontra une âme sœur chez le collectionneur et poète britannique Edward James. James était le plus éminent partisan britannique du mouvement surréaliste, et le couple a noué une profonde amitié, James devenant un collectionneur de l’œuvre de Dalí. En 1936, Dalí est resté avec James dans sa maison de Londres, où ils ont développé un certain nombre d’idées pour des objets et des meubles surréalistes. C’est James qui leur a suggéré de créer un canapé basé sur l’œuvre de Dalí, Mae West’s Face, qui peut être utilisé comme un appartement surréaliste (1934-1935), qui voit les lèvres écarlates du sex-symbol hollywoodien Mae West réinventé comme siège pour un décor de chambre fantastique.

9. Lobster Telephone (1936)

Il s’agit d’un exemple classique d’objet surréaliste, fabriqué à partir de la conjonction d’éléments qui ne sont normalement pas associés les uns aux autres, résultant en quelque chose à la fois ludique et menaçant. Dalí croyait que de tels objets pouvaient révéler les désirs secrets de l’inconscient. Les homards et les téléphones avaient de fortes connotations sexuelles pour Dalí. Le téléphone apparaît dans certaines peintures de la fin des années 30, telles que Mountain Lake (Tate Gallery T01979), et le homard apparaît dans des dessins et des dessins, généralement associés au plaisir et à la douleur érotiques. Pour l’Exposition universelle de New York de 1939, Dalí a créé une expérience multimédia intitulée The Dream of Venus, qui consistait en partie à habiller des modèles nus vivants dans des « costumes » faits de fruits de mer frais, un événement photographié par Horst P. Horst et George Platt Lynes. Un homard a été utilisé par l’artiste pour couvrir les organes sexuels féminins de ses modèles. Dalí a souvent établi une étroite analogie entre la nourriture et le sexe. Dans Lobster Telephone, la queue du crustacé, où se trouvent ses parties sexuelles, est placée directement sur l’embout buccal.

10. Christ de saint Jean de la Croix (1951)

Il représente Jésus-Christ sur la croix dans un ciel sombre flottant au-dessus d’un plan d’eau avec un bateau et des pêcheurs. Bien qu’il s’agisse d’une représentation de la crucifixion, il est dépourvu de clous, de sang et d’une couronne d’épines, car, selon Dalí, il était convaincu par un rêve que ces caractéristiques altéreraient sa représentation du Christ. Également dans un rêve, l’importance de représenter le Christ dans l’angle extrême évident dans la peinture lui a été révélée.