Les 20 Tableaux Les Plus Célèbres Du Musée du Louvre, Paris

Il vous faudrait environ 200 jours pour voir chacune des 35 000 œuvres d’art exposées au musée si vous preniez 30 secondes pour voir chacune d’entre elles. niood répertorie donc les 20 peintures les plus célèbres du musée du Louvre, Paris :

1. Mona Lisa, 1503-1506 – Leonardo da Vinci

Dimensions: 77 cm x 53 cm
Localisation: Louvre Museum (since 1797)
Créée: 1503
Période: Renaissance
Sujet: Lisa Gherardini
Medium: Oil Paint

La Joconde est une peinture à l’huile de l’artiste, inventeur et écrivain italien Léonard de Vinci. Probablement achevée en 1506, la pièce présente le portrait d’une femme assise dans un paysage imaginaire. Rendue de la même manière que les représentations de la Vierge Marie à la Renaissance, la pièce présente une figure féminine – considérée par la plupart comme étant Lisa Gherardini, l’épouse du marchand de tissus et de soie Francesco Giocondo – à partir de la taille. Elle est représentée assise dans une loggia ou une pièce avec au moins un côté ouvert. Derrière elle se trouve un paysage brumeux et apparemment isolé imaginé par l’artiste et peint à l’aide de sfumato, une technique résultant en des formes “sans lignes ni bordures, à la manière de la fumée ou au-delà du plan de mise au point”. Son regard est une autre partie envoûtante de la composition. Beaucoup pensent que ses yeux vous suivent à travers la pièce, faisant d’elle une participante active lorsqu’elle est vue, plutôt que de rester un objet à regarder. En plus de son apparence mystérieuse, son expression a résonné le plus fortement auprès des historiens de l’art pour son possible symbolisme, car beaucoup pensent qu’il s’agit d’une “représentation visuelle intelligente de l’idée de bonheur suggérée par le mot” gioconda “en italien”.

2. La Liberté guidant le peuple, 1830 – Eugène Delacroix

Période: Romanticism
Créée: 1830
Localisation: Louvre Museum (since 2013)

La Liberté guidant le peuple est un tableau d’Eugène Delacroix commémorant la Révolution de juillet 1830, qui a renversé le roi Charles X de France. Une femme du peuple coiffée d’un bonnet phrygien personnifiant le concept de la liberté conduit un groupe varié de personnes vers l’avant par-dessus une barricade et les corps des morts, tenant le drapeau de la Révolution française – le tricolore, qui est redevenu le drapeau national de la France après ces événements – d’une main et brandissant un mousquet à baïonnette de l’autre. La figure de la Liberté est également considérée comme un symbole de la France et de la République française connue sous le nom de Marianne. La peinture est souvent confondue avec la représentation de la Révolution française.

3. Le Radeau de la Méduse, 1818-1819 – Théodore Géricault

Dimensions: 4.91 m x 7.16 m
Période: Romanticism
Localisation: Louvre Museum
Medium: Oil on canvas

Le sujet représenté est l’interprétation dramatique de l’artiste des événements commençant le 2 juillet 1816, lorsqu’une frégate de la marine française s’est écrasée en route vers les colonies d’Afrique de l’Ouest. Le gouverneur nommé de la colonie et les officiers supérieurs du groupe sont partis sur les six canots de sauvetage du navire, laissant les 147 passagers restants entassés sur un radeau fabriqué à la hâte. Lorsque le radeau s’est avéré trop encombrant, dans un acte horrible de lâcheté et de peur, le chef du navire a coupé les cordes du radeau. Laissés à eux-mêmes pendant 13 jours, les passagers ont finalement eu recours au cannibalisme. Lorsqu’ils ont été secourus par un navire britannique de passage, seuls 15 hommes sont restés en vie, dont 5 sont morts avant d’avoir pu atteindre la terre. Lorsque le public a appris cela, cela est devenu une tragédie internationale et une mise en accusation brûlante du gouvernement français actuel.

4. Le Sacre de Napoléon, 1805-1807 – Jacques-Louis David

Dimensions: 6.21 m x 9.79 m
Créée: 21 December 1805–November 1807
Medium: Oil on canvas
Localisation: Louvre Museum (since 1889), Louvre Museum (since 1808)

« Le Sacre de Napoléon » de Jacques-Louis David montre tous les regards tournés vers Napoléon et la couronne. Il est le sujet central de cette composition. Napoléon est debout, vêtu d’habits de couronnement semblables à ceux des empereurs romains. Le sacre de Napoléon comme Empereur qui eut lieu le dimanche 2 décembre 1804 fut un acte magistral de propagande.

Ce tableau, qui est un grand tableau imposant de près de 10 mètres (33 pieds) de large sur 6 mètres (20 pieds) de haut, faisait partie de l’effort de propagande. Napoléon voulait asseoir la légitimité de son règne impérial et sa nouvelle noblesse. Dans cet objectif, il conçoit une cérémonie à nulle autre pareille dans l’histoire des sacres.

5. Les Noces de Cana, 1563 – Paolo Veronese

Dimensions: 6.77 m x 9.9 m
Localisation: Louvre Museum
Créée: 1562–1563
Medium: Oil on canvas

Les noces de Véronèse à Cana combinent des éléments de plusieurs styles différents, adaptant la philosophie colorito vénitienne de Titien au disegno compositionnel de la Haute Renaissance – illustré par le travail de Léonard, Raphaël et Michel-Ange. A cela, il ajouta un ou deux traits du maniérisme, ainsi qu’une quantité de traits allégoriques et symboliques.

Le contenu de la peinture consiste également en un mélange complexe de sacré et de profane, de religieux et de profane, de théâtral et de banal, d’européen et d’oriental. Représenté dans le grand style de la société vénitienne contemporaine, le banquet se déroule dans une cour flanquée de colonnes doriques et corinthiennes et bordée d’une balustrade basse. Au loin, on aperçoit une tour à arcades, conçue par l’architecte de Padoue Andrea Palladio. Au centre-avant-plan, un groupe de musiciens joue de divers luths et instruments à cordes. Les figures musicales incluent les quatre grands peintres de Venise : Véronèse lui-même (vêtu de blanc, jouant de la viole de gambe), Jacopo Bassano (à la flûte), Tintoret (violon) et Titien (vêtu de rouge, jouant du violoncelle).

6. Le Serment des Horaces, 1784 – Jacques-Louis David

Créée: 1784
Medium: Oil on canvas
Localisation: Louvre, Paris
Dimensions: 329.8 cm × 424.8 cm (129.8 in × 167.2 in)

Serment des Horaces ( français : Le Serment des Horaces ), est un grand tableau de l’artiste français Jacques-Louis David peint en 1784 et maintenant exposé au Louvre à Paris . Le tableau est immédiatement devenu un énorme succès auprès de la critique et du public, et reste l’une des peintures les plus connues dans le style néoclassique.

Il dépeint une scène d’une légende romaine sur un conflit du VIIe siècle avant JC entre deux villes en guerre, Rome et Alba Longa, et souligne l’importance du patriotisme et de l’abnégation masculine pour son pays. Au lieu que les deux villes envoient leurs armées à la guerre, ils conviennent de choisir trois hommes de chaque ville; le vainqueur de ce combat sera la ville victorieuse.

7. La Dentellière, 1669-1670 – Johannes Vermeer

Créée: 1670
Localisation: Louvre Museum
Période: Dutch Golden Age
Dimensions: 24.5 cm × 21 cm (9.6 in × 8.3 in)
Medium: Oil on canvas

La jeune fille est placée contre un mur blanc, probablement parce que l’artiste a cherché à éliminer toute distraction extérieure de l’image centrale. Comme pour son L’Astronome (1668) et Le Géographe (1669), l’artiste a probablement entrepris une étude approfondie avant d’exécuter l’œuvre ; l’art de la dentelle est dépeint de près et avec précision. Vermeer a probablement utilisé une camera obscura lors de la composition de l’œuvre : de nombreux effets optiques typiques de la photographie peuvent être observés, en particulier le flou du premier plan. En rendant les zones de la toile floues, Vermeer est capable de suggérer la profondeur de champ d’une manière inhabituelle dans la peinture baroque néerlandaise de l’époque.

8. Le Bain Turc, 1862 – Jean-Auguste-Dominique Ingres

Dimensions: 108 cm × 110 cm (42 1/2 in × 43 5/16 in)
Localisation: Louvre Museum
Medium: Oil on canvas glued to wood
Genres: History painting, Genre art

Le bain turc (Le Bain Turc) est une peinture à l’huile de Jean-Auguste-Dominique Ingres. Il représente un groupe de femmes nues dans le bain d’un harem et est peint dans un style très érotique qui évoque à la fois le Proche-Orient et les styles occidentaux antérieurs associés à des sujets mythologiques. Peint sur toile marouflée sur bois, il mesure 108 x 108 cm.

9. Mort de la Vierge, 1602 – Caravaggio

Période: Baroque
Localisation: Louvre Museum
Medium: Oil Paint
Dimensions: 369 cm × 245 cm (145 in × 96 in)
Année: 1604–1606, 1602

Le tableau rappelle la mise au tombeau du Caravage au Vatican par son ampleur, sa sobriété et le naturalisme photographique. Les personnages sont presque grandeur nature. Mary est allongée, vêtue d’une simple robe rouge. La tête tombante, le bras suspendu, les pieds gonflés et écartés dépeignent une vision crue et réaliste de la dépouille mortelle de la Vierge. Le Caravage abandonne complètement l’iconographie traditionnellement utilisée pour indiquer la sainteté de la Vierge. Dans ce corps défroqué, il ne reste rien de la représentation respectueuse que l’on retrouve dans les peintures dévotionnelles.

10. Dante et Virgile en enfer, 1850 – Eugène Delacroix

Sujet: Divine Comedy
Dimensions: 281 cm × 225 cm (111 in × 89 in)
Année: 1850
Medium: Oil on canvas

Le tableau représente une scène de la Divine Comédie de Dante, qui raconte un voyage à travers l’enfer par Dante et son guide Virgile. Dans la scène, l’auteur et son guide regardent deux âmes damnées enlacées dans un combat éternel. L’une des âmes est un alchimiste et hérétique nommé Capocchio. Il est mordu au cou par le filou Gianni Schicchi, qui avait utilisé la fraude pour réclamer l’héritage d’un autre homme.

11. La Vierge aux rochers, 1483–1486 – Leonardo da Vinci

Année: 1483–1486
Type: Oil on panel (transferred to canvas)
Dimensions: 199 cm × 122 cm (78.3 in × 48.0 in)
Localisation: Louvre, Paris

La Vierge aux Rochers du Louvre est considérée par la plupart des historiens de l’art comme la plus ancienne des deux et date d’environ 1483-1486. La plupart des autorités s’accordent à dire que l’œuvre est entièrement de Léonard. Il mesure environ 8 cm (3 po) de plus que la version londonienne. Le premier enregistrement certain de cette image date de 1625, lorsqu’elle se trouvait dans la collection royale française. Il est généralement admis que ce tableau a été réalisé pour répondre à une commande de 1483 à Milan. On suppose que ce tableau a été vendu en privé par Leonardo et que la version londonienne a été peinte à une date ultérieure pour remplir la commande. Il existe un certain nombre d’autres théories pour expliquer l’existence de deux peintures. Cette peinture est considérée comme un exemple parfait de la technique “sfumato” de Léonard.

12. “Les batailles” de la rivière Granicus, 1669 – Charles Le Brun

Année: 1669
Type: Oil on canvas, 470 x 1265 cm
Localisation: Musée du Louvre, Paris

Cette vaste toile fait partie d’une série de quatre commandées par Louis XIV à Le Brun. Il s’agit d’un carton pour une tapisserie tissée à la manufacture des Gobelins à Paris. Le dernier affrontement entre les troupes d’Alexandre et celles du roi perse Darius eut lieu dans la plaine de Gaugamela, près d’Arbela (dans l’actuel Irak). Le Brun dépeint le moment où, les Macédoniens ayant pris le dessus, Darius s’apprête à fuir sur un cheval amené par un palefrenier.

13. La bataille entre l’amour et la chasteté, 1503 – Perugino

Localisation: Louvre Museum
Créée: 1503–1503
Medium: Oil Paint
Période: High Renaissance
Support: Canvas

Le tableau, sur un fond de collines légèrement escarpées, représente un combat entre les figures emblématiques de l’Amour et de la Chasteté. Le thème était similaire à d’autres commandés pour le studiolo. Parmi les nombreuses figures mythologiques figurent Minerve, Diane, Vénus, Anteros, des nymphes, des faunes et autres. En arrière-plan sont représentés plusieurs épisodes mythologiques montrant la victoire de la chasteté sur l’amour charnel, tels qu’Apollon et Daphné, Jupiter et Europe, Mercure et Glaucère, Polyphème et Galatée, Pluton et Proserpine, et Neptune avec la nymphe se transformant en corneille noire.

14. La Vierge, Sainte Anne et l’Enfant jouant avec un agneau, 1509 – Leonardo da Vinci

Année: c. 1501–1519
Medium: Oil on wood
Sujet: Virgin and Child with Saint Anne
Dimensions: 130 cm × 168,4 cm (51 in × 663 in)
Localisation: Louvre, Paris

La Vierge et l’Enfant avec sainte Anne est une peinture à l’huile inachevée de c. 1503 par l’artiste italien de la Renaissance Léonard de Vinci représentant Sainte Anne, sa fille la Vierge Marie et l’enfant Jésus. Le Christ est représenté aux prises avec un agneau sacrificiel symbolisant sa passion alors que la Vierge tente de le retenir.

15. Minerve expulsant les vices du jardin de la vertu, 1502 – Andrea Mantegna

Dimensions: 1.6 m x 1.92 m
Localisation: Louvre Museum
Créée: 1502
Medium: Tempera
Période: Renaissance
Sujet: Minerva

Le triomphe était le deuxième tableau peint par Mantegna pour le studiolo (cabinet) d’Isabelle d’Este, après le Parnasse de 1497. Il représente un marais entouré d’une haute clôture, gouverné par les vices, dépeint comme des figures hideuses et identifié par des rouleaux dans manière typiquement médiévale. L’oisiveté est chassée par Minerve, qui sauve aussi Diane, déesse de la chasteté, du viol d’un centaure, symbole de la concupiscence. À côté de Minerva se trouve un arbre aux traits humains. Haut dans le ciel se trouvent les trois principales vertus morales requises pour perfectionner les pouvoirs appétitifs : Justice, Tempérance et Force.

16. Le Concert Pastoral, 1509 – Titian

Localisation: Musée de Louvre, Paris, France
Dimensions: 105 x 136.5 cm
Créée: 1509–1509
Medium: Oil on Canvas
Périodes: Renaissance, High Renaissance, Italian Renaissance

Le grand tableau du Louvre intitulé le Concert pastoral (également la Symphonie pastorale et la Fête champêtre) est mystérieux à la fois dans sa signification et dans sa paternité, mais il a été l’un des tableaux les plus influents du musée, en particulier sur les peintres du XIXe siècle qui est venu à Paris pour le voir. Il a été attribué au plus grand des peintres vénitiens, Titien, ainsi qu’à l’un de ses professeurs à Venise, Giorgione (il a été attribué pour la première fois à Giorgione en 1671). Les chercheurs ont fait des allers-retours au fil des ans dans leurs opinions sur l’artiste qui a peint la scène, mais récemment, la marée a favorisé Titien comme la main responsable de l’œuvre à un stade assez précoce de sa carrière (Titien continuerait à peindre pendant plus de soixante ans). ans après la fin du concert pastoral). La toile elle-même n’a pas été nettoyée pendant de nombreuses années, et donc sur les photographies, elle apparaîtra comme ayant une teinte jaunâtre. Cependant, lorsque la peinture a été achevée au début du XVIe siècle, les couleurs étaient probablement beaucoup plus vibrantes et distinctes.

17. Le viol des Sabines, 1637–1638 – Nicolas Poussin

Dimensions: 1.59 m x 2.08 m
Localisation: Louvre Museum
Sujet: The Rape of the Sabine Women
Créée: 1637–1638
Medium: Oil Paint
Périodes: Baroque, Classicism

La deuxième version de Poussin, intitulée Le viol des Sabines, est essentiellement une recréation de son œuvre originale et a probablement été achevée vers 1637-1638. Le cadre architectural de cette œuvre est plus développé que dans l’original. Ce tableau réside actuellement au musée du Louvre à Paris. Selon le Louvre, peindre plusieurs versions d’un même sujet n’était pas rare tout au long de la carrière de Poussin.

18. Saint François d’Assise recevant des stigmates, 1295–1300 – Giotto di Bondone

Localisation: Louvre Museum
Sujet: Saint Francis of Assisi
Créée: 1295–1300
Medium: Tempera and gold on panel
Périodes: Renaissance, Italian Renaissance, Italian Renaissance painting

Saint François recevant les stigmates est une peinture sur panneau à la détrempe de l’artiste italien Giotto, peinte vers 1295-1300 pour l’église Saint-François de Pise et qui se trouve maintenant au musée du Louvre à Paris. Elle représente un épisode de la vie de saint François d’Assise et mesure 314 cm de haut (jusqu’au sommet du triangle) sur 162 cm de large. Il est signé OPUS IOCTI FLORENTINI (“Œuvre de Florentin Giotto”).

19. Le Tricheur à l’as de carreau, 1635 – Georges de La Tour

Dimensions: 1.06 m x 1.46 m
Localisation: Louvre, Paris
Créée: 1635–1635
Medium: Oil on canvas

Le Tricheur à l’as de carreau est une peinture à l’huile réalisée vers 1636-1638 par Georges de La Tour, elle est aujourd’hui au Louvre, qui l’a achetée en 1972. Bien que son commanditaire soit inconnu, elle est signée Georgius De La Tour fecit sous le coude du dièse et à l’ombre de la nappe.

L’œuvre représente un jeu de cartes dans lequel le jeune homme aisé de droite se fait voler son argent par les autres joueurs, qui semblent tous deux complices du stratagème. Le dièse de gauche est en fait en train de récupérer l’as de carreau dans son dos.

20. L’usurier et sa femme, 1514 – Quentin Matsys

Créée: 1514
Localisation: Louvre, Paris
Dimensions: 70.5 cm × 67 cm (27.8 in × 26 in)
Medium: Oil on panel

Un homme, qui pèse les bijoux et les pièces d’or sur la table devant lui, est assis à côté de sa femme qui lit un livre de dévotion avec une illustration de la Vierge à l’Enfant. Le couple n’est pas habillé comme des membres de la noblesse, mais plutôt comme des bourgeois aisés d’Anvers, où le tableau a été réalisé. A l’époque, Anvers avait grandi avec l’afflux de nombreux immigrés du sud fuyant l’Inquisition espagnole. Au sein de cette communauté internationale, il y avait une demande de changeurs et de prêteurs, car le commerce international augmentait dans la ville portuaire.