Les 10 œuvres les plus célèbres d’Henri Matisse

Henri Émile Benoît Matisse est un artiste français, connu à la fois pour son utilisation de la couleur et son dessin fluide et original. Il était dessinateur, graveur et sculpteur, mais est principalement connu comme peintre. Matisse est généralement considéré, avec Pablo Picasso, comme l’un des artistes qui ont le mieux contribué à définir les développements révolutionnaires des arts visuels au cours des premières décennies du XXe siècle, responsables de développements importants dans la peinture et la sculpture.

Sa maîtrise du langage expressif de la couleur et du dessin, exposé dans un corpus d’œuvres couvrant plus d’un demi-siècle, lui a valu d’être reconnu comme une figure de proue de l’art moderne.

niood répertorie les 10 œuvres les plus célèbres d’Henri Matisse :

1. La Danse (1910)

Matisse a créé Dance (I) comme étude pour une peinture commandée par l’homme d’affaires et mécène russe Sergei Shchukin. L’œuvre finale et sa peinture pendante, *Music( (tous deux achevés en 1910), sont conservés dans la collection du musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg. La danse (I) marque un moment dans la carrière de Matisse où il a adopté une approche réductrice de la peinture , recherchant les potentiels expressifs des éléments fondamentaux : ligne, couleur et forme.

Cette approche audacieuse a été influencée par la sophistication croissante de la technologie photographique. En 1909, l’artiste observait : « Le peintre n’a plus à se préoccuper des détails. La photographie est là pour rendre la multitude de détails cent fois mieux et plus rapidement. La forme plastique présentera l’émotion aussi directement que possible et par les moyens les plus simples. Sur cette toile monumentale, Matisse n’a utilisé que quatre couleurs naturalistes : le bleu pour le ciel, le vert pour le sol et le noir et le rose pâle pour rendre les cinq personnages. Bien qu’il ait apporté des ajustements à la composition, les lignes finales de Matisse transmettent une fluidité et un sens du mouvement dynamique remarquables dans leur application économique – dans la courbe rapide le long de la face avant de la figure de gauche, par exemple, et le long des bras tendus des danseurs comme ils se réunissent dans une expression de joie sans entrave.

2. The Joy of Life – Le bonheur de vivre (1906)

Au cours de ses années fauves, Matisse a souvent peint des paysages dans le sud de la France pendant l’été et a élaboré des idées développées là-bas dans de plus grandes compositions à son retour à Paris. Joy of Live, la deuxième de ses importantes compositions imaginaires, en est typique. Il a utilisé un paysage qu’il avait peint à Collioure pour fournir le cadre de l’idylle, mais il est également influencé par des idées tirées de Watteau, Poussin, des gravures sur bois japonaises, des miniatures persanes et des images orientalistes du XIXe siècle de harems. La scène est composée de motifs indépendants agencés pour former une composition complète. La peinture massive et ses couleurs choquantes ont reçu des critiques mitigées au Salon des Indépendants. Les critiques ont noté son nouveau style – de larges champs de couleurs et de figures linéaires, un rejet clair du célèbre pointillisme de Paul Signac.

3. The Red Studio (1911)

« Où j’ai obtenu la couleur rouge, je ne sais tout simplement pas », a fait remarquer Matisse. “Je trouve que toutes ces choses… ne deviennent ce qu’elles sont pour moi que lorsque je les vois ensemble avec la couleur rouge.” Cette peinture présente une petite rétrospective de la peinture, de la sculpture et de la céramique récentes de Matisse, exposées dans son atelier. Les œuvres d’art apparaissent en couleur et en détail, tandis que l’architecture et le mobilier de la pièce ne sont indiqués que par des lacunes négatives dans la surface rouge. L’axe central de la composition est une horloge grand-père sans aiguilles, comme si, dans l’oasis de l’atelier de l’artiste, le temps était suspendu.

4. Blue Nude (1907)

Les Nus bleus est une série de lithographies en couleurs d’Henri Matisse réalisées à partir de découpages représentant des figures nues dans diverses positions. Restreint par sa condition physique après sa chirurgie pour un cancer de l’estomac, Matisse a commencé à créer de l’art en découpant et en peignant des feuilles de papier à la main et a supervisé la création des lithographies jusqu’à sa mort en 1954.

Blue Nude IV, le premier des quatre nus, a pris un carnet d’études et deux semaines de travail de découpage et d’arrangement avant que l’artefact résultant ne le satisfasse. En fin de compte, Matisse est finalement arrivé à sa pose préférée, pour les quatre œuvres – entrelacer les jambes et un bras s’étirant derrière le cou. La posture de la femme nue est comme la posture d’un certain nombre de nus assis réalisés dans les premières années des années 1920, en fin de compte, la posture dérive des figures reposées du bonheur de vivre. Le deuxième de la série, Blue Nude II, a été achevé en 1952.

Malgré la planéité du papier, les découpes reflètent les sculptures antérieures de Matisse dans leur qualité tangible et en relief, en particulier la sensation de volume créée par le chevauchement des découpes. Blue Nude I, en particulier, peut être comparé à des sculptures comme La Serpentine, de 1909.

La couleur bleue signifiait la distance et le volume pour Matisse. Frustré dans ses tentatives de marier avec succès des tons dominants et contrastés, l’artiste a été amené à utiliser des dalles solides de couleur unie au début de sa carrière, une technique qui est devenue connue sous le nom de fauvisme. Les découpes peintes à la gouache qui composent les Nus bleus ont été inspirées de la collection de sculptures africaines de Matisse et de sa visite à Tahiti, en 1930. Il lui a fallu encore vingt ans et une période postopératoire d’incapacité, avant que Matisse ne synthétise ces influences africaines et polynésiennes. dans cette série phare.

5. Bathers by a River (1917)

Les baigneurs de 8 pieds sur 12 pieds au bord d’une rivière combinent une extrême abstraction avec des images figuratives lisibles. Au fil des ans, Matisse la transforme d’une scène de plage légère aux couleurs pastel à un Eden exotique, une icône gigantesque avec quatre demi-déesses féminines soulignées contre une rangée de larges panneaux verticaux plats, avec un sinistre – ou est-ce bénin ? – serpent blanc dressant la tête du bas de la toile. On sent quelque chose d’intensément symbolique, mais Matisse ne ressent pas le besoin d’expliquer l’iconographie.

6. Luxe, Calme et Volupte (1904)

Matisse a réalisé ce tableau dans le sud de la France, dans la ville de Saint-Tropez, lors de vacances en famille et entre amis. Il a créé les formes de la peinture – les figures humaines, l’arbre, le buisson, la mer et le ciel – à partir de taches de couleur appliquées avec des coups de pinceau rapides, fermes et répétés avec lesquels il a construit l’image. Matisse privilégiait les touches de couleur discrètes qui mettaient en valeur la surface peinte plutôt que la représentation naturaliste d’une scène. Il a également utilisé une palette de couleurs primaires pures et hautes pour rendre le paysage et a souligné les personnages en bleu. Le tableau tire son titre, qui signifie « Richesse, calme et plaisir », d’un vers du poète du XIXe siècle Charles Baudelaire, et il partage le sujet du poème : s’échapper dans un refuge imaginaire et tranquille.

Matisse, qui ne s’intéressait pas aux conflits et à la politique, a dit un jour : « Ce dont je rêve, c’est un art de l’équilibre, de la pureté et de la sérénité, sans sujet troublant ou déprimant. L’équilibre et la sérénité qu’il recherchait dans cette peinture de jeunesse resteraient cohérents dans son travail pour le reste de sa carrière.

7. The Open Window, Collioure (1905)

Fenêtre ouverte de Matisse, Collioure est une icône du modernisme primitif, oeuvre petite mais explosive, elle est célébrée comme l’une des premières peintures les plus importantes de l’école dite fauve, un groupe d’artistes, dont André Derain, Maurice de Vlaminck et Georges Braque, qui a émergé en 1904. Les peintures fauves sont se distingue par une palette saisissante de couleurs saturées et non mélangées et de larges coups de pinceau. L’effet est celui de la spontanéité, même si les œuvres révèlent une assimilation calculée des techniques du postimpressionnisme et du néo-impressionnisme. Open Window représente la création même de la nouvelle manière dans l’art de Matisse. Il a été peint à Collioure, une petite ville sur la côte méditerranéenne de la France où Matisse a voyagé avec Derain à l’été 1905.

8. Woman in a Purple Coat (1937)

Lydia Delectorskaya, modèle de Matisse pour Femme au manteau violet et infirmière dans ses dernières années, a fui la Russie en France pendant la révolution de 1917. Contrairement aux autres modèles de Matisse, elle avait de longs cheveux blonds, des yeux bleus et une peau claire. Matisse a dit qu’elle avait “le look d’une princesse de glace”.

Lorsque leurs chemins se sont croisés à Nice, en France, Matisse était un artiste bien connu. Il n’aurait jamais demandé à Lydia de poser nue, ce qu’elle appréciait. Au cours d’un bref conflit avec la femme de Matisse au cours duquel elle a accusé Matisse d’avoir une liaison avec Lydia, le mannequin a été licencié. Cependant, lorsque son Amélie le quitte peu après, Matisse réembauche Lydia comme assistante dans son atelier.

Le manteau violet vif avec le contour noir fait sortir la femme de la chaise longue. Cela donne également à la pièce un aspect tridimensionnel, comme si Lydia pouvait se lever et s’éloigner à tout moment. On dit qu’elle porte un costume marocain exotique, Lydia porte un manteau violet, un collier jaune tendance et des chaussures bleues pointues. Elle repose sur un somptueux oreiller ou une couverture jaune et sous son manteau, elle porte un chemisier blanc d’allure plus européenne et une jupe verte.

9. Woman with a Hat (1905)

Exposée pour la première fois au Salon d’automne de 1905 à Paris, Femmes au chapeau (Femme au chapeau) a été au centre de la controverse qui a conduit au baptême du premier mouvement d’art moderne du XXe siècle – le fauvisme. Le terme fauve (« bête sauvage »), forgé par un critique d’art, est devenu à jamais associé aux artistes qui exposaient leurs toiles aux couleurs vives dans la galerie centrale (surnommée la cage centrale) du Grand Palais.

Femme au chapeau a marqué un changement stylistique des coups de pinceau réglementés des travaux antérieurs de Matisse à un style individuel plus expressif. Son utilisation de couleurs non naturalistes et de pinceaux lâches, qui contribuaient à une qualité sommaire ou « inachevé », a semblé choquant les téléspectateurs de l’époque.

L’épouse de l’artiste, Amélie, a posé pour ce portrait en buste. Elle est représentée dans une tenue élaborée avec des attributs classiques de la bourgeoisie française : un bras ganté tenant un éventail et un chapeau élaboré perché au sommet de sa tête. Les teintes vibrantes de son costume sont cependant purement expressives; Interrogée sur la teinte de la robe que portait réellement Madame Matisse lorsqu’elle a posé pour le portrait, l’artiste aurait répondu : “Noir, bien sûr”.

10. Goldfish and Palette (1914)

Parmi les nombreux sujets de nature morte de Matisse, peu étaient plus productifs que celui du poisson rouge. Ils occupent une position dans son œuvre du début de l’adolescence analogue à celle de l’odalisque allongée des années vingt. Les corps langoureux et fluides de ces deux motifs provoquèrent cependant des résultats picturaux assez différents, compte tenu des étapes successives de son développement. Cette association iconographique est explicitée. Et au niveau de l’inconscient, ne peut-on pas voir dans ce thème – le contraste entre un monde aqueux et un monde atmosphérique – un développement marginal du motif de la Vénus Anadyomène qui est évident dans les deux versions du Luxe ?