Les 10 œuvres les plus célèbres de Yayoi Kusama

Yayoi Kusama (草間 彌生, Kusama Yayoi, né le 22 mars 1929) est un artiste japonais contemporain qui travaille principalement dans la sculpture et l’installation, mais est également actif dans la peinture, la performance, le cinéma, la mode, la poésie, la fiction et d’autres arts. Son travail est basé sur l’art conceptuel et montre certains attributs du féminisme, du minimalisme, du surréalisme, de l’art brut, du pop art et de l’expressionnisme abstrait, et est imprégné de contenu autobiographique, psychologique et sexuel. Elle a été reconnue comme l’une des artistes vivantes les plus importantes du Japon.

Embrassant la montée de la contre-culture hippie de la fin des années 1960, elle a attiré l’attention du public lorsqu’elle a organisé une série d’événements au cours desquels des participants nus ont été peints avec des pois aux couleurs vives. Depuis les années 1970, Kusama a continué à créer de l’art, notamment des installations dans divers musées du monde entier.

niood répertorie les 10 œuvres d’art les plus célèbres de Yayoi Kusama :

1. Dots Obsession, 2003

Dots Obsession se rapproche visuellement des hallucinations que Kusama aurait subies dans son enfance, dans lesquelles l’intégralité de son espace environnant était recouverte de motifs répétitifs. L’installation révèle également l’attention particulière de l’artiste à la construction de l’espace par la couleur et la forme, et au jeu de lumière et de perspective accompli en répétant quelques dispositifs simples – créant une expérience immersive à partir de peinture rouge, de points blancs, de ballons géants et stratégiquement placés miroirs.

À la fin des années 1960, les pois étaient devenus une stratégie de ce que l’artiste a décrit comme « l’auto-effacement ». Une caractéristique importante de ses « événements » et de ses performances de l’époque, et généralement enduits sur le corps des participants, ils ont symboliquement neutralisé l’ego, que Kusama a blâmé pour l’horreur et la destruction de la guerre américano-vietnamienne. Elle a exhorté à l’époque:

2. Pumpkin, 1990

Sa fascination pour les citrouilles remonte à son enfance. Cependant, la citrouille est apparue pour la première fois dans l’œuvre de Kusama en 1946 lorsqu’elle l’a exposée dans une exposition itinérante à Matsumoto, sa ville d’enfance. Cette première pièce a été peinte dans le style Nihonga de la peinture traditionnelle qui s’est développée au Japon vers le XIXe siècle. Après cette première pièce, Kusama n’a plus présenté de citrouilles dans ses œuvres jusqu’à ce qu’elle les réapparaisse dans les années 1970.

Connues au Japon sous le nom de Kabocha, les citrouilles sont des images positives pour Kusama car elles représentent un élément positif de son enfance troublée à Matsumoto. Jeune fille, Kusama passait des heures à dessiner des citrouilles. Pour elle, les citrouilles sont représentatives de la stabilité, du confort et de la modestie. Selon Kusama, elle préfère utiliser des citrouilles car non seulement elles sont attrayantes tant par leur couleur que par leur forme, mais elles sont également tendres au toucher. Par conséquent, on peut dire que l’inclusion de citrouilles dans son œuvre est due aux souvenirs d’enfance que le légume déclenche.

3. Flowers, 1983

Les fleurs qui fleurissent à minuit est une série de sculptures à grande échelle, chacune avec sa palette de couleurs distinctes et bruyantes. Les fleurs ont longtemps été une partie essentielle de l’œuvre de Kusama. Elle utilise leurs propriétés métaphoriques pour refléter nombre de ses préoccupations conceptuelles, ainsi que son mépris pour les dichotomies.

Les fleurs de Kusama symbolisent la vie et la mort, la masculinité et la féminité, la célébration et le deuil. Leur forme complexe – fragile, organique, trouvant l’unicité par la répétition – trouve une résonance tout au long de son travail.

Depuis qu’elle est enfant, Kusama côtoie les fleurs grâce à la pépinière familiale. Comme moyen de travailler instinctivement à travers ses premières expériences, les fleurs sont présentes dans beaucoup de ses premiers dessins et peintures. Dans l’une de ses premières photographies, elle pouvait être vue presque masquée par de gros chrysanthèmes.

4. Ascension of Polka Dots, 2006

Kusama, qui est célèbre pour ses œuvres d’art à grande échelle remplies de pois, a utilisé des cordons élastiques et des agrafes métalliques pour envelopper étroitement plusieurs arbres dans un tissu en polyester rouge recouvert de taches blanches.

5. Repetitive Vision, 1996

Yayoi Kusama éblouit le public du monde entier avec ses « Infinity Mirror Rooms » immersives et une esthétique qui embrasse la lumière, les pois et les citrouilles.

6. Butterfly, 1988

Butterfly de Yayoi Kusama représente un retour historique pour l’artiste à son style mature. Peint en 1982, la même année où elle exposerait de nouvelles grandes peintures et sculptures à la Fuji Television Gallery, Tokyo et reviendrait sur la scène des galeries européennes avec une exposition à la galerie Naviglio à Milan, Butterfly manifeste les motifs de marque de Kusama – le filet infini et les points oblitérants – dans une représentation immédiatement iconique de l’un de ses sujets principaux, le papillon.

Butterfly emballe de manière vibrante les points symboliques dans une tentative formelle de prédire et de mesurer l’infini de l’univers illimité. La peinture de Kusama présente ici une dichotomie intéressante entre les qualités visuelles apaisantes et fantaisistes de la composition et la volonté curieuse et obsessionnelle de l’artiste de contenir et de contraindre ses névroses. Notamment, le papillon – composé de ces points par excellence – n’est pas du tout contraint par le tissage apparemment illimité des filets qui émanent d’en dessous et de l’arrière. « Je ne suis pas concerné par le surréalisme, le pop art, l’art minimal ou quoi que ce soit d’autre. Je suis tellement absorbée par ma vie », et à cela, on pourrait ajouter la création de sa propre marque d’art idiosyncratique et emblématique. La répétition infinie des points et des filets représente une confrontation avec une obsession de l’espace, du temps et de la réalité de sa fin éventuelle, et Kusama a, dans Papillon, exécuté une composition magistrale qui mélange sa propre imagerie autobiographique figurative et abstraite avec le même charge psychique qui émane de son travail le plus fin et le plus réussi.

7. Accumulation No. 1, 1962

Pour faire de l’Accumulation n° 1, sa première sculpture, Kusama a recouvert un fauteuil de dizaines de protubérances rembourrées et peintes cousues à la main, qu’elle a appelées phallus. «Je les fabrique et les fabrique, puis je continue à les faire, jusqu’à ce que je m’enfouisse dans le processus. J’appelle cela l’effacement. Lorsqu’elle a exposé cette œuvre pour la première fois à New York, sa maison tout au long des années 1960, les critiques ont été, sans surprise, choquées par la transformation sexualisée d’un objet domestique ordinaire par une artiste féminine.

8. Infinity Nets, 1990

Yayoi Kusama a commencé à peindre « Infinity Nets », la série la plus longue de l’artiste, après avoir déménagé à New York en 1958. Pour Kusama, ces œuvres abstraites recouvertes de coups de pinceau répétés et incurvés sont une forme essentielle d’art-thérapie, inspirée en partie par son visions hallucinatoires. “Mes filets ont grandi au-delà de moi-même et des toiles que je couvrais avec eux”, a-t-elle expliqué un jour. « Ils ont commencé à couvrir les murs, le plafond et finalement tout l’univers. J’étais toujours au centre de l’obsession, au-dessus de l’accumulation et de la répétition passionnées à l’intérieur de moi. À la poursuite de cet abîme infini, Kusama a même peint ses « Infinity Nets » en sessions ininterrompues de 40 à 50 heures. En 2014, cette série influente a battu des records sur le marché de l’art. Son monochrome “Infinity Net” White No. 28 (1960) a été vendu aux enchères pour 7,1 millions de dollars, ce qui était à l’époque le prix le plus élevé jamais payé pour une œuvre d’une artiste féminine vivante.

9. Obliteration Room, 2002

La salle d’effacement (2002-présent) est une installation familiale et participative de l’une des artistes les plus populaires et les plus appréciées au monde, Yayoi Kusama (née en 1929 à Matsumoto, Japon).

À l’origine un intérieur d’un blanc immaculé, il vous encourage à transformer l’espace de notre Centre d’apprentissage créatif en le saturant d’un arc-en-ciel de points aux couleurs vives. Regardez comme, au fil du temps, un flou de couleur vertigineux se crée lorsque les visiteurs appliquent des autocollants aux couleurs vives de différentes tailles sur chaque surface.

Avec les caractéristiques familières d’une maison typique d’Aotearoa en Nouvelle-Zélande, La salle d’effacement à la galerie d’art d’Auckland encourage les visiteurs, en particulier les enfants, à découvrir et à s’engager avec l’œuvre avec peu ou pas invite.

10. No. F, 1959

Attirée par la liberté sociale et la scène artistique d’après-guerre foisonnante aux États-Unis, Kusama a quitté le Japon et s’est installée à New York en 1958. Peu de temps après, elle a commencé à produire sa série de peintures Infinity Nets, dont No. F., dans laquelle elle a joué. avec la notion de répétition infinie et d’espace infini. Combinant sa stratégie de développement de répétition en série avec une méthode de peinture allover, les œuvres effondrent la distinction entre la figure et le fond, donnant un poids égal aux coups de pinceau et aux trous qu’elles contiennent. Psychologiquement, le processus de fabrication de ces peintures était une forme de catharsis pour l’artiste, qui cherchait à effacer ses peurs et même elle-même par l’acte de répétition.