Les 10 œuvres les plus célèbres de René Magritte

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René François Ghislain Magritte (21 novembre 1898 – 15 août 1967) était un artiste surréaliste belge, qui est devenu bien connu pour avoir créé un certain nombre d’images spirituelles et stimulantes. Représentant souvent des objets ordinaires dans un contexte inhabituel, son travail est connu pour remettre en question les perceptions préconditionnées de la réalité des observateurs. Son imagerie a influencé le pop art, l’art minimaliste et l’art conceptuel.

Comme les autres artistes et poètes associés au mouvement surréaliste, Magritte a cherché à renverser ce qu’il considérait comme le rationalisme oppressif de la société bourgeoise. Son art durant ces années essentielles est parfois violent, souvent dérangeant et rempli de discontinuités.

niood répertorie les œuvres les plus célèbres de René Magritte :

1. The Treachery of Images

Titre français: La trahison des images
Année: 1928 – 1929

La peinture montre une image d’un tuyau. En dessous, Magritte a peint “Ceci n’est pas une pipe”.

La fameuse pipe. comme on me le reprochait ! Et pourtant, pourriez-vous bourrer ma pipe ? Non, c’est juste une représentation, n’est-ce pas ? Alors si j’avais écrit sur ma photo “C’est une pipe”, j’aurais menti !— René Magritte

2. The Son of Man

Titre français: Le fils de l’homme
Année: 1964

Magritte l’a peint comme un autoportrait. Le tableau se compose d’un homme en pardessus et chapeau melon debout devant un muret, au-delà duquel se trouvent la mer et un ciel nuageux. Le visage de l’homme est en grande partie masqué par une pomme verte en vol stationnaire. Cependant, les yeux de l’homme peuvent être vus furtivement par-dessus le bord de la pomme. Une autre caractéristique subtile est que le bras gauche de l’homme semble se plier vers l’arrière au niveau du coude.

À propos du tableau, Magritte a déclaré :

Au moins ça cache en partie bien le visage, donc tu as le visage apparent, la pomme, cachant le visible mais caché, le visage de la personne. C’est quelque chose qui arrive constamment. Tout ce que nous voyons cache autre chose, nous voulons toujours voir ce qui est caché par ce que nous voyons. Il y a un intérêt pour ce qui est caché et que le visible ne nous montre pas. Cet intérêt peut prendre la forme d’un sentiment assez intense, une sorte de conflit, pourrait-on dire, entre le visible qui est caché et le visible qui est présent.

3. Golconda

Titre français: Golconde
Année: 1953

La pièce dépeint une scène d'”hommes qui pleut”, presque identiques les uns aux autres vêtus de pardessus sombres et de chapeaux melon, qui semblent soit tomber comme des gouttes de pluie, flotter comme des ballons à l’hélium, soit simplement stationner dans les airs comme non. le mouvement ou le mouvement est implicite. La toile de fond présente des bâtiments aux toits rouges et un ciel partiellement nuageux principalement bleu, ce qui donne du crédit à la théorie selon laquelle les hommes ne pleuvront pas. Les hommes sont également espacés dans un treillis, faisant face au point de vue et reculant en couches de grille rhombique.

Magritte vivait dans un environnement de banlieue similaire et s’habillait de la même manière. Le chapeau melon était une caractéristique commune à une grande partie de son travail et apparaît dans des peintures telles que Le Fils de l’homme.

Une interprétation est que Magritte démontre la ligne entre l’individualité et l’association de groupe, et comment elle est floue. Tous ces hommes sont habillés de la même manière, ont les mêmes caractéristiques corporelles et sont tous flottants / tombants. Cela laisse à regarder les hommes comme un groupe. Alors que si l’on regarde chaque personne, on peut prédire qu’elles peuvent être complètement différentes d’une autre figure.

4. The Lovers

Titre français: Les Amants
Année: 1928

Les désirs frustrés sont un thème commun dans l’œuvre de René Magritte. Ici, une barrière de tissu empêche l’étreinte intime entre deux amants, transformant un acte de passion en un acte d’isolement et de frustration. Certains ont interprété ce travail comme une représentation de l’incapacité à dévoiler pleinement la vraie nature de nos compagnons les plus intimes.

Les visages enveloppés étaient un motif commun dans l’art de Magritte. L’artiste avait 14 ans lorsque sa mère s’est suicidée par noyade. Il a vu son corps repêché dans l’eau, sa chemise de nuit mouillée enroulée autour de son visage. Certains ont émis l’hypothèse que ce traumatisme a inspiré une série d’œuvres dans lesquelles Magritte a obscurci les visages de ses sujets. Magritte n’était pas d’accord avec de telles interprétations, niant toute relation entre ses peintures et la mort de sa mère. « Ma peinture, ce sont des images visibles qui ne cachent rien », écrit-il, « elles évoquent le mystère et, en effet, quand on voit un de mes tableaux, on se pose cette simple question : « Qu’est-ce que ça veut dire ? » Ça ne veut rien dire, parce que le mystère ne veut rien dire non plus, il est inconnaissable.

5. The Empire of Light

Titre français: L’Empire des lumières
Année: 1953 – 1954

Dans Empire of Light, dont il existe de nombreuses versions (voir, par exemple, celles du Museum of Modern Art, New York, et des Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles), une scène de rue sombre et nocturne s’oppose un ciel bleu pastel baigné de lumière parsemé de cumulus duveteux. Sans autre élément fantastique que l’unique combinaison paradoxale du jour et de la nuit, René Magritte bouleverse une prémisse organisatrice fondamentale de la vie. La lumière du soleil, d’ordinaire source de clarté, provoque ici la confusion et le malaise traditionnellement associés à l’obscurité. La luminosité du ciel devient troublante, rendant l’obscurité vide en dessous encore plus impénétrable qu’il n’y paraît dans un contexte normal. Le sujet bizarre est traité dans un style impersonnel et précis, typique de la peinture surréaliste vériste et préféré par Magritte depuis le milieu des années 1920.

6. The Human Condition

Titre français: La condition humaine
Année: 1933

The Human Condition affiche un chevalet placé à l’intérieur d’une pièce et devant une fenêtre. Le chevalet contient une peinture non encadrée d’un paysage qui semble dans ses moindres détails contigu au paysage vu à l’extérieur de la fenêtre. Au début, on suppose automatiquement que la peinture sur le chevalet représente la partie du paysage en dehors de la fenêtre qu’elle cache à la vue. Après un moment de réflexion, cependant, on se rend compte que cette hypothèse est basée sur une fausse prémisse : c’est-à-dire que l’imagerie de la peinture de Magritte est réelle, tandis que la peinture sur le chevalet est une représentation de cette réalité. En fait, il n’y a aucune différence entre eux. Les deux font partie de la même peinture, de la même fabrication artistique. C’est peut-être à ce cycle répétitif, dans lequel le spectateur, même contre son gré, voit l’un comme réel et l’autre comme représentation, que le titre de Magritte fait référence.

7. Not to be Reproduced

Titre français: La reproduction interdite
Année: 1937

L’œuvre représente un homme debout devant un miroir, mais alors que le livre sur la cheminée se reflète correctement, le reflet de l’homme le montre également de dos.

Le livre sur la cheminée est une copie usée de The Narrative of Arthur Gordon Pym of Nantucket d’Edgar Allan Poe (écrit ici en français sous le titre Les aventures d’Arthur Gordon Pym). Poe était l’un des auteurs préférés de Magritte et il a fait d’autres références à l’auteur et à son travail.

8. The False Mirror

Titre français: Le Faux Miroir
Année: 1928

L’œil était un sujet qui fascinait de nombreux poètes et artistes visuels surréalistes, étant donné sa position de seuil entre le moi intérieur et subjectif et le monde extérieur. Le photographe surréaliste Man Ray possédait autrefois The False Mirror, qu’il a décrit de manière mémorable comme une peinture qui “voit autant qu’elle-même est vue”. Son propos saisit le caractère troublant de l’œuvre : il place le spectateur sur place, pris entre regarder à travers et être regardé par un œil qui s’avère vide. Il s’ouvre sur un vide qui, malgré toute sa beauté radieuse et remplie de cumulus, semble nier la possibilité de l’existence humaine.

9. The Portrait

Titre français: Le Portrait
Année: 1935

Un repas simplement préparé n’est pas aussi simple qu’il y paraît. Chaque objet est rendu avec la même netteté et le même réalisme pictural, mais toute attente de la réalité quotidienne est renversée, surtout par l’œil sans ciller qui fixe inexplicablement une tranche de jambon sur une assiette. La perspective de cette nature morte s’incline dramatiquement vers la surface du plan de l’image, comme pour confronter ou peut-être inviter le spectateur à rejoindre la table.

10. The Lost Jockey

Titre français: Le jockey perdu
Année: 1926

Le jockey perdu fait partie des premières œuvres surréalistes de Magritte.

La présente gouache, comme d’autres des premières œuvres surréalistes de Magritte, révèle un intérêt pour les éléments théâtraux. Les rideaux encadrent un décor semblable à une scène qui met l’accent sur le mouvement linéaire du jockey à travers l’image. Cependant, la géométrie ondulante et mouvante du plan de masse, avec la couleur des lignes passant du noir au bleu au fur et à mesure qu’elles se déplacent vers le haut, donne à la fois une impression d’instabilité et de fragmentation. Déjà Magritte retirait les objets communs de leurs contextes habituels : « Les pieds de table en bois tourné perdaient l’existence innocente qui leur était habituellement attribuée dès qu’ils apparaissaient dominant une forêt » (La ligne de la vie ; cité dans S. Gablik, op. cit ., p.184).