Les 10 œuvres les plus célèbres de Joan Miró

Joan Miró i Ferrà était un peintre espagnol sculpteur et céramiste né à Barcelone.

Accueilli de renommée internationale, son travail a été interprété comme du surréalisme mais avec un style personnel, virant parfois aussi au fauvisme et à l’expressionnisme. Il était remarquable pour son intérêt pour l’inconscient ou le subconscient, reflété dans sa recréation de l’enfant. Ses œuvres difficiles à classer avaient aussi une manifestation de fierté catalane. Dans de nombreux entretiens à partir des années 1930, Miró a exprimé son mépris pour les méthodes de peinture conventionnelles comme moyen de soutenir la société bourgeoise et a déclaré un « assassinat de la peinture » en faveur du bouleversement des éléments visuels de la peinture établie.

niood répertorie les 10 œuvres d’art les plus célèbres de Joan Miro:

1. The Farm, 1922

Titre Catalan: La Granja

L’une des œuvres qui a le plus perplexe les gens était La Ferme, que Miró a réalisée en 1920-1 et qui a toujours considéré son premier chef-d’œuvre. Il se trouve aujourd’hui à la National Gallery of Art de Washington (qui est également le lieu final de cette exposition) en tant que cadeau de la veuve de l’écrivain américain Ernest Hemingway.

Alors que les amitiés de Miró parmi les surréalistes à Paris sont bien connues, il est peut-être un peu plus inattendu qu’il soit proche d’Hemingway et qu’il connaisse un échantillon des célèbres expatriés britanniques et américains. Il a boxé avec Hemingway et l’a obligé à rester à Mont-roig, l’endroit à l’extérieur de Tarragone représenté avec des détails étonnants dans La Ferme. Miró a déclaré à un journaliste en 1928 : « La ferme était un résumé de toute ma vie à la campagne. » Elle montre les dépendances de Mont-roig, avec des animaux domestiques, des cultures et du matériel. Le chien aboie à la lune d’une manière vue dans une peinture ultérieure. La grande réussite de Miró est de rendre ce détail succinct et absolument clair. Ce n’est pas une impression de cet endroit bien-aimé, mais quelque chose comme une version condensée.

2. The Harlequin’s Carnival, 1925

Titre espagnol: El Carnaval de Arlequín

Lorsque Miro s’installe dans l’atelier de Pau Gargallo, rue Blomet à Paris, il entre en contact avec des poètes et des artistes appartenant à un groupe né du dadaïsme. En 1924, il devient le groupe surréaliste centré sur le poète André Breton. Miro n’a jamais été un surréaliste orthodoxe. Cependant, le mouvement a légitimé l’utilisation des rêves et du subconscient comme matière première artistique. Elle lui offre ainsi la possibilité de libérer son propre style pictural en lui permettant de combiner librement les éléments terrestres et magiques vus dans sa période “détailiste”. Le Carnaval d’Arlequin est un bon exemple de ce changement. Le monde de l’imaginaire et du subconscient, plutôt que d’être une fin en soi, était pour Miro un moyen de donner forme dans ses peintures à ses expériences vécues et à ses souvenirs. Le Carnaval d’Harlequin est considéré par les critiques d’art comme un récit de l’inconscient humain. Il est considéré comme le point culminant du style surréaliste personnel de Miro. Avec Persistence of Memory de Salvador Dali, le Carnaval d’Arlequin est devenu l’image la plus emblématique du mouvement surréaliste.

3. The Hunter (Catalan Landscape), 1924

Titre Catalan: Paisatge català (El caçador)

Le chasseur (paysage catalan) de Joan Miró peut sembler abstrait, mais un examen plus attentif révèle un paysage peuplé d’un riche assortiment de figures humaines et animales et de formes naturelles qui, ensemble, constituent une iconographie de la vie de l’artiste. Le chasseur, debout sur le côté gauche de la composition, a un corps en forme de bâton et une tête triangulaire. Un tuyau dépasse juste à droite de sa moustache touffue et son cœur flotte près de sa poitrine. Dans une main, il tient un lapin fraîchement tué, dans l’autre, un pistolet fumant encore de la mise à mort. Cette figure de chasseur est un substitut de Miró, et elle apparaît dans plusieurs de ses autres œuvres.

4. Painting (Blue Star), 1927

Des formes linéaires délicates flottent sur le bleu ouvert que Miro associe aux rêves. Avec André Masson, Miro a été le premier à créer une imagerie utilisant des techniques automatiques dans lesquelles les formes semblaient émerger directement de l’inconscient. À partir de là, il a développé sa propre langue des signes personnelle, qui a simplifié des choses familières telles que les étoiles, les oiseaux et les parties du corps.

5. Bleu II, 1961

Titre français: Bleu II

Les trois tableaux grand format de Miro Blue I – III font partie d’une série de triptyques qu’il a peints au début des années 1960 dans son nouvel atelier à Majorque.

En 1961, après trois voyages aux États-Unis et des expositions à la Galerie Maeght à Paris et à la Pierre Matisse Gallery à New York, Miro a commencé à purifier davantage l’approfondissement de ses premières découvertes. Cette évolution avait été annoncée par Blue I, II, III. Elle reflète avant tout la confiance suprême que l’artiste avait acquise dans la composition et la coloration de ses tableaux. Le style est indubitable. Miro jouait avec des codes qui décrivent le mouvement des objets d’une manière unique et simple. Par exemple, une certaine trajectoire peut être représentée par une ligne, généralement fine, se terminant par un point ou par une paire de parenthèses. Ce dernier symbole était souvent utilisé par Miro comme une sorte de conteneur, pour empêcher l’énergie de s’échapper. Qui plus est, ils regardent dans deux directions différentes, se référant aux dernières images de Miro des années 50 – pleines de mouvements soudains et de symboles primitifs – tout en attendant avec impatience une toute nouvelle liberté artistique, une attitude spontanée envers la matière et couleurs, d’une manière inédite.

6. The Escape Ladder, 1939

Titre espagnol: Escalera de escape

Alors que les forces d’occupation allemandes menaçaient la France, Miró emmena sa famille vivre dans le havre relatif de Palma sur l’île de Majorque. C’est ici qu’il réalise sa série Constellations en 1940-1941. Miró avait parlé de la “nécessité profonde qui le fait participer aux bouleversements sociaux, qui l’attache lui et son travail au cœur et à la chair de son prochain et fait du besoin de libération en chacun de nous un besoin propre”.

Ces peintures all-over musicales ont des toiles de fond fumées texturées sur lesquelles des formes sont tirées du répertoire de formes symboliques de Miró dansant et se déplaçant. L’historien de l’art retrace la complexité de leur genèse et la façon dont ils sont liés aux expériences de guerre de Miró – dans The Escape Ladder, 1940, les oiseaux plongeant symbolisant les bombardiers sur l’Espagne et le désir de s’échapper.

7. Still Life with Old Shoe, 1937

Titre espagnol: Bodegón del zapato viejo

Miró a créé Still Life with Old Shoe à Paris au cours d’une période de concentration intense de quatre mois, travaillant à partir de la vie pour la première fois depuis de nombreuses années. La peinture évite la catégorisation simple. C’est à la fois une nature morte et un paysage : le bord arrière irrégulier du plateau peut être lu comme une ligne d’horizon. Les objets ne sont pas à l’échelle, et ils sont isolés dans des cellules discrètes, créant une rupture formelle qui rappelle le travail de collage de Miró. La couleur est acide, très saturée et dissonante. Pour Miró, cette peinture capturait une « réalité profonde et fascinante ».

8. May 68, 1973

Titre français: Mai 1968

Au printemps 1968, les étudiants des universités de Sorbonne et de Nanterre se sont révoltés dans des manifestations continues qui ont duré près d’un mois et demi. Cette révolte incita les ouvriers à la grève. Il était connu sous le nom de mai français et mai 68. Joan Miró a sympathisé avec le mouvement et a fait de cette œuvre, un mur où la vitalité et les imprimés sont parfaits pour ces événements.

9. The Tilled Field, 1924

Titre Catalan: Terra llaurada

Au cours de l’été 1923, Joan Miró a commencé à peindre Le champ labouré, une vue de la ferme de sa famille à Montroig, en Catalogne. Bien que thématiquement liée à ses premières vues rurales quasi-réalistes de couleur fauviste, telles que Prades, Le Village, cette peinture est le premier exemple de la vision surréaliste de Miró. Sa juxtaposition fantaisiste de formes humaines, animales et végétales et sa panoplie de créatures schématisées constituent un royaume visible uniquement à l’œil de l’esprit et révèlent le large éventail de l’imagination de Miró. En travaillant sur le tableau, il écrit : « J’ai réussi à m’évader dans l’absolu de la nature. The Tilled Field est donc une métaphore poétique qui exprime la conception idyllique de Miró de sa patrie, où, a-t-il dit, il ne pouvait « concevoir les méfaits de l’humanité ».

10. Portrait of Vincent Nubiola, 1917

Titre espagnol: Retrato de Vicenç Nubiola

C’est l’une des œuvres les plus connues de la première période de Miró, lorsqu’il expérimentait un mélange de cubisme et de fauvisme. À cette époque, il a réalisé plusieurs paysages et portraits, tels que le Portrait d’Enric Cristòfol Ricart également de 1917 et maintenant au Metropolitan Museum of Art de New York. Plusieurs auteurs commentent que cette œuvre pourrait être influencée par le style de Van Gogh pour qui Miró a toujours ressenti de l’admiration. Le portrait de Nubiola est signé Miró dans la marge inférieure gauche.

La peinture montre Nubiola assise sur une chaise à côté d’une table sur laquelle se trouvent des fruits, un porró (vase à vin catalan typique à boire directement sans verre) et une plante en pot. Le fond plat derrière la figure est décoré de triangles et d’arcs. Le rouge de la chemise à col ouvert de Nubiola indique son radicalisme politique ; Miró s’est peint portant une chemise identique dans un autoportrait ultérieur. Cette œuvre a ensuite été acquise par Picasso.