Les 10 œuvres les plus célèbres de Jean-Michel Basquiat

Basquiat s’est d’abord fait connaître en tant que membre de SAMO, un duo de graffeurs qui a écrit des épigrammes énigmatiques dans le foyer culturel du Lower East Side de Manhattan à la fin des années 70, où  punk et street art ont fusionné avec la culture antérieure de la musique hip-hop. Au début des années 1980, ses peintures étaient exposées dans des galeries et des musées du monde entier. À 21 ans, Basquiat est devenu le plus jeune artiste à participer à la documenta à Kassel. À 22 ans, il est le plus jeune à exposer à la Whitney Biennial à New York.

L’art de Basquiat s’est concentré sur les dichotomies telles que la richesse contre la pauvreté, l’intégration contre la ségrégation et l’expérience intérieure contre l’expérience extérieure. Il s’approprie la poésie, le dessin et la peinture, et marie texte et image, abstraction, figuration et information historique mêlée à la critique contemporaine. Il a utilisé le commentaire social dans ses peintures comme un outil d’introspection et d’identification avec ses expériences dans la communauté noire de son temps, ainsi que des attaques contre les structures de pouvoir et les systèmes de racisme. Sa poétique visuelle était intensément politique et directe dans sa critique du colonialisme et son soutien à la lutte des classes.

Depuis la mort de Basquiat à l’âge de 27 ans d’une overdose d’héroïne en 1988, son travail n’a cessé de prendre de la valeur.

niood répertorie les 10 œuvres les plus célèbres de Jean-Michel Basquiat :

1. Untitled Skull, 1981

De nombreux tableaux de Jean-Michel Basquiat sont en quelque sorte autobiographiques, et Sans titre peut être considéré comme une forme d’autoportrait. Le crâne existe ici quelque part entre la vie et la mort. Les yeux sont apathiques, le visage est enfoncé et la tête semble lobotomisée et soumise. Pourtant, il y a des couleurs sauvages et des marques vives qui suggèrent un excès d’activité interne. Développant sa propre iconographie personnelle, dans cette première œuvre, Basquiat fait à la fois allusion à l’appropriation moderniste des masques africains et utilise le masque comme moyen d’explorer l’identité. Basquiat a travaillé sur cette peinture pendant des mois – évident dans la surface travaillée et l’imagerie – tandis que la plupart de ses pièces ont été achevées avec des explosions d’énergie en quelques jours seulement. L’intensité de la peinture, qui a été présentée lors de sa première exposition en galerie solo à New York, peut également représenter les angoisses de Basquiat concernant les pressions pour devenir un artiste à succès commercial.

2. Untitled Skull, 1982

Sans titre a été exécuté par Jean-Michel Basquiat en 1982, ce qui est considéré comme son année la plus précieuse. La majorité des peintures de Basquiat les plus vendues aux enchères datent de 1982. Sans titre représente un crâne composé de coups de pinceau noirs avec des ruisseaux rouges, jaunes et blancs sur un fond bleu. Il s’est vendu à l’origine pour 4 000 $ en 1982. Il appartenait à la Annina Nosei Gallery à New York, avant d’être vendu à Phoebe Chason, qui l’a vendu à Alexander F. Milliken en 1982. Il n’avait pas été montré en public depuis sa vente aux enchères chez Christie’s en 1984 à Jerry et Emily Spiegel pour 20 900 $.

3. Dusthead, 1982

La pièce montre deux personnages en forme de bâton sur un fond noir, quelques lignes suggèrent un trottoir possible. Un personnage domine le tableau, peint en rouge vif, agitant ses mains et ses bras au-dessus de sa tête.

Les yeux du personnage sont comme des soucoupes et remplis de cercles concentriques qui donnent l’impression que les yeux tournent. Il semble sourire. La deuxième figure semble moins animée, mais ses yeux sont également agrandis avec les cercles concentriques. Les deux visages apparaissent comme un masque.

L’utilisation de couleurs vives, de coups de pinceau audacieux et de lignes déroutantes donne à la peinture une impression de chaos, d’urgence et de mouvement. Selon un collègue artiste et ami proche de Basquiat, “Toxic”, Basquiat a peint des situations, des conversations et des choses qui se déroulaient autour de lui.

4. Irony of a Negro Policeman, 1981

L’ironie du policier noir de Basquiat est une critique acerbe des membres de sa propre race. En mettant en scène un policier noir, il fait un effort conscient pour montrer comment les Afro-Américains sont contrôlés par la majorité blanche en Amérique. Basquiat a trouvé tout à fait ironique que n’importe quel Afro-Américain soit un policier, travaillant pour faire respecter des règles destinées à se réduire en esclavage. La figure dans les peintures est une masse noire totalitaire, avec un visage en forme de masque et un chapeau ressemblant à une cage. À droite du tableau se trouvent les mots « Ironie du policier noir » et en bas à droite du tableau, le mot « Pion », énonçant clairement l’opinion de Basquiat sur la position ridicule d’un policier noir.

5. Untitled (Boxer), 1982

Boxer est une peinture qui représente un boxeur énorme et imposant. L’énorme corps noir du boxeur remplit la page et ses mains se lèvent en signe de victoire. C’est une œuvre d’art qui dépeint clairement le triomphe de la force physique.

Les formes abstraites et géométriques sur le corps du boxeur et (en particulier) sur son visage, lui donnent également un air quelque peu inhumain. A-t-il, en cultivant la force et la capacité de se battre, perdu quelque chose de son humanité ?

Basquiat a choisi les muscles du boxeur dans des traits blancs éblouissants, et les lignes audacieuses et le sens vif de l’énergie dans cette œuvre d’art sont typiques du style néo-expressionniste de Basquiat.

6. Hollywood Africans, 1983

Hollywood Africans fait partie d’une série de peintures de Jean-Michel Basquiat qui présentent des images et des textes relatifs aux stéréotypes des Afro-Américains dans l’industrie du divertissement. Elle a été peinte alors que Basquiat était en visite prolongée à Los Angeles, Californie, en 1983. Plusieurs des notations de l’œuvre sont autobiographiques : le trio de personnages sur la droite représente l’artiste avec le musicien de rap Rammellzee et le peintre Toxic, qui avait voyagé avec lui de New York, et il inclut les chiffres de sa date de naissance : 12, 22 et 60. D’autres notations sont historiques : des phrases telles que « Canne à sucre », « Tabac », « Gangstérisme » et « Qu’est-ce que Bwana ? ” faire allusion aux rôles limités disponibles pour les acteurs noirs dans les vieux films hollywoodiens. La notion d’exclusion ou d’excision est réitérée à la manière dont Basquiat biffait souvent des mots ou des phrases dans ses œuvres. La technique, a-t-il expliqué, était en fait destinée à attirer l’attention sur eux : « Je raye les mots pour que vous les voyiez davantage ; le fait qu’elles soient obscurcies donne envie de les lire.

7. In Italian, 1983

Réalisé en 1983, In Italian a utilisé une collection de symboles que Jean-Michel aimait utiliser dans plusieurs de ses œuvres. Cependant, la genèse du mot En italien n’est pas dessinée dans ce tableau. Jean-Michel n’a utilisé qu’un seul mot italien ‘Sangue’ qui signifie sang. Cependant, il a fermé le mot italien « Sangue » et l’a remplacé par un mot latin « Sangre ».

Par conséquent, le mot «couronne d’épines» est une autre référence standard qui apparaît dans plusieurs ouvrages de Jean-Michel. Pour exprimer un incident, qu’il a rencontré durant son enfance, Jean-Michel utilise le mot corpus et un diagramme cardiaque avec du sang. En arrière-plan, Jean-Michel utilise plusieurs grandes taches de rose, de vert menthe et de bleu. Il a démontré la peinture comme des couches de vieilles couleurs qui se décollent du mur d’un bâtiment. En conséquence, la combinaison de ces couleurs a donné à In Italian une œuvre épique et fascinante. Jean-Michel utilise une combinaison de divers thèmes lorsqu’il travaille sur En italien. Ces thèmes sont la religion, les relations et la culture. Même sans formation formelle, Jean-Michel a démontré sa proximité avec la culture caribéenne et afro-américaine. Il a ensuite utilisé des couleurs vives pour positionner sa peinture en fonction d’un contexte urbain.

8. Win $ 1’000’000, 1984

«C’était comme un mariage fou dans le monde de l’art et ils formaient un couple étrange. La relation était symbiotique. Jean-Michel pensait qu’il avait besoin de la renommée d’Andy, et Andy pensait qu’il avait besoin du sang neuf de Jean-Michel. Jean-Michel a redonné à Andy une image rebelle.
– Ronnie Cutrone, assistant de studio de longue date de Warhol

Basquiat était profondément engagé dans la scène culturelle new-yorkaise des années 1980 et a participé à de nombreux projets de collaboration avec des musiciens, des cinéastes et des artistes. Andy Warhol était un vétéran du monde de l’art et l’un des artistes préférés de Basquiat. À une époque où la gloire et la fortune avaient rendu les amitiés difficiles et l’isolement une réalité, Basquiat trouva en Warhol un conseiller de confiance, confident et égal. À son tour, Warhol a été inspiré par l’immense énergie et la créativité exubérante de Basquiat.

En 1984 et 1985, les deux ont collaboré sur une série d’œuvres qui combinent leurs styles distinctifs en sérigraphie et en peinture. Ce partenariat de titans de l’art était aussi prolifique qu’innovant : leurs collaborations représentent un dixième de l’ensemble de l’œuvre de Basquiat.

9. Dos Cabezas, 1982

Le Dos Cabezas (espagnol pour deux têtes) est une pièce d’acrylique et de bâton à l’huile créée sur toile et montée sur des supports en bois, mettant en vedette Basquiat et Andy Warhol. Dans les premières années des années 1980, lorsque Basquiat a rencontré son idole de longue date, un artiste pop américain, Andy Warhol, Basquiat était un artiste en devenir. Le 4 octobre 1982, après une rencontre au cours d’un déjeuner entre les deux artistes spectaculaires organisée par le collectionneur d’art Bruno Bischofberger, il est dessiné à la hâte. Basquiat était tellement fasciné qu’il a couru chez lui après leur rencontre, a créé le tableau et l’a envoyé en cadeau à Warhol. Basquiat a expédié la toile mouillée à Warhol dans les deux heures suivant leur rencontre. Ce portrait d’eux deux a été le début d’une relation légendaire.

10. Riding With Death, 1988 (his last work)

Riding with Death est l’une des dernières peintures de Basquiat, achevée avant sa mort en 1988. Dans une composition relativement clairsemée et simple par rapport aux explosions frénétiques et colorées pour lesquelles il est le plus connu, il a représenté une figure afro-américaine chevauchant un squelette blanc sur un fond beige texturé. Comme pour toutes les œuvres de Basquiat, cette composition relativement simple est recouverte de symbolisme et de références à la culture, à l’histoire et à la société. 

Sur un fond plat et marron, Basquiat a peint un personnage masculin à la peau foncée, assis au sommet d’un squelette à quatre pattes. La tête du squelette est tournée vers le spectateur et ses yeux vides et barrés semblent nous traverser de plein fouet. La figure du dessus semble se décomposer, en partie contour, en partie bâton, en mouvement agité.

Cette image troublante est pleine de courants raciaux, de références sociales et de sarcasmes. La composition elle-même serait inspirée d’un dessin de Léonard de Vinci intitulé Illustration de ses réflexions sur la vertu et l’envie  dans lequel il représentait une femme nue assise sur un squelette à quatre pattes. Le style de Basquiat a souvent été décrit comme « primitif » et « naïf » par les critiques et il semble ici jouer avec le stéréotype en créant une image qui ressemble plus à des peintures rupestres ou à l’art tribal africain qu’à la définition occidentale de la peinture figurative. Ce faisant, il remplit ce tableau de références nuancées à la race, au racisme et à la société, ouvrant un dialogue entre l’historique et le contemporain.