Les 10 œuvres d’art les plus controversées qui ont changé l’histoire

niood répertorie les 10 œuvres d’art les plus controversées qui ont changé l’histoire de l’art :

1. Damien Hirst, For the Love of God, 2007

For the Love of God 2007 est un moulage en platine grandeur nature d’un crâne humain du XVIIIe siècle, recouvert de 8 601 diamants sans défaut, incrusté des dents du crâne d’origine. À l’avant du crâne se trouve un diamant rose de 52,4 carats. Depuis sa première exposition en 2007, For the Love of God est devenue l’une des œuvres d’art contemporain les plus reconnues. Il représente l’intérêt continu de l’artiste pour la mortalité et les notions de valeur.

Cette œuvre d’art était très controversée et a suscité de nombreuses polémiques, en raison de son coût énorme et de l’utilisation d’une partie du corps humain.

2. Pablo Picasso, Guernica, 1937

Picasso a peint Guernica chez lui à Paris en réponse au bombardement du 26 avril 1937 de Guernica, une ville du pays basque dans le nord de l’Espagne qui a été bombardée par l’Allemagne nazie et l’Italie fasciste à la demande des nationalistes espagnols. Une fois terminé, Guernica a été exposé à l’exposition espagnole à l’Exposition internationale de Paris de 1937, puis dans d’autres lieux à travers le monde. L’exposition itinérante a été utilisée pour collecter des fonds pour les secours de guerre espagnols. La peinture est rapidement devenue célèbre et largement acclamée, et elle a contribué à attirer l’attention du monde entier sur la guerre civile espagnole.

Dès 1968, Franco avait exprimé son intérêt à ce que Guernica vienne en Espagne. Cependant, Picasso a refusé de permettre cela jusqu’à ce que le peuple espagnol jouisse à nouveau d’une république. Il a ajouté plus tard d’autres conditions, telles que la restauration des « libertés publiques et des institutions démocratiques ».

3. Marcel Duchamp – Fountain, 1917

En expliquant le but de sa sculpture Readymade, Duchamp a déclaré qu’ils sont “des objets de tous les jours élevés à la dignité d’une œuvre d’art par l’acte de choix de l’artiste”. Dans la présentation de Duchamp, l’orientation de l’urinoir a été modifiée par rapport à son positionnement habituel. L’œuvre est considérée par les historiens de l’art et les théoriciens de l’avant-garde comme un jalon majeur de l’art du XXe siècle.

Pour comprendre comment Duchamp a réussi à déjouer le monde de l’art, il faut revenir au moment où la sculpture calomnieuse est arrivée pour examen à la Société des artistes indépendants récemment formée à New York au printemps 1917, avant une exposition qui doit ouvrir le 10 Avril. En tant que membre fondateur de l’association, Duchamp avait contribué à concevoir et à articuler l’idéologie d’avant-garde de l’organisation, y compris son engagement à ne jamais rejeter une œuvre soumise par l’un de ses membres. Pour tester la sincérité et la robustesse de ces principes, Duchamp est entré dans l’urinoir sous une identité artistique assumée – « R Mutt » – sachant très bien que la pièce provocatrice laisserait ses collègues acteurs de la société se démener pour leur prochain mouvement.

Duchamp a ensuite regardé avec déception, voire surprise, lorsque la question de l’exposition ou non de l’œuvre a été mise aux voix, en violation hypocrite, croyait-il, de l’ouverture d’esprit largement médiatisée de la société. Lorsque Fountain a été rejeté par ses confrères pour des raisons de crudité esthétique, Duchamp a soudainement pris conscience. Laissé sans autre mouvement possible, il a démissionné.

4. Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962

Lors de sa première exposition, l’utilisation de techniques d’impression par l’artiste, son choix de style et le sujet commercial de l’œuvre l’ont placé au centre des discussions concernant l’éthique et sa validité en tant qu’œuvre d’art, car sa représentation de produits commerciaux mondains était un affront direct à l’expressionnisme abstrait. Ces controverses ont contribué à promouvoir Andy Warhol, le transformant ainsi en l’artiste pop le plus connu au monde.

5. Andres Serrano, Piss Christ, 1987

Immersion (Piss Christ) est une photographie de 1987 de l’artiste et photographe américain Andres Serrano. Il représente un petit crucifix en plastique immergé dans un petit réservoir en verre d’urine de l’artiste.

L’œuvre a suscité une grande controverse sur la base d’affirmations selon lesquelles elle était blasphématoire. Serrano lui-même a déclaré à propos de la controverse : « Je n’avais aucune idée que Piss Christ attirerait l’attention, car je n’entendais ni blasphème ni offense. J’ai été catholique toute ma vie, donc je suis un disciple du Christ. »

6. Guerilla Girls, Do Women have to be naked to get into the Met. Museum?, 1989

Depuis leur création en 1984, les Guerrilla Girls s’efforcent de dénoncer la discrimination sexuelle et raciale dans le monde de l’art, en particulier à New York, et dans l’arène culturelle au sens large. Les membres du groupe protègent leur identité en portant des masques de gorille en public et en utilisant des pseudonymes empruntés à des figures féminines célèbres décédées comme l’écrivain Gertrude Stein (1874-1946) et l’artiste Frida Kahlo (1907-54).

Se faisant appeler la « conscience du monde de l’art », en 1985, les Guerrilla Girls ont lancé une campagne d’affichage ciblant les musées, les marchands, les conservateurs, les critiques et les artistes qu’ils estimaient être activement responsables ou complices de l’exclusion des femmes et des non- artistes blancs d’expositions et de publications grand public.

7. Ai Weiwei, Dropping a Han Dynasty Urn, 1995

Artiste, penseur et militant Ai Weiwei est né à Pékin en 1957 et a grandi dans des conditions difficiles. Son père, le poète Ai Qing, a été persécuté par le gouvernement communiste chinois et exilé dans une province de l’extrême ouest. Il a ensuite été salué comme un grand poète national après la mort de Mao Zedong en 1976. En 1981, Ai a déménagé à New York, où il a étudié les arts visuels et a commencé à travailler comme artiste. Il a également développé une profonde appréciation des « readymades » de Marcel Duchamp – des objets d’usage quotidien élevés au rang d’art – et leur critique implicite des systèmes de valeurs culturelles. En 1993, après avoir appris que son père était malade, il est retourné en Chine.

L’une des pièces les plus célèbres d’Ai, Dropping a Han Dynasty Urn (1995), incorpore ce qu’Ai a appelé un « ready-made culturel ». L’œuvre capture Ai alors qu’il laisse tomber une urne de cérémonie vieille de 2 000 ans, lui permettant de s’écraser sur le sol à ses pieds. Non seulement cet artefact avait une valeur considérable, mais il avait également une valeur symbolique et culturelle. La dynastie Han (206 BCE-220 CE) est considérée comme une période déterminante dans l’histoire de la civilisation chinoise, et briser délibérément une forme emblématique de cette époque équivaut à jeter tout un héritage de signification culturelle sur la Chine.[2] Avec ce travail, Ai a commencé son utilisation continue d’objets prêts à l’emploi antiques, démontrant son attitude interrogative envers comment et par qui les valeurs culturelles sont créées.

Certains ont été indignés par ce travail, le qualifiant d’acte de profanation. Ai a répliqué en disant: “Le président Mao nous disait que nous ne pouvons construire un nouveau monde que si nous détruisons l’ancien.” Cette déclaration fait référence à la destruction généralisée des antiquités pendant la révolution culturelle chinoise (1966-1976) et à l’instruction selon laquelle, pour construire une nouvelle société, il faut détruire les si jiu (Quatre vieux) : vieilles coutumes, habitudes, culture et idées. En laissant tomber l’urne, Ai abandonne les structures sociales et culturelles qui donnent de la valeur.

8. Tracy Emin, My Bed, 1998

My Bed est une œuvre de l’artiste anglaise Tracey Emin.

L’idée de My Bed a été inspirée par une phase sexuelle mais dépressive de la vie de l’artiste lorsqu’elle était restée au lit pendant quatre jours sans manger ni boire autre chose que de l’alcool. Quand elle regarda le désordre ignoble et repoussant qui s’était accumulé dans sa chambre, elle réalisa soudain ce qu’elle avait créé. Emin a ardemment défendu My Bed contre les critiques qui l’ont traité comme une farce et ont affirmé que n’importe qui pouvait exhiber un lit défait. À ces affirmations, l’artiste a rétorqué : “Eh bien, ils ne l’ont pas fait, n’est-ce pas ? Personne n’avait jamais fait ça auparavant.”

9. Jackson Pollock, Blue Poles or Number 11, 1952

Blue Poles, également connu sous le nom de Number 11, 1952 est une peinture expressionniste abstraite de l’artiste américain Jackson Pollock. Il a été acheté au milieu de la controverse par la National Gallery of Australia en 1973 et reste aujourd’hui l’une des principales peintures de la galerie.

L’acquisition de Blue Poles, cependant, a déclenché une controverse majeure en Australie alors que les gens protestaient contre le prix élevé payé pour cela – en fait, c’était le prix le plus élevé jamais payé pour une peinture américaine à cette époque. Les contribuables se sont plaints que c’était un gaspillage de leur argent, et à quelques exceptions près, les réponses envers la peinture, la National Gallery et le gouvernement ont été négatives. Des titres comme Un goberge vendu pour 2 millions de dollars, un record pour la peinture américaine et Payeriez-vous 1,3 million de dollars. pour ça? dominaient les journaux et les magazines.

10. Édouard Manet, Le Déjeuner sur l’Herbe, 1863

Cette composition étonnante a introduit une approche picturale entièrement nouvelle, car elle englobait les genres du portrait, du paysage et de la nature morte dans un seul tableau. À savoir, il présente un nu féminin sur un pique-nique avec deux hommes entièrement habillés dans un cadre rural et un baigneur en arrière-plan. Manet a produit cette œuvre controversée entre 1862 et 1863 et a été rejetée par le célèbre jury du Salon de Paris, l’artiste l’a donc exposée au Salon des Refusés.

La peinture a provoqué un choc après sa première exposition et a été considérée comme indécente et vulgaire, bien que l’écrivain et critique contemporain et établi de Manet, Émile Zola, ait défendu l’œuvre.