Les 10 œuvres d’art les plus célèbres d’Edvard Munch

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Edvard Munch (12 décembre 1863 – 23 janvier 1944) était un peintre norvégien. Son enfance a été éclipsée par la maladie, le deuil et la peur d’hériter d’un état mental qui courait dans la famille.

Edvard Munch était un artiste prolifique mais perpétuellement troublé, préoccupé par des questions de mortalité humaine telles que les maladies chroniques, la libération sexuelle et les aspirations religieuses. Il a exprimé ces obsessions à travers des œuvres aux couleurs intenses, à la semi-abstraction et aux sujets mystérieux.

Après le grand triomphe de l’impressionnisme français, Munch a repris la sensibilité plus graphique et symboliste de l’influent Paul Gauguin, et est à son tour devenu l’un des artistes les plus controversés et finalement renommés parmi une nouvelle génération de peintres continentaux expressionnistes et symbolistes.

niood répertorie les 10 œuvres les plus célèbres d’Edvard Munch :

1. Le Cri, 1893

Le visage agonisant dans la peinture est devenu l’une des images les plus emblématiques de l’art, considérée comme symbolisant l’anxiété de la condition humaine.

Munch a rappelé qu’il était sorti pour une promenade au coucher du soleil quand soudain la lumière du soleil couchant a rendu les nuages ​​”rouge sang”. Il a senti un “cri infini traverser la nature”. Les chercheurs ont localisé l’endroit dans un fjord surplombant Oslo et ont suggéré d’autres explications pour le ciel anormalement orange, allant des effets d’une éruption volcanique à une réaction psychologique de Munch à l’engagement de sa sœur dans un asile d’aliénés voisin.

2. Vampire (ou Love and Pain), 1893

La peinture représente un homme et une femme enlacés, la femme semblant embrasser ou mordre l’homme au cou.

Munch a soutenu que ce n’était rien de plus qu’une femme embrassant un homme dans le cou. Les nazis l’ont déclaré moralement « dégénéré ». Dans le tableau, on voit un homme angoissé, dans les bras de son amour, tandis qu’elle essaie de le réconforter. Peut-être qu’elle pose même son visage sur son épaule. Certains pensaient qu’il s’agissait de ses visites aux prostituées, mais d’autres y voyaient une sorte de fantasme macabre sur la mort de sa sœur préférée. De toute évidence, Munch est resté ambigu sur le sens profond derrière cela.

3. L’angoisse, 1894

“Le bois est quelque chose de vivant”, a déclaré Munch, et il a vu le matériau comme une source d’énergies primitives à libérer par la sculpture. Il a représenté cette scène à la fois dans une peinture à l’huile et une lithographie avant de finalement faire cette gravure sur bois.

De nombreux critiques d’art estiment que l’anxiété est étroitement liée à l’œuvre plus célèbre de Munch, The Scream (1893). Les visages montrent le désespoir et les couleurs sombres montrent un état dépressif. De nombreux critiques pensent également qu’il est destiné à montrer les émotions de chagrin et de chagrin.

4. Puberté, 1894

Une jeune fille nue aux cheveux dénoués est assise au bord d’un lit, cachant son entrejambe avec ses bras. Elle nous regarde avec des yeux grands ouverts. La composition est simple, le corps représenté de face étant vertical, contrastant avec les lignes horizontales du lit. La lumière entre par la gauche et derrière elle, une ombre sombre et menaçante est visible. Le motif est souvent considéré comme un symbole d’anxiété et de peur, de l’éveil de la sexualité d’une jeune fille et des changements qu’une jeune expérimente physiquement et psychologiquement sur le chemin de l’âge adulte.

La puberté a été une étincelle vers la progression de son parcours émotionnel personnel dans la façon dont il a représenté ses sentiments dans son œuvre.

5. Madonna, 1895–1902

Madonna est le titre habituel donné à plusieurs versions d’une composition du peintre expressionniste norvégien Edvard Munch montrant une figure féminine mi-longue aux seins nus créée entre 1892 et 1895 à l’aide de peinture à l’huile sur toile.

Bien qu’il s’agisse d’une représentation très inhabituelle, ce tableau pourrait être de la Vierge Marie. Que la peinture soit spécifiquement conçue comme une représentation de Marie est contestée. Munch a utilisé plus d’un titre, dont Loving Woman et Madonna. Munch n’est pas célèbre pour ses œuvres d’art religieuses et n’était pas connu comme chrétien. L’affinité avec Marie pourrait tout aussi bien être conçue comme une insistance sur la beauté et la perfection de son amie Dagny Juel-Przybyszewska, le modèle de l’œuvre et une expression de son adoration envers elle en tant qu’idéal de féminité.

6. Le Baiser, 1897

Munch a créé de nombreuses œuvres dans une veine thématique, dont The Kiss, et les a exposées côte à côte dans ce qu’il a appelé The Freize of Life. Les thèmes de la série allaient de l’amour et la mort, le sexe, l’anxiété, l’infidélité, la jalousie et les étapes de la vie, et comprenaient le célèbre tableau Le Cri.

Munch ne s’est jamais marié. L’ambiance sombre de The Kiss est représentative de l’ambivalence de Munch concernant la romance. Il est pratiquement impossible de séparer les deux personnages, en particulier là où leurs visages se rencontrent et ne font plus qu’un dans le tableau.

7. Les solitaires, 1899

Deux personnages tournant le dos au spectateur – une femme et un homme – dominent la composition. La distance entre eux, le contraste entre sa silhouette sombre et sa silhouette claire et la torsion subtile du torse de l’homme vers la femme expriment à la fois l’attirance et la distance. Le rivage sur lequel ils se tiennent et l’eau à laquelle ils font face soulignent l’ambiance de nostalgie et de solitude à la fois thématiquement et visuellement.

8. Jeunes Filles sur un pont, 1899

Trois filles se tiennent sur un pont, dos au spectateur. Ils sont appuyés contre une balustrade, regardant dans l’eau. Les personnages, le paysage et le bâtiment en arrière-plan sont peints de manière simplifiée, donnant à la peinture un effet décoratif. Les robes aux couleurs vives des filles contrastent avec le rose pâle, le bleu clair et le vert foncé atténué du paysage.

9. Jalousie, 1933–35

Munch est revenu sur cette image toute sa vie – il a réalisé pas moins de 11 versions peintes de Jalousie. Le premier tableau a été exécuté en 1895 et le dernier a été réalisé dans les années 1930.

On voit deux hommes et une femme, et on comprend tout de suite qu’il s’agit de jalousie. La femme est entre les deux hommes dont l’un nous regarde avec des yeux fixes tandis que l’autre se tient debout les yeux baissés.

10. L’enfant malade, 1925

L’enfant malade s’inspire du souvenir de Munch de la mort de sa sœur Sophie des suites de la tuberculose à l’âge de quinze ans. Le modèle était une jeune fille que Munch avait observée assise désemparée lorsqu’il accompagnait son père, un médecin, pour soigner la jambe cassée de son frère. Munch a travaillé sur la peinture pendant un an, développant le coup de pinceau rapide et la couleur vive qui suggèrent l’évocation douloureuse d’un souvenir traumatique. « Ce fut une percée dans mon art », écrira-t-il plus tard. « La plupart de ce que j’ai fait depuis est né sur cette photo ». Il en a fait plusieurs versions sur une période de quarante ans. C’était la quatrième version.