Les 10 œuvres d’art les plus célèbres de Frida Kahlo

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Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón (6 juillet 1907 – 13 juillet 1954) était une peintre mexicaine connue pour ses nombreux portraits, autoportraits et œuvres inspirées de la nature et des artefacts du Mexique. Inspirée par la culture populaire du pays, elle a utilisé un style d’art naïf pour explorer les questions d’identité, de postcolonialisme, de genre, de classe et de race dans la société mexicaine. Ses peintures comportaient souvent de forts éléments autobiographiques et un mélange de réalisme et de fantaisie. En plus d’appartenir au mouvement mexicayotl post-révolutionnaire, qui cherchait à définir une identité mexicaine, Kahlo a été décrit comme un surréaliste ou réaliste magique. Elle est connue pour peindre sur son expérience de la douleur chronique.

Le travail de Kahlo en tant qu’artiste est resté relativement inconnu jusqu’à la fin des années 1970, lorsque son travail a été redécouvert par des historiens de l’art et des militants politiques. Au début des années 1990, elle était devenue non seulement une figure reconnue de l’histoire de l’art, mais également considérée comme une icône pour les Chicanos, le mouvement féministe et le mouvement LGBTQ+. Le travail de Kahlo a été célébré internationalement comme emblématique des traditions nationales et indigènes mexicaines et par les féministes pour ce qui est considéré comme sa représentation sans compromis de l’expérience et de la forme féminines.

niood répertorie les 10 œuvres d’art les plus célèbres de Frida Kahlo :

1. Autoportrait au collier d’épines et colibri, 1940

L’identification de Kahlo à la culture indigène mexicaine a affecté son esthétique picturale. En utilisant une iconographie puissante de la culture indigène mexicaine, Kahlo se situe dans une tradition de rébellion contre les forces coloniales et la domination masculine. Le colibri mort qui pend autour de son cou est considéré comme un porte-bonheur pour tomber amoureux dans le folklore mexicain. Une interprétation alternative est que le pendentif colibri est un symbole de Huitzilopochtli, le dieu aztèque de la guerre. Pendant ce temps, la panthère noire est symbolique de la malchance et de la mort et le singe est un symbole du mal. Le paysage naturel, qui symbolise normalement la fertilité, contraste avec l’imagerie mortelle au premier plan.

Le collier d’épines pourrait faire allusion à la couronne d’épines du Christ, se comparant ainsi à une martyre chrétienne et représentant la douleur et l’angoisse qu’elle a ressenties après l’échec de ses relations amoureuses. Conformément à cette interprétation, les papillons et les libellules pourraient symboliser sa résurrection.

2. Les Deux Fridas, 1939

Ce tableau a été achevé peu de temps après son divorce avec Diego Rivera. Ce portrait montre les deux personnalités différentes de Frida. L’une est la Frida traditionnelle en costume de Tehuana, le cœur brisé, assise à côté d’une Frida indépendante et habillée de façon moderne. Dans le journal de Frida, elle a écrit à propos de cette peinture et a déclaré qu’elle provenait de la mémoire d’un ami d’enfance imaginaire. Plus tard, elle a admis que cela exprimait son désespoir et sa solitude avec la séparation d’avec Diego.

3. Autoportrait aux cheveux coupés, 1940

Dans cet autoportrait, Kahlo a rejeté les attributs féminins avec lesquels elle s’est souvent représentée – comme les robes traditionnelles brodées de Tehuana ou les fleurs dans ses cheveux – et arbore à la place un costume d’homme ample et une coupe de cheveux courte. Ses chaussures à talons hauts et une boucle d’oreille pendante restent cependant, ainsi que son regard pénétrant caractéristique vers l’extérieur. Des mèches de cheveux jonchent le sol, une tresse coupée se trouve à côté de sa chaise et l’artiste tient une paire de ciseaux sur ses genoux. Ce personnage androgyne peut faire référence à la propre bisexualité de Kahlo, tandis que les paroles d’une chanson mexicaine populaire qui apparaissent en haut suggèrent l’adresse d’un amant : « Écoute, si je t’aimais, c’était à cause de tes cheveux. Maintenant que tu es sans cheveux, je ne t’aime plus. Kahlo et son mari, l’artiste Diego Rivera, avaient divorcé fin 1939, et le tableau indique à la fois la violence de la séparation et une nouvelle autonomie : Kahlo a juré de subvenir à ses besoins après son divorce en vendant sa propre œuvre.

4. Broken Column, 1944

La colonne brisée a été peinte peu de temps après que Kahlo ait subi une opération de la colonne vertébrale. Elle se représente liée et contrainte par un corset en forme de cage. Une caverne de chair manquante viole l’intégrité de son corps, exposant une colonne brisée à la place de sa colonne vertébrale. La colonne semble être sur le point de s’effondrer dans les décombres. Des clous métalliques transpercent le visage, les seins, les bras et le torse de Kahlo, ainsi que le haut de sa cuisse, cachés derrière une bande de tissu. Des larmes coulent sur son visage. Installé dans un paysage ouvert, l’artiste-sitter s’expose à plus d’un titre. Le terrain sur lequel elle se tient semble aride et fendu.

5. Le Cerf Blessé, 1946

En 1946, Frida Kahlo subit une opération de la colonne vertébrale à New York. Elle espérait que cette opération la libérerait des graves maux de dos, mais elle a échoué. Cette peinture a exprimé sa déception envers l’opération. Après son retour au Mexique, elle a souffert à la fois de douleurs physiques et de dépression émotionnelle. Dans ce tableau, elle se dépeint comme un jeune cerf avec sa propre tête couronnée de bois. Ce jeune cerf est transpercé de flèches et saignant. Dans le coin inférieur gauche, l’artiste a écrit le mot « Carma », qui signifie « destin » ou « destin ». Tout comme ses autres autoportraits, Frida a exprimé dans ce tableau la tristesse de ne pouvoir changer son propre destin.

6. My Grandparents, My Parents, and I, 1936

Cet arbre généalogique onirique a été peint sur du zinc plutôt que sur de la toile, un choix qui souligne davantage la fascination de l’artiste pour sa collection de retables mexicains des XVIIIe et XIXe siècles (peintures folkloriques dévotionnelles utilisant une iconographie dérivée de l’art traditionnel de l’église catholique). Kahlo a terminé ce travail pour accentuer à la fois son héritage juif européen et ses origines mexicaines. Son côté paternel, juif allemand, occupe le côté droit de la composition symbolisé par la mer (reconnaissant le voyage de son père pour se rendre au Mexique), tandis que son côté maternel d’origine mexicaine est représenté à gauche par une carte décrivant faiblement la topographie du Mexique .

7. Self-Portrait on the Borderline Between Mexico and the United States, 1932

En 1930, Kahlo suivit son mari à San Francisco ; ils ont emballé leurs affaires et ont déménagé du Mexique aux États-Unis. Dans cette scène, Frida s’est peinte entre ces deux maisons ; à droite, une vue industrielle exagérée des États-Unis, les cheminées Ford émettant un drapeau américain nuageux et à sa gauche, une vue précolombienne du Mexique, avec un temple et des plantes indigènes. Cette dichotomie se reflète également dans ce qu’elle tient dans ses bras croisés, elle a une cigarette dans la main droite et un drapeau mexicain dans la gauche. La nostalgie du Mexique, elle décrit les États-Unis comme un endroit hostile plein de machines et de smog, et romantise ses racines indigènes – qui sont littéralement présentes sous la surface sur laquelle elle se tient.

8. Frieda and Diego Rivera, 1931

La peinture montre Kahlo debout à côté de son mari et collègue artiste, Rivera. Rivera, dépeint comme un peintre, tient une palette et quatre pinceaux dans sa main droite tandis que Kahlo incline la tête vers lui. Tous deux regardent vers le spectateur, sans sourire. Le pigeon dans le coin supérieur droit porte une banderole qui dit : « Ici, vous nous voyez, moi Frieda Kahlo, avec mon très cher mari Diego Rivera. J’ai peint ces tableaux dans la charmante ville de San Francisco en Californie pour notre compagnon M. Albert Bender, et c’était au mois d’avril de l’année 1931.

Hayden Herrera, auteur de “Frida : A Biography of Frida Kahlo“, interprète l’œuvre simplement comme Kahlo se décrivant comme l’épouse du grand artiste Rivera.

9. Without Hope, 1945

Dans cette peinture, Frida Kahlo, dépeint ce qu’elle a vécu avec le régime “d’alimentation forcée”. La nourriture dégoûtante avec des animaux et des crânes était retenue par la structure en bois qui contenait ses toiles pour la peinture. Il semble que ses bras soient coincés en dessous et ne peuvent pas aider à la situation. L’arrière-plan est un paysage mexicain déserté montrant à la fois le soleil et la lune. La situation semble être sans espoir.

10. Self-Portrait as a Tehuana, 1943

Ce tableau exprime le désir de Firda de posséder Diego Rivera, qui continue de la trahir avec ses aventures avec d’autres femmes. Mais elle ne peut s’empêcher de penser à lui. Elle a peint un portrait miniature de lui sur son front qui indique l’amour obsessionnel qu’elle a pour le célèbre artiste mexicain.

Dans cet autoportrait, elle porte le costume traditionnel mexicain de Tehuana pour lequel Diego Rivera est obsédé. Sur sa tête, elle portait des feuilles et la racine ressemble au motif d’une toile d’araignée. C’est peut-être dans ses pensées qu’elle a piégé Diego.